Наталья
Кортунова

ШЕДЕВРЫ

МИРОВОЙ ЖИВОПИСИ
Наталья Кортунова

Шедевры
мировой живописи

Москва

I Тздательство ACT
2026
Джотто

на

во ела ।
(Мадонна
Оньиссанти

Ок. 1300-1305. Дерево, темпера. 325x204 см.
Галерея Уффици, Флоренция

Это единственный сохранившийся алтарный образ, созданный Джотто. Образ
получил свое название в честь флорентийской церкви Всех Святых (Оньиссанти),
в которой находился до 1810 года. Богоматерь, держащая на руках младенца
Христа, восседает на троне, как Царица небесная. Эта иконография получила
название «Maestcl», или «Величие». Мадонна изображена в традиционной
накидке синего цвета, подчеркивающего ее божественность. Маленький Христос
благословляет верующих правой рукой. В левой руке он держит свернутый
свиток, символизирующий знание, принесенное им люФис Трон располагается
в архитектурно оформленной нише, инкрустированной разноцветным
мрамором, что находит параллели с итальянскими готическими постройками,
характерными для 1300-х годов.

Джотто ди Бондоне (1266 (?), Флоренция — 1337, Флоренция) — итальянский
художник и архитектор эпохи Проторенессанса, один из основателей
итальянской школы живописи. Вероятнее всего, был учеником Чимабуэ,
с которым вместе исполнял фрески в церкви Сан Франческо в Ассизи. В течение
20 лет работал во многих городах Европы: Авиньоне, Ферраре, Неаполе, Падуе,
Равенне, Риме, Вероне. Ок. 1303 года начал работу над знаменитыми фресками
в капелле дель Арена в Падуе. В 1311-м стал членом флорентийской гильдии
художников. В 1328 году в качестве придворного художника поступил на службу
к неаполитанскому королю Роберту Анжуйскому. В 1334 году был назначен
главным архитектором Флоренции, руководителем строительства собора
Санта Мария дель Фьоре и городских укреплений. В 1335 году работал в Милане
по приглашению местного правителя Аццоне Висконти.

_/^"^.нгепы с радужными крыльями, стоящие на коленях
у подножия трона, держат а руках вазы с розами и лилиями,
символизирующими чистоту и милосердие Девы Марии. В руках
у ангелов, расположившихся по бокам от трона, — корона
и дароносица, которые, вероятно, связаны со Страстями Христовыми.
За фигурами ангелов представлены святые, чьи изображения частично
перекрываются архитектурой и нимбами.

Алтарный образ, написанный в то время, когда Джотто уже был
чрезвычайно известен и получал заказы по всей Италии, отличается
особым натурализмом. Фигуры здесь объемны и полны жизни.
Декоративные элементы на одежде персонажей сведены к минимуму,
чтобы подчеркнуть пластическую природу тел, которые приобретают
объем за счет использования светотени. На протяжении более чем
столетия эта композиция служила источником вдохновения для
флорентийских художников.

У илтонски

ДИПТ

1395-1399

Этот переносной диптих — один из немногих сохранившихся со времен
Средневековья образцов английской станковой живописи. Он был создан для
английского короля Ричарда II и сочетает в себе религиозные и светские
образы, воплощающие идею королевской власти. Ричард II изображен стоящим
в коленопреклоненной позе перед Девой Марией и младенцем Христом. Его
сопровождают трое святых: Иоанн Креститель с агнцем, Эдуард Исповедник,
держащий кольцо, и Эдмунд со стрелой в руке.

удя по их жестам, святые представляют короля Богоматери
и Христу. Бывшие короли Эдмунд и Эдуард считались святыми
покровителями Англии. Также Ричард II владел мощами Иоанна
Крестителя и молился у его алтаря в Вестминстерском аббатстве.
Примечательно, что трое святых изображены здесь в том порядке,
в котором их часовни расположены в хоре аббатства, где Ричард
был коронован десятилетним мальчиком и где он похоронен.
Присутствие трех королей перед Девой Марией и Христом напоминает
о сюжете Поклонения трех волхвов, а праздник Крещения Господня
приходился на 6 января, день рождения Ричарда II. На внешней
стороне левой створки диптиха изображен белый олень с золотой
короной на шее — личный символ Ричарда. На красно-золотой
мантии коленопреклоненного короля можно увидеть ювелирное
украшение в виде белого оленя Такие же украшения носят на своих
лазоревых одеждах ангелы, изображенные на правой створке
диптиха. В те времена было поинято, чтобы знаки королей носили
их друзья и приверженцы, каковыми в данном случае выступают
небесные ангелы. Они окружают фигуру Богоматери с младенцем
на руках. Христос облачен в золотую ткань, а в его нимбе изображены
терновый венец и три гвоздя — символы будущих Страстей.
Он тянется к красно-белому знамени, точная символика которого
все еще не ясна. Вероятно, во времена Ричарда II он понимался
в первую очередь как штандарт Святого Георгия, который несли
английские солдаты, отправляющиеся в бой.

tin ван Эмк

Портрет
четы
Арнольфини

Oij, I Л<'[н11и», MiicjiL А2Х(Югч<
IhllUIOILrLIliHaii 1гзис|ики, Joujou

По cell день этот парный портрет будоражит умы исследователей,
стремящихся разгадать зашифрованную в нем символику. Принято считать,
что здесь представлены Джованни Арнольфини и его супруга, итальянцы,
проживавшие в нидерландском Брюгге в 1430-х годах. Арнольфини представлял
в городе интересы флорентийского торгового дома Медичи. На то, что перед
нами —уроженцы солнечной Италии, намекают апельсины елевой части
картины.

Ян ван Эйк {между 1385 и 1.390, Маасейк — 1441, Брюгге) — выдающийся
нидерландский художник, представитель Северного Возрождения. Учился
у брата, Губерта ван Эйка, с которым работал вместе до 1426 года.

С 1422 года — придворный живописец Иоанна Баварского, графа Голландского.
С 1425-го — придворный живописей и камергер герцога Бургундии Филиппа
Доброго. В 1427-1428 годах в составе герцогского посольства посетил Испанию
и Португалию. По легенде, является изобретателем масляной живописи,
которая вскоре получила широкое распространение как в северных странах,
так и в Италии. Был мастером портретов и религиозных композиций.

м

Л. г Хужчина одет в черные одежды, отороченные драгоценным
мехом, в то время как на его невесте дорогое зеленое платье.
Зеленый цвет традиционно символизировэл плодородие, а фигура
женщины говорит о ее вероятной беременности. Однако иллюзия
большого живота, возможно, возникает за счет плотных складок
юбки, которые дама прижимает к себе рукой. Мода на беременность,
эффект которой создавался за счет одежды, была характерна для
того времени. Специалисты предполагают, что художник изобразил
сцену обручения или тайного бракосочетания. Соединенные руки
персонажей являются символом брака, а собака — олицетворением
супружеской верности. Горящая в люстре свеча указывает
на «осиянность» церемонии и присутствие божественного духа,
висящие на стене четки — на благочестие, а зеркало — на чистоту.
В круглом выпуклом зеркале едва можно разглядеть отражение двух
фигур, которое говорит о том, что в комнате находятся не только
жених и невеста, но и возможные свидетели их супружеской клятвы.
Над зеркалом — надпись на латыни «Ян ван Эйк был здесь», что
позволяет предполагать присутствие самого автора картины при
этом торжественном событии. При этом некоторые исследователи
предполагают, что в действительности художник изобразил здесь себя
и свою супругу.

Фра Филиппо «Хиппи
Мадонна
с младенцем
Христом
и двумя ангелами
Ок. 1460-1465, Дерево, темпера. 95x62 см.

Галерея Уффици, Флоренция

Фра Филиппо ди Том мазо Липпи 1 1406, Флоренция -1469, Семието) —
итальянский живописец Раннего Возрождения. С 8 лет жил в монастыре,
в 1421 году принял монашеский обет. В 1424-м наблюдал за созданием росписей
Мазаччо и Мазолино в капелле Бранкаччи, испытал влияние Фра Беато
Анджиико. В 1430 году впервые в монастырских документах упоминается как
«живописец». Художник оставил в 1431 году монастырскую жизнь, но продолжал
носить монашескую одежду. Работал преимущественно во Флоренции. Одним
из современников приравнивался к <рра Беато Анджелико как лучший художник
Флоренции. В 1442 году назначен папой Евгением IV «настоятелем и похвальным
аббатом» церкви Сан-Квирико в Аегнейе. В 1452 году стал капелланом монахинь
монастыря св. Марии Магдалины во Флоренции.

э

ту знаменитую работу фра Филиппо Липпи отличает
необычайная непосредственность в изображении священного
сюжета. Мадонна восседает на троне, от которого видны лишь резная
ручка и мягкая вышитая подушечка. Богоматерь чуть склоняется
в молитвенной позе перед божественным младенцем. Выражение
ее лица кажется нежным, почти меланхоличным, словно она
задумалась о мучительной судьбе, которая ждет ее сына. Младенец
Иисус, поддерживаемый двумя ангелами, тянется к матери Ангел,
представленный на переднем плане, оборачивается и словно
обращается с улыбкой к зрителю, вовлекая его в изображенную
сцену. Крупные полуфигуры персонажей размещены в ограниченном
пространстве, окаймленном каменной рамой, что делает композицию
похожей на многочисленные скульптурные рельефы, созданные
флорентийскими мастерами того времени. Кажется, что герои картины
представлены на фоне открытого окна, за которым расстилается
далекий пейзаж со скалами, деревьями, рекой и высокими башнями.
Одежда и прическа Мадонны соответствуют современной художнику
женской моде. На ее высокий лоб спускается украшение из жемчуга,
а в волосы вплетены вуали, так же, как у флорентийских дворянок
середины XV века. Нимбы Богоматери и Христа прозрачны и едва
заметны, так что через них можно видеть пейзаж на заднем плане.
Существует мнение, что в. образе Девы Марии художник представил
Лукрецию Бути, молодую монахиню из Прато, сбежавшую с ним
из монастыря и ставшую его женой. Христос и ангел на переднем
плане написаны, в свою очередь, с двух сыновей Липпи и Лукреции,
которых звали Филиппино и Алессандро. Картина имела успех
у художников Флоренции и многими использовалась е качестве
образца для подражания, в том числе юным Боттичелли, который был
учеником Липпи.

Пьеро делла Франческа

Портрет герцога

и герцогини
5 рбинских

Ок. 1473-1475. Дерево, чаело. 47x33 см (каждая панель).

Галерея Уффици, Флоренция

Так называемый «Урбинский диптих», на котором представлены герцог
Урбанский Федериго да Монтефельтро (1422-1482) и его супруга Баттиста
Сфорца (1446-1472), является одним из самых знаменитых портретов
раннего итальянского Возрождения. Традиция полуфигурных профильных
изображений появилась в Италии в связи с увлечением античными монетами,
однако определенное влияние могли оказать и профильные портреты заказчиков
на церковных алтарях, создаваемых нидерландскими мастерами. Но в случае
с Федериго да Монтефельтро причиной подобного выбора была в том числе
обезображенная правая часть его лица, поэтому этот знаменитый полководец
на всех живописных изображениях представал исключительно в профиль.

Пьеро делла Франческа (Пьеро ди Бенедетто деи Франческини, ок. 1415, Борго-
Сан-Сеполъкро — 1492, Борго-Сан-Сеполькро) — итальянский художник
Раннего Возрождения. Биографические данные о нем немногочисленны. Учился,
вероятно, во Флоренции, у Доменико Венециане. Под его началом работал
во флорентийской церкви Санта-Мария-Нуова. В 1442 году, вернувшись, стал
советником в родном городе. В 1445-м получил свой первый значительный заказ,
позже трудился в Ареццо, где создал знаменитые фрески собора Сан Франческо.
Начиная с 1450-х годов выполнял заказы правителей Италии из Римини,
Феррары, Урбино. В 1458-1459 годах по поручению папы Римского расписывал
резиденцию в Ватикане. Рано прекратил свою художественную деятельность
из-за ухудшающегося зрения. Написал трактаты по перспективе и математике,
оказавшие влияние на развитие ренессансной науки и искусства.

ба портрета объединены непрерывным холмистым пейзажем
на заднем плане, изображающим те земли, которыми правили герцог
и герцогиня. Привлекает внимание контраст между темным оттенком
кожи Федериго и бледной кожей Баттисты Сфорца. Бледность
герцогини не только соответствует представлениям о женской красоте
эпохи Возрождения, но и может быть намеком на ее раннюю смерть.
На обратной стоооне панелей вновь изображены герцог и герцогиня,
торжественно едущие на триумфальных колесницах в сопровождении
христианских добродетелей. Надписи на латыни прославляют
правителя и его супругу. Наличие изображений на обратной стороне
предполагает, что две картины, теперь помещенные в современную
раму, когда-то были частями единого диптиха.

Пьеро делла Франческа пользовался особым расположением
герцогов Урбинских и был частым гостем при их дворе, который
являлся одним из важнейших культурных и художественных центров
Италии. В этом произведении художник сочетает строгие законы
перспективы, усвоенные во время его обучения во Флоренции,
с тончайшей деталировкой изображения, что более характерно для
нидерландской живописи.

Алтарь
11 ортинарй

Ок. 1477 1478. Дерево, масло. 274 х 652см
(с раскрытыми створками).

Галерея Уффици, Флоренция

Заказчик произведения Томмазо Портинари <1428-1501), родом из Флоренции,
многие годы жил в Брюгге, где работал представителем банка семьи Медичи.
Во время своего пребывания во Фландрии он поручил фламандскому художнику
Гуго ван дер Гусу написать триптих «Поклонение пастухов» для украшения
семейной часовни в церкви при приюте Санта Мария Нуова во Флоренции,
покровителями которого были Портинари. Этот алтарный образ был
воспринят флорентийскими художниками как необычайно новаторский,
они высоко оценили реалистично выписанные предметы, пейзаж и портретные
лица моделей.

Гуго ван дер Гус (1430/1440, Гент — 1482, Одергем) — фламандский художник,
одна из ключевых фигур Северного Возрождения. Родился в семье художника.

В1467 году стал «свободным мастером живописного ремесла» в Генте,
в 1473-1476 годах был деканом Гильдии св. Луки. С1468 года занимался в Генте
торговлей картинами. Писал алтарные картины и портреты, но выступал
и в роли декоратора —участвовал в украшении города Брюгге в 1468-м
по случаю свадьбы Карла Смелого, в 1469 и 1472 годах отвечал за оформление
«торжественных въездов» Карла Смелого в Гент. Работал на герцога Урбинского
Федериго да Монтефельтро. Около 1475 года вступил в августинский монастырь
близ Брюсселя, в 1478-м принял монашеский сан. Страдал душевной болезнью.
Несмотря на недуг, продолжал выполнять заказы высокопоставленных особ
и работать для монастыря. В монастырской летописи говорилось, что по эту
сторону гор (Альп) как художнику ему нет равных. В монастыре его посетил
будущий император Священной Римской Империи Максимилиан.

jE la центральной панели изображен младенец Иисус, лежащий
на земле в золотом сиянии света, означающем, что он является
Светом мира. Дева Мария, ее муж Иосиф, ангелы и пастухи стоят
вокруг него в поклонении. На заднем плане в пейзаже изображен
момент, предшествующий этой сцене — ангел возвещает пастухам
о рождении Спасителя. Пейзажный фон соединяет центральную
композицию с боковыми панелями, на которых члены семьи
Портинари представлены в молитвенных позах рядом со своими
святыми покровителями. На левой створке апостол Фома и святой
Антоний Великий возвышаются над главой семьи Томмазо Портинари
и его двумя сыновьями — Антонио и Пигелло. На правой створке
святая Маргарита, победившая дракона, и Мария Магдалина,
держащая в руках сосуд, стоят позади Марии Барончелли Портинари
и ее дочери Маргариты. Одежда и прически представителей
семейства характерны для фламандской моды того времени.
Разница в пропорциях фигур святых и реальных людей отражает
место последних в религиозной иерархии. Цветы, детально
изображенные на переднем плане центральной композиции,
имеют символическое значение.



Сандро Боттичелли (Алессандро Филипепи, 1445, Флоренция — 1510,
Флоренция) — итальянский художник Раннего Возрождения, представитель
флорентийской школы, В 1458 году работал подмастерьем в ювелирной
мастерской одного из своих братьев. С 14б2-го учился у Фра Филиппо Липпи,
затем у Андреа Верроккьо. В 1470 году открыл собственную мастерскую.

В 1472-м упоминается среди членов Гильдии св. Луки. В толе же году поехал в Пизу
писать фреску для Кафедрального собора. В 1475-м познакомился с семейством
Медичи. Снискав большую славу во Флоренции, в 1481 году художник был
приглашен в Рим папой Сикстом IV для росписи боковой стены Сикстинской
капеллы в Ватикане. В 1482-м вернулся во Флоренцию и начал работу над серией
фресок для Виллы Спедалетто. В 1490-е годы под влиянием проповедовавшего
во Флоренции монаха Савонаролы писал лишь религиозные сюжеты, уничтожив
часть собственных произведений светского характера.

i  оттичелли одним из первых среди художников Раннего
Ренессанса обратился к изображению персонажей античной
мифологии. Принято считать, что на этой картине впервые за многие
столетия мифологические фигуры представлены в таком масштабе.
Созданное мастером произведение также считается одним из первых
живописных образов женской обнаженной натуры, которые
ранее, в эпоху Средневековья, не имели распространения из-за их
«греховности». Однако богиня, написанная Боттичелли, скромно
прикрывает одной рукой обнаженную грудь, а второй — свое лоно
Эта поза позаимствована художником с классической античной статуи
Венеры, находившейся в коллекции семейства Медичи, знатоков
и любителей Античности, и известной как «Венера стыдливая» (Venus
Pudica). Именно Медичи были заказчиками этого полотна.

Богиня любви и красоты Венера, стоящая на морской раковине,
которую несут к берегу волны, вот -jot сойдет на землю. Здесь ее
встречает Ора, одна из богинь времен года, чтобы укрыть покровом,
расшитым цветами. Цветы на одеждах Оры намекают на то, что
перед нами фигура, олицетворяющая весну. На ее шее — ожерелье
из ветвей вечнозеленого мирта — символа вечной любви. Достичь
берега Венере помогают крылатые гении, парящие в левой части
картины. Своим дыханием они подгоняют плывущую по морю
раковину. Вокруг их фигур изображены розы, поскольку, согласно
мифу, эти цветы появились в нашем мире одновременно с рождением
Венеры, также став одним из символов любви. В действительности
художник не показывает зрителю сам момент рождения богини,
по легенде появившейся на свет из морской пены. Источником
вдохновения стала для Боттичелли поэма его современника Анджело
Полициано, в которой говорилось о том, что Венера приплыла
к берегу на огромной морской раковине.

Леонардо да Винчи

Портрет
госпожи
Лизы дель
Джоко идо
(Мона Лиза)

1503-1519. Дерево, масло. 76X53 см.
Л у вр, Париж

Работа Леонардо до сих нор таит в себе множество загадок — неизвестны
точные даты ее создания, как и оспаривается имя изображенной здесь модели.
Согласно традиционной версии, картина является заказным портретом
жены флорентийского купца Франческо дель Джоконда — Лизы Герардини.
« Моня» — сокращенный вариант от Mia Donna, то есть моя госпожа.
Необычность лицу изображенной модели придает отсутствие ресниц и бровей,
что в действительности соответствовало моде того времени, как и высокий лоб
с выбритыми волосами. С помощью разработанного им приема «сфумато» —
едва уловимой дымки, смягчающей контуры и тени, Леонардо создал иллюзию
присутствия реальной женщины, которая словно находится в немом диалоге
с каждым, кто на нее смотрит.

Леонардо ди сер Пьеро да Винчи (1452, Анкиано — 1519, замок Кло-Люсе) —
итальянский художник, скульптор, архитектор, ученый, музыкант, один из
«титанов» Высокого Возрождения. В возрасте 15 лет поступил подмастерьем
к известному флорентийскому живописцу и скульптору Андреа Верроккьо.

В 1472 году получил звание мастера живописи и написал первую самостоятельную
картину — «Благовещение». В 1481 -м получил первый большой заказ —
алтарный образ «Поклонение волхвов» Зля монастыря близ Флоренции. Около
1482 года переехал в Милан ко двору Лодовико Сфорца, отрекомендовав себя
в первую очередь как военный инженер, а не как художник. В 1499-м после
вторжения французов в Милан вернулся во Флоренцию, а затем обратно в Милан
в 1506 году. В 1513-м отправился в Рим в надежде получить работу при папском
дворе. В 1516 году по приглашению французского короля Франциска I переехал
во Францию, где провел последние годы.

.J. Л опулярность самой известной ныне картины начала возрастать
лишь в XIX столетии, Некоторое ьремя она висела в спальне самого
Наполеона, который впоследствии передал ее в Лувр, откуда когда-
то и позаимствовал. Поначалу она не привлекала пристального
нимания посетителей музея, пока в середине XIX века, прежде
всего люди искусства, не стали воспевато ее загадочность и красоту.
Писатель Теофиль Готье одним из первых отметил ее прекрасную
улыбку: «Джоконда! Это слово немедленно вызывает в памяти
сфинкса красоты, который так загадочно улыбается с картины
Леонардо... Опасно попасть под обаяние этого призрака... Ее улыбка
обещает неизвестные наслаждения, она так божественно иронична».
Известности произведению добавило его похищение в 1911 году.
Один из сотрудников Лувра, итальянец по происхождению, решил
вернуть картину на ее историческую родину, в Италию, где она и была
обнаружена спустя два года. После возвращения в Лувр за картиной
закрепился непререкаемый статус шедевра.

Альбрехт Дюрер

Автопортрет
в одежде,
отделанной
мехом

15(Ю. leprinh масло, (н, I X 4ДД) гм.
Старан 11111 |;и,ч пччгн. Мюнхен

Альбрехт Дюрер (1451, Нюрнберг — 1528, Нюрнберг) — выдающийся немецкий
график, живописец и теоретик эпохи Возрождения. Учился у отца-ювелира,
а затем у художника Михаэля Вольгемута. В 1490 году путешествовал
по Ьвропе, ; 1494-м поехал в Италию. В 1495 году вернулся в Нюрнберг и открыл
граверную мастерскую. В 1498-м приобрел известность как автор серии гравюр
«Апокалипсис». В 1505 году вновь поехал в Италию, где большую часть времени
проводил в Венеции. В 1507-м вернулся в Нюрнберг и в 1509 году был избран
в городской совет. По указанию покровителя Дюрера, императора Священной
Римской империи Максимилиана I, художник с ISIS года получал ежегодную
пенсию от Нюрнберга. В 1520-м посетил Нидерланды, где сильно заболел,
возможно, малярией. В 1525 году опубликовал первую из своих теоретических
книг — «Руководство к измерению циркулем и линейкой».

' I льбрехт Дюрер первым в истории немецкой живописи начал
писать автопортреты, что было в его время довольно смелым шагом,
говорящим об освобождении художника от власти сословных
предрассудков. В этих портретах проявился новый, ренессансный,
подход к трактовке личности художника, который теперь должен
был рассматриваться не как скромный безымянный ремесленник,
а как человек, обладающий высоким общественным статусом, как
творец. В ряду прекрасных автопортретов мастера особое место
занимает образ, созданный им в 1500 году. Дюрер написал себя
здесь таким, каким хотел видеть, размышляя о высоком призвании
художника. Портретное изображение - фас не было характерно для
живописи рубежа XV-XVI столетий, в то время модели представали
на портретах преимущественно в трехчетвертном повороте. Подобное
расположение фигуры в пространстве в первую очередь вызывало
ассоциации не со светскими, а с религиозными образами, а именно —
с образом Христа.

Дюрер обратился к такому приему сознательно, и в этом не было
никакого святотатства. В Германии начала XVI века Христос
воспринимался как идеал человека, поэтому каждый христианин
должен был стремиться уподобиться ему, что и делает Дюрер
Художник использовал для собственного портрета иконографию
образа благословляющего Спасителя, но привнес в нее мощное
индивидуальное начало Справа на черном фоне тщательно выведено
на латыни: «Я, Альбрехт Дюрер из Нюрнберга, написал себя так
вечными красками в возрасте 28 лет». Слева на картине можно
увидеть его знаменитую монограмму, составленную из инициалов AD.
В отличие от большинства предшественников этот мастер подписывал
почти каждую свою работу. Особое внимание обращает на себя
дата над моногоаммой —1500 год. Именно тогда Европа ожидала
очередной «конец света», и в данных обстоятельствах последний
живописный автопортрет Дюреоа можно расценивать и как его
своеобразное «духовное завещание».

Лукас Кранах Старший

Суд Париса

1528. Дерево, масло. 102x71 см.

Музей Метрополитен, Ныо-Йорк

Лукас Кранах Старший 11472, Кронах — 1553, Веймар) — немецкий художник,
представитель Северного Возрождения. Получив начальное художественное
образование у отца, вероятно, отправился в путешествие в качестве
подмастерья. В 1502-1505 годах жил н Вене. В 1505 м стал придворным
художником курфюрста Саксонии Фридриха Мудрого в Виттенберге. В его
обязанности входили не только написание картин, но и изготовление книжных
украшений, оформление придворных праздников и церемоний, различных
декоративных предметов и декораций. Он имел большую художественную
мастерскую. Занимался книгопечатанием и книжной торговлей. Неоднократно
избирался бургомистром города. В 1508 году художнику было пожаловано
дворянство. Тогда же он был отправлен в Мехелен с дипломатической миссией.
В 1547-м герцог Иоганн Фридрих Великодушный, курфюрст Саксонии,
на которого работал живописец, был разбит императорскими войсками и взят
в плен. По его просьбе через три года художник последовал за ним в плен в Аугсбург,
где познакомился с Тицианом. В 1552 году отправился с герцогом в его новую
резиденцию в Веймар. Художник был дружен с Мартином Лютером.

эботая в университетском городе Виттенберге, при дворе
курфюрстов Саксонских, Лукас Кранах нередко обращался в своем
творчестве к светским темам. «Суд Париса», ставший впоследствии
чрезвычайно популярным в европейской живописи сюжетом,
грактуется немецким мастером на первый взгляд довольно
необычно Согласно античному мифу, троянский царевич Парис
призван был рассудить трех богинь: Афродиту, Геоу и Афину, которые
никак не могли решить, кому из них достанется золотое яблоко
с надписью «Самой прекрасной». Каждая из богинь обещала Парису
одарить его, если он отдаст яблоко именно ей. Афродита посулила
ему любовь самой прекрасной женщины в мире и взамен получила
яблоко. Она сдержала обещание — Паоис встретил Прекрасную
Елену и увез ее в Трою, что послужило причиной Троянской вой-
ны. Однако Кранах был знаком не с античной версией этой истории,
а с ее средневековой обработкой. В итальянском романе «История
разрушения Трои» (XIII век) рассказывалось, как Парис, сын короля,
заблудившись, заснул в лесу. Во сне ему явились три богини:
Венера, Юнона и Минерва, а также бог Меркурий, предложивший
ему рассудить их спор. Поэтому в композиции Кранаха юноша,
одетый в рыцарские доспехи, современные художнику, лежит под
деревом. Меркурий держит в руках в качестве приза не яблоко,
а стеклянный шар, Бог любви Амур, изображенный на фоне пышного
облака, указывает стрелой на богиню Венеру как на победительницу.
Известный сюжет позволил художнику изобразить в композиции
обнаженные женские фигуры. Образы богинь, анатомически
не совсем еще верные, демонстрируют индивидуальное
представление мастера о красоте и изяществе. Прически и украшения
богинь соответствуют женской моде в Германии того времени.





Джорджоне {Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, ок. 1477/1478,
Кастелъфранко-Венето — 1510, Венеция) — итальянский живописец,
представитель венецианской школы, один из выдающихся мастеров Высокого
Возрождения, поэт, музыкант. В J 493 году переехал в Венецию и поступил
учеником в мастерскую Джованни Беллини. Согласно Дж. Вазари, в 1500-м
встречался с «мимолетно побывавшим в Венеции» Леонардо. В 1504 году
выполнил заказанный ему алтарный образ «Мадонна Кастельфранко» для
капеллы знатной семьи Костанцо в Кафедральном Соборе в Касте мнрранко-
Венето. По распоряжению Сената Венецианской республики, в 1508 году вместе
с Тицианом создал наружные фрески здания «Немецкого подворья» на Большом
канале. Умер от чумы.

з

К^>/наменитейшее полотно, хранящееся ныне в Дрездене, было
заказано по случаю предстоящего бракосочетания Джироламо
Марчелло с известной венецианской красавицей Морозиной
Пизани в 1507 году. Сюжет со спящей Венерой был связан с темой
супружества — богиня олицетворяла не только союз любящих
сердец, но и то умиротворение бурных чувств, которое наступало
после вступления в брак. Не исключено, что заказчик был вдохновлен
свадебными стихами, в которых спящую Венеру просят проснуться
и присутствовать на праздничном торжестве, чтобы она могла
покровительствовать любовным отношениям новой пары. Джорджоне
удалось передать в образе спящей богини особое состояние покоя
и безмятежности. Изображение прекрасной женщины на фоне
умиротворенного пейзажа словно воплощало сам идеал эпохи
Возрождения — идею естественной гармонии мира. Плавным изгибам
обнаженного тела вторят волнистые линии ландшафта, Розовая заря
окутывает все пространство теплым прозрачным флером. Когда-
то у ног богини в этой композиции можно было увидеть сидящего
амура, ее постоянного спутника, который играл с луком и стрелами.
Но. вероятно, до XiX столетия его изображение дошло в настолько
плохом состоянии, что в 1837 году поверх фигуры амура кем-то
было написано продолжение зеленого луга (некоторые фрагменты
фигуры амура просматриваются на современных рентгеновских
снимках полотна). В одном из документов, датируемом 1525 годом,
сообщается, что картина была начата Джорджоне, а завершена
его другом и соратником Тицианом, поскольку Джорджоне
внезапно скончался Долгое время считалось, что Тицианом были
дописаны дома на заднем плане и серебристая драпировка, Однако
состояние картины, которая в прошлом подвергалась нескольким
реставрационным вмешательствам, по мнению специалистов, уже
не позволяет делать какие-либо достоверные выводы о том, какие
ее части были написаны тем или иным художником.

Рафаэль

Сикстинская
мадонна

Ок. 1512 1513. Холст, масло.

265 x196 см.

Галерея старых мастеров, Дрезден

Рафаэль Санти (или Раффаэлло Санцио, 1483, Урбино — 1520, Pim) —
итальянский живописец, график и архитектор, один из «титанов» Высокого
Возрождения. Он родился в семье придворного художника и поэта Джованни
Санти. В 1500 году начал работу как сложившийся мастер и в официальных
документах стал именоваться как «магистр». В 1501-м закончил алтарный
образ для церкви Сан-Агостино в Чита-ди-Кастслло. С 1501 году учился
и работал в мастерской Пьетро Перуджино ь Перудже. В 1504-м пкхал
во Флоренцию, чтобы учиться на произведениях Леонардо и Микеланджело.
В 1508 году переехал в Рим, где получил заказ от папы Юлия 11 на оформление
папских покоев в Ватикане. 1509 год — начало работы над фреской ^Афинская
школа». В 1514-м стал архитектором собора св. Петра в Риме. В 1515 году
папа Лее X назначил Рафаэля ответственным за сохранность и перепись
античных изваяний, в 1517-м он стал хранителем античных древностей.
Умер от лихорадки в день своего 37-летия.

XVIII и XIX столетиях именно эта картина, а не «Джоконда»
Леонардо, считалась самым известным живописным произведением
в мире. В 175а году за очень крупную денежную сумму она была
приобретена Фридрихом Августом II, курфюрстом Саксонским,
у церкви Сан-Сиксто в Пьяченце, после чего оказалась в Дрездене.
По названию церкви полотно, ранее известное как «Мадонна
с младенцем, св. Сикстом и св. Варварой», стало именоваться
«Сикстинской Мадонной».

Раздвигается в стороны зеленый занавес, и, ступая по зыбкой
поверхности облаков, словно по земле, Дева Мария идет навстречу
зрителю Кажется, что еще немного, и она окажется в пространстве
земного мира. Богоматерь несет людям своего сына, а ее печальный
взгляд говорит о том, что она уже знает о его грядущих страданиях.
Серьезность, почти скорбность лица маленького Христа, также
свидетельствует об осознании им своей будущей судьбы. По сторонам
от Мадонны с младенцем изображены св. Варвара и св. Сикст,
чьими реликвиями обладала церковь, для которой картина была
написана. Сикст протягивает руку в сторону зрителя, будто указывая
на него Деве Марии. В то же время этим жестом он вовлекает нас
в пространство картины. Вероятно, Рафаэль создал это произведение
по заказу папы Юлия II. преподнесшего его в дар городу Пьяченца
в благодарность за вклад местных жителей во время вой-
ны с Францией. Изображенный здесь св. Сикст был небесным
покровителем семейства делла Ровере, из которого происходил
не только папа Юлий II, но и один из его предшественников —
папа Сикст IV.

Аньоло Бронзино

Портрет
Биа Медичи

15’42-1545. Дерево, масло. 63x48 см.
Галерея Уффици, Флоренция

Анымо Бронзино (Аньоло ди Козимо ди Мариано, 1503, Флоренция — 1572,
Флоренция) — итальянский художник-маньерист. Прозвище «Бронзино»,
возможно, связано с его относительно темной кожей или рыжими волосами.
С 1515 года он начал работать в мастерской маньериста Пантормо. Вместе
с Понтормо в 1523-1525 годах расписывал фресками монастырь а Галуцио,
затем работал на Вилле Медичи в Карсджи. В 1530-м стал придворным
художником герцога Урбинского. Участвовал в оформлении росписями виллы
Империале в Пезаро. С1533 гоЛ1 стал придворным художником великого герцога
Тосканы Козимо 1 Медичи. Самый выгодный заказ получил в 1539-м в связи
с реконструкцией и оформлением ГТалпццо Веккьо во Флоренции. В 1561-л« вместе
с Вазари и Амманати основал «Академию рисунка» — первую художественную
академию Нового Бремени в Европе.

ишь в конце XIX века исследователи смогли определить, кто
изображен на этом портрете. Перед нами — внебрачная дочь Козимо
Медичи, герцога Тосканского, родившаяся еще до его женитьбы
на Элеоноре Толедской в 1539 году. Ее имя — Биа, возможно,
было уменьшительным от имени Бьянка. Девочка воспитывалась
/месте с законными детьми семейства Медичи, окруженная
любовью Элеоноры Толедской и своей бабушки, Марии Сальвиати,
с которой была очень близка. В конце января 1542 года в возрасте
пяти лет Биа внезапно заболела и вскоре скончалась. Скорбящий
отец повелел снять с лица умершей дочери погребальную маску.
Не исключено, что Бронзино писал портрет девочки не при жизни,
а после смерти, используя маску. Талант Бронзино позволил создать
ему столь живой образ, что кажется, будто он написан с натуры.
Возникает впечатление, что девочка, сидящая в кресле, вот-вот
/скочит на ноги и побежит. В нетерпении она теребит в пальцах
толстую цепочку, служащую ей поясом. Белый цвет платья здесь
может символизировать духовную чистоту ребенка, который рано
ушел из жизни, не успеь совершить греховных поступков. В то же
время цвет может служить и отсылкой к имени девочки — Бьянка
по-итальянски значит «белый». Жемчуг в ее украшениях — серьгах
и ожерелье — также является одним из символов невинности
и чистоты и часто встречается в портретах, изображающих женщин
из семейства Медичи. Помимо нитки жемчуга на шее девочки висит
золотая цепочка с медальоном, на котором виден чеканный профиль
ее отца. Фигура представлена на темно-синем фоне, который
становится более светлым вокруг ее головы, в чем некоторые
исследователи усматривают условное изображение нимба.
Волосы девочки, непривычно короткие для той эпохи, заплетены
в небольшие косички по сторонам от лица и подчеркивают ее совсем
еще юный возраст.

КоррСДЖО

Рождество

1528-1530., Дерево, масло.

256,5x188 см.

Га. ip ре я старых мастеров,
Дрезден

Антонио Аллегри да Корреджо (ок. 1489, Корреджо —1534, Корреджо} —
итальянский художник Высокого Возрождения, представитель пармской школы.
Мало что известно о его молодости и обучении. Вероятно, первое художественное
образование мог получить от брата своего опща, художника Лоренцо Аллегри.
В 1503-1505 годах был учеником в мастерской Франческо дель Бьянки Феррара
в Модене. После поездки в 1506-м в Мантую ко двору герцога вернулся в Корреджо,
где оставался до 1510 года. К151б-лу Корреджо уже находился в Парме, где
провел большую часть своей жизни.

браз младенца Христа как «светоча мира» впервые появляется
в живописи позднего Средневековья благодаря тому описанию,
что оставила в своих откровениях св. Бригитта Шведская, жившая
в XIV веке. Ей было видение, будто она сама присутствовала при
рождении Христа- «Внезапно и в одно мгновение она родила своего
собственного Сына, от которого исходили такой несказанный свет
и великолепие, что солнечный свет был несравним с ними». Однако
уровень мастерства художников, как в Италии, так и в других странах,
в то время еще не был достаточно высок для того, чтобы изобразить
ночную сцену. Именно Корреджо . первой четверти XVI века
удается создать первый масштабный ноктюрн н истории итальянской
живописи. Мастер виртуозно передает волшебные эффекты ночного
освещения, такие как приглушенный свет зари на горизонте —
символ новой эры для человечества, которая началась с приходом
Христа в этот мир. Но главное — то Божественное сияние, что
исходит от младенца. Оно ярко освещает улыбку потрясенной
Богоматери и создает резкие светотени на фигурах и лицах других
персонажей — пришедшего поклониться Христу пастуха, служанок,
св. Иосифа. Одначиз женщин буквально ослеплена этим сиянием
и пытается закрыться от него рукой. Когда Фридрих Август II,
курфюрст Саксонии и король Польши, приобрел ставшее уже
известным полотно у Франческо III д'Эсте, герцога Моденского,
хранитель его картинной галереи с гордостью отметил, что «во всей
Европе» эту картину будут называть не иначе, как «знаменитая ночь».
Помимо оригинальных светотеневых приемов Корреджо играет здесь
с теми головокружительными ракурсами, в которых представлены
фигуры ангелов, радостно наблюдающих сверху за происходящим.
Произведение задумывалось как алтарная композиция для семейной
капеллы Альберто Пратоньери в церкви Сан-Просперо в Реджо.

эб

Тициан

1538. Холст, масло. 119 х 165 см.
Галерея Уффици. Флоренция

Венера
Урбинскйя

Создавая образ соблазнительной Венеры, богини любви и красоты, Тициан
обращается к иконографии, сложившейся в эпоху Раннего Возрождения
и вдохновленной античной скульптурой Venuspudica («Венера Стыдливая»).
Возлежащая на ложе обнаженная женщина левой рукой прикрывает свое
лоно, а в правой держит букет роз, один из символов Венеры, намекающий
на удовольствия и постоянство в любви. В изножье постели свернулась клубком
спящая собака, являющаяся олицетворением супружеской верности.

Тициан Вечеллио (ок. 1488/90, Пьеве-ди-Кадоре— 1576, Венеция) — выдающийся
итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи
Высокого и Позднего Возрождения. Он стал ведущим мастером своего времени,
создав сотни портретов, религиозных и мифологических сцен. Около 1500 года
вместе с братом Франческо художник отправился в Венецию. В 1505-м работал
с Джорджоне над фресками «Немецкого подворья». В 1511 году создал три
фрески для Скуола дель Сайтов! ladye. В 1516-м после смерти своего учителя
Джованни Беллини стал ведущим художником Венецианской республики.

В 1520-е годы написал знаменитые алтарные образы и выполнял частные заказы
(внутреннее оформление Дворца дожей). В 1530 году был представлен императору
Священной Римской Империи Карлу V, который стал его заказчиком. В 1533 году
получил от императора титул графа Палатинского и рыцаря Золотой шпоры.

В 1545-м поехал в Рим по приглашению папы Павла Ill. В 1547 году художник
поехал в Аугсбург, где работал при дворе Карла V. В 1550-м вновь посетил
Аугсбург и начал создание серии «поэм» для будущего короля Испании Филиппа II.
Умер от чумы.

JL Л. сследователи предполагают, что в образе богини
любви художник представляет здесь невесту, которая вот вот
облачится в праздничное платье для проведения свадебного
ритуала, известного в Венеции как il toccamano Такая церемония
проводилась не в церкви, а в доме — девушка, выходившая замуж,
касалась руки жениха, чтобы выразить свое согласие. На заднем
плане изображена комната, обстановка которой характерна для
богатого патрицианского дома в Венеции XVI века. Две служанки
готовятся нести одежды своей госпоже — одна что-то ищет
в сундуке, из которого только что достала роскошное свадебное
платье, лежащее теперь на плече второй служанки. На окне стоит
горшок с миртом — деревом, которое также традиционно связывали
с богиней Венерой, это еще один символ верности в любви.
Однако существует мнение, что художник изображает не невесту,
а, напротив, обольстительную куртизанку, но все же предназначена
была такая картина для супружеских покоев. Полотно, называвшееся
первоначально «Обнаженная женщина» (La donna nuda), было
заказано Тициану Гвидобальдо II делла Ровере.

4

ч» *

освобождает раба)

1548. Холст, масло. 416 х 544 см.

Галерея Академии, Венеция

Тинторетто

а №

Hi

Чудо св. Марка

(св. Марк

Тинторетто (Якопо Робусти, 1518, Венеция — 1594, Венеция) — итальянский
художник Позднею Возрождения. Свое прозвище Тинторетто («Маленький
красильщик») получил из-за профессии отца, бывшего красильщиком тканей
(tintore). Обнаружив необыкновенную способность сына к живописи, отец
отдал его в ученики к Тициану, но обучение продлилось меньше месяца. Многие
исследователи отрицают «ученичество» Тинторетто у Тициана, утверждая,
что у него вообще не было наставника. Однако на стене у себя в мастерской позже
он написал девиз своего искусства: «Рисунок — каку Микеланджело, колорит —
каку Тициана». Тинторетто прославился масштабными религиозными
и мифологическими композициями, отличающимися динамизмом и экспрессией.
Много работал по заказа.» религиозных братств мирян (скуол) и для Дворца
дожей. Создавая свои произведения с легкостью и быстротой, работая днем
и ночью, художник приобрел громкую известность наравне с Тицианом и Веронезе.
Он оказал значительное влияние на развитие стиля барокко.

менно в этом монументальном полотне впервые в полной
мере проявилась оригинальная манера Тинторетто. Картина была
заказана братством св. Марка для Скуола ди Сан-Марко — крупной
благотворительной организации, находящейся в Венеции. Как
известно, св. Марк является небесным покровителем этого города.
Сюжет картины связан с историей посмертного чуда, сотворенного
святым, которое было описано в знаменитой «Золотой легенде»
Иакова Ворагинского. Некий раб-христианин, не получив согласия
своего господина, все же отправился поклониться мощам св. Марка.
Когда он возвратился домой, разгневанный хозяин решил жестоко
наказать его. Он приказал перебить рабу ноги и выколоть глаза,
сказав, что «вряд ли тебе поможет в эту минуту твой святой». Однако
в момент казни христианин обрел чудесное спасение — веревки
его оказались разорваны, а орудия пыток сломаны. Обнаженный
раб изображен в центре композиции лежащим на земле. Рядом
с ним — разорванные путы и расколотые на куски топор и молот.
Толпа, окружившая мученика, с удивлением взирает на эту сцену.
Раб продолжает лежать на земле, не в силах сдвинуться с места, словно
не веря в свершившееся чудо. Один из палачей, в белом тюрбане,
демонстрирует своему господину разбившийся тяжелый молот. Хозяин,
изображенный на возвышении у правого края холста, в изумлении
едва не падает со своего кресла. Вся композиция наполнена особой
динамикой, проявленной в позах и жестах персонажей. В чрезвычайно
сложном и необычном для того времени ракурсе художник изображает
летящую фигуру св Марка, но кажется, что видим его только мы —
ни один из персонажей не обращает на него внимания. В левом нижнем
углу холста Тинторетто поместил фигуру заказчика картины, который
словно издалека наблюдает за происходящим, Это полотно пока еще
отличает особая яркость красок, поскольку в дальнейшем живописец
будет отдавать предпочтение более спокойным тонам.

Питер Брейгель Старший

Охотники
на снегу X/

Питер Брейгель Старший (ок. 1525, Бреда — 1569, Брюссель) — выдающийся
нидерландский живописец, график, основатель «крестьянского жанра». Около
1545 года он поступил в ученики к художнику и издателю Питеру Куку ван
Альсту и работал как рисовальщик. В 1551-м был принят в члены Гильдии
св. Луки в Антверпене, работал в мастерской гравера и издателя Иеронима Кока.
В 1552 году совершил путешествие по Италии, посещая Рим, Неаполь, Мессину
и Палермо. Затем он поехал во Францию и Швейцарию. В1553 году работал
в Риме в мастерской миниатюриста Джулио Кловио. В 1555-м Куком издается
его «Большая серия пейзажей» по впечатлениям от путешествия. В 1558 году
Брейгель Старший создал серию гравюр «Семь смертных грехов». В 1563-м
женился на дочери своего учителя и переехал в Брюссель. В 1564 году родился его
первый сын, будущий художник Питер Брейгель Младший. В 1568-м родился
второй сын, художник Ян Брейгель Бархатный.

хотники на снегу» — часть живописного цикла «Времена
года», который был заказан Брейгелю банкиром Николасом
йонгелинком. Эта картина является одним из самых ранних и в то же
время самых знаменитых зимних пейзажей в истории искусства.
Оставляя глубокие следы на снегу, трое крестьян возвращаются
с неудачной охоты, убив лишь одну мелкую лисицу, тушка которой
висит за спиной у одного из них. Вместе со сворой уставших собак
они проходят мимо таверны, перед которой на костре люди опаляют
свиную тушу. Подобные сюжеты — охота и заготовка мяса —
в изображениях календарного цикла традиционно соотносились
с зимними месяцами. Над входом в таверну висит вывеска
с нарисованной фигурой человека, стоящего на коленях перед
оленем. Вероятно, здесь представлен святой Губерт — покровитель
охотников. Сама же таверна называется «У оленя». Динамичные позы
охотников направляют взгляд зрителя по диагонали вглубь полотна.
В пейзаже тут и там «рассыпаны» деревенские домики с занесенными
снегом крышами, по краям которых свисают сосульки. Внизу
в долине виднеется множество фигур; кто-то занят повседневными
заботами и собирает хворост, а кто-то развлекается, поскольку зимой
в отсутствии сельскохозяйственных работ у людей появлялось больше
свободного времени. Жители деревни катаются на коньках или играют
на льду в старинную нидерландскую игру «кольф», напоминающую
современный хоккей, и в игру «айсшток», похожую на кёрлинг.
Заснеженная панорама и горы, уходящие острыми пиками в небесную
высь, возможно, являются напоминанием о тех альпийских пейзажах,
которые впечатлили Брейгеля во воемя его путешествия в Италию.
В верхней левой части композиции художник изображает сложный
узор, складывающийся из голых веток деревьев Их черная паутина
контрастирует с пустотой неба в правой части картины. Снег, лежащий
на ветвях, дает возможность мастеру передать необычные световые
блики.

Эль Греко

Благовещение

1597-1600. Холст, масло.

315 х 174 см.

Музей Прадо, Мадрид

Эль Греко (Доме никое Теотокопулос, ок. 1541, Крит —1614, Толедо) —
выдающийся испанский художник греческого происхождения. Он начинал как
иконописец. В 1568 году отправился в Венецию, где учился у Тициана. В 1570-м
переехал в Рим, где познакомился с творчеством Микеланджело и Рафаэля.
В Риме сблизился с Джулио Кловио, а через него — с кардиналом Алессандро
Фарнезе, во дворце которого жил некоторое время. В 1577 году переселился
в Испанию, обосновавшись в Толедо, где провел большую часть своей жизни.
В том же году получил первый крупный заказ на алтарный образ «Успение
Богородицы». В 1579-м созЗлг алтарный образ для Кафедрального собора
в Толедо. В 1582 году выполнил заказ для Эскориала, монастыря-дворца короля
Филиппа II, но король отверг его работу. В Испании стал одним из самых
известных художников своего времени. Вел активную общественную жизнь,
участвовал в культурных и религиозных событиях Толедо.

э

то полотно первоначально было частью большой алтарной
композиции, созданной для часовни Коллегии де ла Энкарнасьон
: Мадриде. Алтарь состоял из двух уровней. В центре нижней
части располагалось «Благовещение», слева от которого
находилось «Поклонение пастухов», а справа — «Крещение
Христа». Центром верхнего регистра являлось изображение
«Распятия» с «Воскресением» слева и «Вознесением» справа. Этот
монументальный проект ознаменовал собой новый этап в стиле Эль
Греко. Мастер отказывается от натуралистического подхода в пользу
субъективного видения, в котором через художественные формы
выражалось духовное содержание изобоаженных эпизодов. Эль Греко
делит композицию «Благовещения» на две части, соответствующие
миру земному и небесному. Земной мир не изображается им
подробно — мы не видим комнаты, в которой происходит действо,
лишь пюпитр с книгой слева и корзину с рукоделием у ног Девы
Марии. Эль Греко сосредоточился на самом важном — на моменте,
когда Мария внимает вести архангела Гавриила, скрестившего
на груди руки в жесте благоговения. В верхней части композиции
изображены в облаках музицирующие ангелы — радостные свидетели
этого события. Художник обьединил земное и небесное пространство
потоком света, обрамленного круглыми белыми головками
херувимов В этом потоке спускается с небес голубь Святого Духа.
Особая эмоциональная атмосфера полотна усиливается за счет
использования мастером контрастных цветов и оригинальных, почти
экспрессионистических, стилевых приемов. Его искусство было
очень далеко от того, что создавали современные ему живописцы.
В этом полотне присутствует и редкое для сцены «Благовещения»
изображение так называемой неопалимой купины — горящего
куста у ног Богоматери и архангела Гатриила. Неопалимая купина,
явившаяся Моисею на горе Синай и пылавшая огнем, но не сгоревшая,
символизирует девственность и чистоту Марии.



Аннибале Карраччи (1560, Болонья — 1609, Рим) — итальянский живописец
и график, представитель болонского академизма. Брат художника Агостино
Карраччи и кузен художника Лодовико Карраччи. Информации о его обучении
ремеслу живописца не сохраняюсь. Около 1582 года вместе с братьями он открыл
в Болонье мастерскую, которая затем стала известна как Болонская академия
(«Академия вступивших на правильный путь»), или Академия Карраччи.

Это было самое прогрессивное и влиятельное художественное учебное заведение
в Италии того времени. Карраччи нередко работал вместе с братьями над
большими заказами (росписи Палаццо Фаза и Палаццо Маньяни в Болонье).
В 1595 году по приглашению кардинала Фарнезе художник поехад в Рим,
где создал росписи в Палаццо Фарнезе. Фрески, которые он исполнил
в 1597-1604 годах вместе с братом Агостино, сделали его имя широко
известным. В 1602-м Карраччи получил заказ на оформление римской капеллы
Эррера де Сан Джакомо дельи Спаньоли. С 1605 года сильные ревматические
боли лишили художника возможности заниматься живописью.

основе сюжета картины — история любви богини Венеры
и смертного юноши Адониса, рассказанная - X книге знаменитых
«Метаморфоз» Овидия. Венера играла со своим сыном Амуром в лесу,
и грудь ее была случайно пронзена одной из его стрел. В этот момент
она увидела прекрасного охотника Адониса и влюбилась в не^о, забыв
о других своих возлюбленных и жизни на Олимпе. Два белых голубя,
изображенные на переднем плане, являются символом зародившейся
любви. Вместе с Адонисом бродила Венера по горам и лесам
и, предвидя опасности, которые таит в себе охота, предостерегала
его: «Не нападай на зверей, от природы снабженных оружием».
Но предупреждения любимой не спасли Адониса, он погиб от удара
клыков дикого вепря.

Карраччи запечатлел тот момент, когда влюбленные впервые
встречают друг друга Кровь от стрелы Амура все еще можно видеть
на груди Венеры. Задорно улыбающийся малыш указывает на нее
рукой, обращаясь к зрителю. Стремительно идущий вперед Адонис
замедлил шаг. внезапно увидев под сенью деревьев обнаженную
красавицу, обратившую к нему свой взор. Сцена разыгрывается
на фоне идиллического пейзажа, написанного в приглушенных тонах,
так что кажется, будто фигуры героев окутаны нежной золотистой
дымкой. Этот прием свидетельствует о влиянии на творчество
Карраччи венецианской живописи и в первую очередь работ Тициана.
Одновременно с тем прослеживается и обращение художника к
искусству таких его знаменитых предшественников, как Рафаэль,
Микеланджело и Корреджо. Полотно приобрел для своей коллекции
испанский король Филипп IV в 1664 году.

Микеланджело

Меризи да Караваджо

Обращение

Савла

1600-1601. Холст, мае.ю.

230X175 см.

Капелла Черази, церковь

Санта-Мария дель Ионол о, Рим

Сюжет картины повествует о важнейшем событии в жизни апостола
Павла, изменившем его судьбу. Когда-то его звали Савлом, и он был яростным
гонителем христианства. Однажды он отправился в Дамаск с целью арестовать
последователей Христа и отправить их на суд в Иерусалим. Когда Савл уже
приближался к Дамаску, его ослепил яркий свет с неба. Упав от неожиданности
на землю, он услышал обращенный к нему голос: «Савл, Савл, зачем ты Меня
преследуешь?» — «Кто ты, Господи?» — спросил Савл. «Я — Иисус, которого
ты преследуешь» — «Господи! Что повелишь мне делать?» — «Вставай
и иди в город. Там тебе скажут, что ты должен делать». Встав с земли, Савл
понял, что он ослеп. Его привели в Дамаск, где нашел его ученик Христа Ананий,
которому Христос явился в видении. Сказал Иисус ему идти к Савлу, наложить
руки на его глаза и исцелить слепоту. После прозрения Савл был крещен и начал
проповедовать христианство под именем Павла.

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571, Милан — 1610, Порто-Эрколе) —
итальянский художник, основоположник реализма в европейском искусстве.
Родился в семье Ферме Меризи, занимавшегося строительством при дворе
Франческо Сфорца, маркиза да Караваджо. В Милане учился в мастерской
Петерцано. В 1592 году, получив наследство, переехал в Рим. С 1593-го работал
в мастерской Джузеппе Чезари (Кавалер д’Арпино). В1594 году поступил на
службу ко двору кардинала Франческо дель Монте, своего первого римского
покровителя. В 1599-м заключил контракт на написание двух больших композиций
для капеллы Контарелли в Piute, в 1601 — двух полотен для капеллы Черази.
В1606 году художник убил в случайной драке человека и бежал из Рима. В 1607-м
после пребывания в Неаполе поехал на Мальту. В 160S году он стал рыцарем
Мальтийского ордена, но после ссоры с другим членом ордена оказался в тюрьме,
затем бежал из-под стражи. В 1609-м, преследуемый рыцарями-госпитальерами,
вернулся в Неаполь. В 1610 году приехал в Порто-Эрколе, где умер от малярии.

лкудожесгвенная традиция предписывала изображать Савла
упавшим с лошади в момент божественного явления. К этому
сюжету живописцы обращались и до Караваджо, но никогда еще
он не трактовался столь реалистично и драматично. Большую часть
полотна занимает изображение массивного крупа лошади, что стало
оеволюционным приемом для живописи того времени, поскольку
главное место в композиции всегда отводилось персонажам Святого
Писания Беспомощный Савл лежит на земле, воздев руки к небу.
Его фигура акцентирована мощным потоком света. Смелая игра
со светотенью была характерной чертой живописи Караваджо.
Слишком натуралистичным с точки зрения того времени создал
художник образ конюха — простолюдина с натруженными ногами,
редкими полосами на голове и сморщенным лбом.

Франс Халс

Смеющийся
кавалер

Т624.Холст, масло. 83X67,3см.

Коллекции Уоллеса, Лондон

Франс Халс (1580, Антверпен — 1666, Харлем) — голландский художник-
портретист. В 1585 году после падения Антверпена семья Халса перебралась
в Харлем. Возможно, он был учеником художника Ван Мандсра. В 1610 году
Халс стал членом харлемской Гильдии св. Луки и работал реставратором при
городском совете. В 1616-м совершил поездку в Антверпен для знакомства
с живописью Рубенса и Ван Дейка. В 1612-1624 годах служил в стрелковом
ополчении Харлема. Халс был членом харлемского филологического общества
«Виноградные ветви». В 1644 году он стал президентом Гильдии св. Луки. Под
конец жизни перестал получать заказы и умер в бедности.

благодаря новаторскому подходу Франса Халса модели
на портретах перестали изображаться в привычных «канонических»
позах, которые господствовали уже два столетия. Художник
активно экспериментировал с расположением человеческих
фигур в пространстве, отказываясь от традиционных условностей
фронтального и профильного портретов. Этот портрет, один
из наиболее известных в творчестве Халса, отличает живая
непосредственность изображенной модели. Молодой человек
26 лет одет по последней французской моде, финансово доступной
на тот момент только голландской элите. Его богато расшитая
одежда украшена эмблемами, связанными с удачей, силой, любовью
и добродетелью — стрелы, рога изобилия, обвитый змеями жезл бога
Меркурия. Согласно книге Андреа Альчато «Эмблемата», популярной
чо времена Халса, так называемый кэдуцей бога Меркурия обозначал
латинскии девиз Virtuti fortuna comes («Удача сопутствует смелым»).
Щегольский костюм и поза молодого человека говорят о том, что
перед нами, вероятнее всего, холостяк. На парных супружеских
портретах, обращенных друг к доугу, мужские фигуры обычно
развернуты вправо относительно зрителя, а женские — влево.

В конце XIX нека, после экспонирования картины на выставке
в Лондоне, ее репродукции расходились огромными тиражами.
Именно тогда полотно получило название, под которым мы
знаем его сегодня, — «Смеющийся кавалер», несмотря на то,
что изображенный здесь молодой человек в действительности
не является кавалером и не смеется. Необычная манера письма Халса
чрезвычайно заинтересовала новое поколение художников XVII века,
приезжавших в Харлем, чтобы копировать картины мастера и учиться
у него. Его техника живописи, получившая название «грубый стиль»,
была инновационной, поскольку он писал быстрыми свободными
мазками. Его почти модернистскую живопись оценили позже такие
художники, как Гюстав Курбе, Эдуард Мане, Джон Сингер Сарджент,
Джеймс Энсор

Франсиско де Сурбаран

Св. Маргарита
Антиохийская

IC30-C. \ОЛСТт Mill'Jn. 1ОЙСМ,

I IftltlKM UUI 1»ННЯ IttJI'pnt.< JlHI.IOII

Франсиско де Сурбаран (1598, Фуэнте-де-Кантос — 1664, Мадрид) —
испанский живописец. В 15 лет он был отдан в Севилье в ученики мастеру
Вильянуэва, артель которого раскрашивала статуи, использовавшиеся для
религиозных процессий. Затем поступил в Академию Франсиско Пачеко, где
познакомился с Веласкесом, ставшим его другом В 19 лет. отказавшись сдавать
квалификационный экзамен, уехал из Андалусии на родину. Около 1626 года
художник получил крупный заказ на серию из 21 картины от доминиканского
монастыря Син Пабло в Севилье, что сделало его известным и привело
к получению новых заказов от других монашеских орденов. Франсиско де Сурбаран
получил титул «почетный живописец Севильи» и выполнял заказы городских
властей. В 1634 году Веласкес пригласил его в Мадрид работать над оформлением
новой королевской резиденции — дворца Буэн-Репшро. Франсиско де Сурбаран
получил звание придворного живописца. К концу жизни его популярность пошла
на спад, и он умер в бедности и забвении.

П

Л. Л- олотно принадлежит числу тех прославленных произведении
Сурбарана, в которых он создавал образы христианских святых-
мучениц. В картинах подобного рода на однотонном темном фоне
художник традиционно изображал одиночную женскую фигуру
в современных ему одеждах и с теми предметами, которые могли бы
подсказать зрителю, какая именно святая предстает перед ним
В XIX веке писатель Теофиль Готье отмечал, что святые Сурбарана —
«это самые романтические существа, которых только можно себе
представить». Согласно «Золотой легенде», средневековому сборнику
биографий святых, Св. Маргарита, жившая в III веке, происходила
из города Антиохия Ее отец, языческий жрец, прогнал девушку, когда
она приняла христианство, и та, удалившись в поля, к дому своей
кормилицы, пасла овец. Сурбаран изображает святую с пастушеским
посохом и яркой седельной сумкой (allotjas), перекинутой через
руку. Пальцем девушка заложила страницы молитвенника там, где
она прервала свое чтение. Маргарита одета довольно богато. Белая
хлопковая рубашка с кружевным воротником и манжетами выглядывает
из рукавов ее синего шерстяного жакета Поверх живописного
костюма надет жакет из овчины, а на голове — широкополая
соломенная шляпа с эффектно загнутыми краями. Существует мнение,
что художник, изображая прекрасных святых в современных ему
ярких костюмах, «рекламировал» ткани, которые производились
в Севилье, где он жил. Святая словно не замечает рычащего дракона,
присевшего у ее ног. В «Золотой легенде» рассказывалось о том, как
дракон, в котором рсплотился сам Сатана, проглотил ее, но в руках
у Маргариты был крест, и она вышла из чрева дракона невредимой.

В отличие от большинства картин Сурбарана с изображениями святых
мучениц, которые заказывались циклами и в основном были написаны
помощниками мастера, эта полностью принадлежит кисти самою
художника и, по видимому, не является частью серии.

Рембрандт Харменс ван Ренн

Автопортрет
с Саскией
на коленях

Ок. Г 635. Холст, масло. 161 х 131 см.

Галерея старых мастеров, Дрезден

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606, Лейден — 1669, Амстердам) —
выдающийся голландский живописец и гравер. Известен своими портретами,
библейскими и историческими сценами, демонстрирующими глубокий психологизм
и игру света и тени. Он оказал значимое влияние на развитие европейской
живописи. В 1620 году Рембрандт стал студентом Лейденского университета,
но не приступил к занятиям. Он учился у художника ван Сваненбюрха.

В 1624 году учился в Амстердаме у Питера Ластмана. В 1б2б-м вернулся
в Лейден и близко сошелся с художником Яном Ливснсом, с который открывает
мастерскую. Рембрандт работал на богатых заказчиков, исполнил несколько
религиозных картин для принца Оранского. В 16.31 году переехал в Амстердам,
жил в доме торговца картинами Эйленбюрха, на кузине которого позже женился.

Рембрандт имел большой успех как портретист. В 1652 году война между
Англией и Нидерландами пагубно повлияла на художественный рынок, и художник
стал испытывать первые финансовые трудности. В 1656 году он оказался
на грани разорения и вынужден был продать вес имущество. В 1660-м переехал
в еврейский ремесленный квартал Амстердама, где жил до конца жизни
в большой бедности.

I * равым воякой, веселым кутилой, балагуром и любимцем
дам предстает перед зрителем Рембрандт на своем знаменитом
«Автопортрете с Саскией». Картина написана = наилучший период
жизни мастера. В 1634 году состоялась его свадьба с Саскией ван
Эйленбюрх, девушкой из зажиточной и влиятельной семьи, благодаря
чему он стал вхож в патрицианские круги. Ему еще нет 30, но он
уже один из самых успешных живописцев Амстердама, получающий
большое количество заказов. За все это поднимает Рембрандт
высокий бокал с золотистым вином и вместе с Саскией, отвернувшись
от богатого стола, обращается к зрителю, слоено приглашая его
поучаствовать в веселом застолье. В это время творчество художника
овеяно романтикой. Он пишет себя и Саскию в роскошных нарядах,
фантастических одеждах и головных уборах, создавая эффектные
композиции В сложных поворотах, позах и движениях Рембрандт
выражает разные психологические состояния, но все они объединены
темой радости бытия. Обе модели на картине наряжены в роскошные
костюмы по моде предыдущего XVI века. Они сидят за столом
с великолепно выписанной скатертью, на котооой стоит серебряное
блюдо с павлиньим пирогом. Павлин в христианской иконографии
считался символом красоты и любви, но также тщеславия, гордыни
и высокомерия. Полотно имеет еще одно название — «Блудный
сын на постоялом дворе». Оно напоминает об истории персонажа
из евангельской притчи — сына, прокутившего полученные от отца
деньги, жившего в нищете и голоде и вернувшегося затем к родителю
с покаянием.

Никола Пуссен

Танец
под музыку
времени

1634-1636. Холст, масло. 82,5 х 104 см.
Коллекция Уоллеса, Лондон

Никола Пуссен 11594, Лез-Андели — 1665, Рим) — выдающийся французский
художник, основоположник стиля классицизм. Он учился у Квентина Варена,
приехавшего расписывать церковь в Андели. В 18 лет Пуссен отправился
в Париж, где продолжил обучение. Наибольшее влияние на его творчество
и становление оказала поездка в Рим, где он вдохновлялся произведениями
прославленных мастеров Возрождения. Прожив 20лет в Риме, на два года
вернулся во Францию, куда был приглашен работать при королевском дворе
и назначен первым живописцем короля. В Париже художник имел большой
успех, одним из его основных заказчиков спим кардинал Ришелье. В 1642 году,
не выдержав придворных интриг, он вновь уехал в Рим. До конца жизни продолжал
здесь работать, находясь под покровительством таких влиятельных людей, как
кардинал Барберини и меценат Золь Поццо.

з

к^Хаказчиком полотна был римский покровитель художника —
Джулио Роспильози, впоследствии ставший римским папой
Климентом IX. Хоровод из четырех фигур символизирует времена
года, танцующие под музыку, которую играет для них Отец-Время
на своей лире. Осень, традиционно олицетвоояемая женской
фигурой, здесь представлена в образе бога вина Вакха. В правом
нижнем углу изображен маленький путти, держащий руке песочные
часы, напротив него — его собрат, пускающий мыльные пузыри.

Оба они символизируют быстротечность и эфемерность человеческой
жизни. У ног второго путти возвышается каменная герма с двуликим
изображением молодого и старого Вакха, одновременно смотрящего
и в прошлое, и в будущее. В утреннем небе несется вперед колесница
бога солнца Аполлона, которой предшествует Аврора — богиня
зари. За колесницей летят Часы, их фигуры также образуют хоровод,
аторящий танцу Времен года Точная трактовка этой композиции
неизвестна. Вероятнее всего, Пуссен следовал тексту античного поэта
Нонна Панополитанского: «Слева весна с гирляндой роз в волосах;
сзади осень, чьи волосы были подстрижены ветром, но чей лоб увит
оливковыми ветвями; на очереди зима с ее спутанными волосами
и затененным лицом, а гпереди лето, одетое в белое, с колосьями
кукурузы в косах». Однако танцующие фигуры в большей мере позже
стали ассоциироваться с повторяющимся в человеческой жизни
циклом: от бедности к труду, богатству, а затем к удовольствию,
которое, если предаваться ему чрезмерно, возвращает нас
к бедности. Возможно, осень должна ассоциироваться с бедностью,
зима — с трудом, весна — обретением богатства, а лето —
наслаждением достигнутого. Не исключено, что подробная
«программа» композиции была придумана заказчиком, который
прославился тем, что, будучи большим любителем оперы, писал
оперные либретто.

Питер Пауль Рубенс

Вирсавия
у фонтана

Ок. 1635. Дерево, масло. 175x126 см.
Галерея старых мастеров, Дрезден

Питер Пауль Рубенс (1577, Зиген — 1040, Антверпен) — фламандский
живописец и рисовальщик, один из величайших мастеров барокко, коллекционер
и дипломат. Он работал над религиозными, мифологическими и историческими
сюжетами, а также писал портреты. В 1590 году Рубенс оставил школу и стал
пазком при графине де Лален. В 1591-м он начал обучаться искусству живописи.
В 1589 году был принят в гильдию ев. Луки. В 1600-м уехал в Италию и работал
при дворе герцога Мантуи. В 1608 году Рубенс вернулся в Антверпен в связи
с болезнью матери. В 1609-м он стал придворным художником испанских
наместников во Фландрии. В 1628 году яоехал в Мадрид по поручению
эрцгерцогини Изабеллы. В 1629-м посетил Лондон. От имени Испании он вел
мирные переговоры с Англией, добиваясь большого дипломатического успеха.
В 1630 году был посвящен в рыцари английским королем Карлом I, в 1631 —
испанским королем Филиппом IV. Художник имел большую мастерскую
и множество помощников, что позволяло справляться с крупным объемом
постоянных заказов. В 1638 году приступ подагры поразил его правую руку, лишив
художника возможности писать.

с

ЧУ ледуя сюжету Ветхого Завета, Рубенс изобразил прекрасную
Вирсавию за туалеюм. Служанка расчесывает ее длинные волосы
после купания. Слева представлен слуга, передающий Вирсавии
письмо от царя Давида. Фигура царя, стоящего на высокой террасе,
виднеется на заднем плане, у верхнего края картины. Согласно
библейскому тексту, Давид увидел со своей террасы купающуюся
обнаженную красавицу и возжелал ее. Поддавшись искушению,
он отправил ей письмо, в котором приказал явиться к нему во дворец
несмотря на то, что Вирсавия была замужем. Ее муж Урия был
в тот момент на войне. Когда женщина забеременела, Давид,
чтобы скрыть греховную связь, за которую по закону полагалась
смерть любому человеку, приказал отправить ее мужа на битву,
с которой тот не вернется. После смерти Урии Давид женился
на Вирсавии, и их общий сын родился уже в браке. Но в наказание
за грех родителей младенец умер на седьмой день. Художникам
этот назидательный библейский сюжет давал возможность под
благовидным предлогом изобразить обнаженное женское тело.
Знаменитый мастер представляет здесь свой излюбленный типаж,
у которого впоследствии появилось даже свое определение —
«рубенсовская женщина» Это пышногрудые и ширококостные
блондинки, ассоциирующиеся для Рубенса с внешними
особенностями его соотечественниц из Фландрии. Не исключено,
что моделью для Вирсавии художнику вновь, как в случае с другими
его произведениями, послужила его вторая жена Елена Фоурман.
Юная красавица оборачивается к вестнику, принесшему ей послание.
Она еще не знает, что ждет ее впереди, взгляд ее лишь полон
любопытства. Ветхозаветное событие происходит на фоне роскошной
ренессансной архитектуры,

Антонис ван Дейк

Портрет
принцессы Марии
и Виллема,
принца Оранского

1641. Холст, масло. 182,5 х 142 см.

Ренксмузс м, Ам стерла м

Сэр Антонис (Антун) <>ан Дейк (1599, Антверпен —Лондоне, 1641) —
фламандский живописец, рисовальщик и гравер, один из ведущих портретистов
XVII века. Он родился в семье богатого торговца тканями. Учился у Хендрика ван
Валена. С 1615 года художник имел свою мастерскую совместно сЯном Брейгелем
Младшим. С 1617-го сотрудничал с Рубенсом, который называл его своим лучшим
учеником. В 1618 году был принят в Гильдию св. Луки. В 21 год начал работать
при дворе английского короля Якова 1, который назначил ему ежегодную
пенсию. В 1621 году перебрался в Италию, объездив многие города и знакомясь
с искусством итальянских художников, обосновался в Генуе. Вернувшись
во Фландрию, стал придворным живописцем эрцгерцогини Изабеллы. С 1632 года
был назначен придворным художником английского короля Карла I, чрезвычайно
ценившего его талант. В 1632-м посвящен в рыцари и награжден дворянским
титулом баронета. Ван Дейк работал между Лондоном, Антверпеном
и Парижем, имея большое количество влиятельных заказчиков.

j fa картине изображены принцесса Мария, дочь английского
короля Карла I, и Виллем, принц Оранский, граф Нассау, наследник
штатгальтера Голландии Фредерикэ Генриха. Поводом для создания
этого двойного портрета стало их бракосочетание, состоявшееся
12 мая 1641 года. Жених держит левую руку невесты и привлекает
внимание зрителя к обручальному кольцу на ее безымянном
пальце. Мария и Виллем были совсем детьми, когда поженились,
ей было 9, ему 14. Девочка изображена по правую руку от своего
супруга, поскольку имела более высокий статус — Мария была
дочерью короля, а Виллем — всего лишь сыном штатгальтера
и принца. Однако он стоит чуть впереди нее, чтобы подчеркнуть
династическую значимость свадьбы для благородного дома,
наследником которого он являлся. Расположение главных героев
на картине отличалось от традиционного и, вероятно, было
продиктовано художнику советниками родителей юноши. Для
принца Фредерика Генриха брак его наследника с королевским
домом Стюартов и со старшей дочерью короля Великобритании
являлся триумфом дома Оранских-Нассау, поскольку значительно
повэниал его престиж и положение. С точки зрения дома Стюартов,
этот брак был мезальянсом. Карл I находился в тот момент
в непростой политической ситуации и. возможно, надеялся повлиять
на шотландцев-кальвинистов, чья армия оккупировала северо-восток
Англии с конца лета 1640 года, через семью принца Оранского,
представителя кальвинистской Голландии. Обручальное кольцо
Марии подчеркивает связь между Голландией и Англией, которая
была скреплена этим браком. На груди девочки — бриллиантовая
брошь, подарок Виллема Не осталось точных свидетельств, в каком
именно платье Мария выходила замуж. Известно лишь, что оно было
сшито из ткани серебристого цвета согласно свадебным традициям,
характерным для Франции, Голландии, Скандинавии.

Жорж де Латур

Мученичество
св. Себастьяна

1649. Холст, масло. 167 х 131 см.

Лувр, Париж

Жорж Дюмениль де Латур (1593, Вик-Сюр-Сей — 1652, Люневиль) —
французский художникжараваджист. Пет точных сведений о его ученичестве.
В 1610 году он побывал в голландском Утрехте, где мог видеть работы местных
художников-караваджистов. Художник процветал во времена правления герцога
Лотарингского: поселившись в 1619 году во дворе замка Люневиль, был принят
как «.буржуа» города, наделенный герцогом грамотами, которые давали
ему привилегии, предоставленные членам дворянства, и основал собственную
мастерскую. Во время Тридцатилетней войны был вынужден бежать в Нанси.
По приглашению Людовика Х1П приехал работать в Париж, 1639 году получил
титул «ординарного живописца короля» и возможность жить в Лувре. После
смерти его имя было забыто и открыто заново только в XX веке.

J з всех живописцев XVII века именно Жорж де Латур смог
наиболее тонко и одухотворенно передать эффекты ночного
освещения в своих композициях. В истории мученичества
св. Себастьяна художник акцентирует внимание на том моменте,
когда св. Ирина с ее соратницами обнаруживает тело мученика после
казни. Поняв, что Себастьян остался жив, Ирина распорядилась
отнести его в свой дом, где излечила его раны и спасла таким образом
ему жизнь. В левой части картины изображен гладкий ствол дерева
с t-исящей на нем веревкой — место казни. Тело мужчины не покрыто
ранами от многочисленных стрел. Латур изображает лишь одну
стрелу, которая становится здесь символом мученичества Себастьяна.
Ирина осторожно пытается нащупать его пульс, чтобы понять,
жив ли он. Ее спутницы сдержанны и тихи в своей скорби. В фигуре
каждой из них проявлено особое эмоциональное состояние. Мастер
использует необычный прием, чтобы плавно направить взгляд зрителя
от освещенного переднего плана вглубь композиции. Лицо Ирины
ярко освещено огнем горящего факела и полностью открыто. Лицо
стоящей рядом с ней молодой женщины уходит в тень и обрамлено
платком. Следующую героиню мы видим лишь отчасти, поскольку
она утирает слезы. Фигура последней почти полностью скрыта
синим плащом. Лишь изящные руки и нижняя часть ее профиля едва
различимы в темноте. Кажется, что они словно наполняются изнутри
теплым и мягким свечением. Факел с пляшущим пламенем становится
не только единственным источником освещения, но и одним
из главных героев картины, написанной в красно-коричневой, почти
монотонной гамме.

Ян Вермеер Делфтский

Девушка
с письмом
у открытого
окна

1657-1659. Холст, масло. 83x64,5см.
Галерея старых мастеров, Дрезден

Ян Вермеер (1632, Дел<рт — 1675, Делфт) — выдающийся голландский художник.
О нем сохранилось мало достоверной информации. Известно, что в 1653 году
он женился и вступил Гильдию св. Луки как мастер живописи. Чтобы быть
принятым в гильдию, художник должен был не менее 6 лет учиться у какого-
либо живописца, который уже состоит в гильдии. Но об учителе Вермеера
ничего неизвестно. Предположительно, это могли быть Герард Терборх или
Карел Фабрициус. Художник писал всего по две-три работы в год, но получал
за них хорошие гонорары, которые позволяли содержать его большую семью.
Помимо занятий живописью помогал матери управлять трактиром и торговал
предметами искусства. В 1672 году началась война Голландии с Францией,
что привело к стагнации на художественном рынке. Материальное положение
Вермеера значительно ухудшилось, он умер в долгах и бедности в 43 года
от сердечного приступа.

JL X артина, написанная около 1657-1659 годов, является
в творчестве Вермеера одной из самых ранних интерьерных
композиций с изображением одиночной фигуры Обстановка
представленной здесь комнаты свидетельствует о богатстве
дома. На столе вместо скатерти лежит собранный складками
восточный ковер — такая традиция, подчеркивающая материальное
благополучие, была характерна для оформления интерьеров
ч Голландии XVII века. Об особой роскоши говорит и фарфоровое
китайское блюдо, в котором лежат фоукты. Европейцы еще не знали
самостоятельного производства фарфора, и подобные изделия были
драгоценной экспортной продукцией Китая. У окна стоит дорогой
испанский стул. Все эти предметы принадлежали обстановке дома
самого Вермеера, поскольку повторяются еще на нескольких его
картинах, также как и желто-черный жакет девушки. Но они являются
всего лишь второстепенными деталями. С особой тонкостью
и мягкостью Вермеер пишет фигуру главной героини своего полотна.
Воздух и свет, пронизывающие картину, наполняют образ девушки
особой одухотворенностью. Ему вторит едва уловимое отражение
в оконном стекле. Долгое время это знаменитое произведение
скрывало в себе тайну и выглядело иначе. Стена за спиной девушки
имела однотонный серый цвет. Лишь в 1979 году, когда была сделана
рентгенограмма полотна, стало понятно, что автор первоначально
изобразил на этой стене висящую картину с обнаженной фигурой
купидона — античного бога любви. По каким-то причинам
изображение было записано другим художником. Произошло это
до 1742 года, когда данное полотно было приобретено для курфюрста
Саксонии как работа Рембрандта. В 2017 году началась кропотливая
реставрация, вернувшая шедевру Вермеера оригинальный
вид. Образ купидона вносит новую ноту в интерпретацию этой
композиции, намекая на то, что письмо - руках девушки имеет
любовный характер.

Ху селе де Рибера

X ромоножка

1642. Холст, масло. 164X92 см.

Л> вр, Париж

Хосе де Рибера (или Хусспе Рибера, 1S91, Хатива — 16S2, Неаполь) —
выдающийся испанский живописец, рисовальщик и гравер эпохи барокко.
Он имел прозвище Спаньолстто («Маленький испанец»), поскольку почти всю
жизнь жил и работал в Неаполе, в Италии. Неаполь был столицей испанского
вице-королевства и переживал период расцвета, способствовавшего развитию
искусства. Католическая церковь и частные коллекционеры, многие из которых
были испанцами, стали основными заказчиками художника. Первую известность
Хосе де Рибера приобрел благодаря своим гравюрам, которые покупал сам
Рембрандт. Данные о юности мастера довольно разрозненные. Возможно,
он был учеником испанца Рибальты. Примерно в 1613 году переехал в Италию.
В Риме, Милане и Парме учился мастерству, копируя и изучая творчество
мастеров прошлого и современных художников. Хосе де Рибера испытал сильное
влияние Караваджо. В 1626 году был избран членом римской Академии св. Луки.

у^^^вижимые христианским состраданием, испанские
художники в XVII столетии часто писали картины с изображением
уличных нищих или людей с физическими и ментальными
особенностями. Этот мотив возник благодаря интересу
к «приниженным» сценам из жизни, заложенному Караваджо.
Хусепе Рибера познакомился с живописью Караваджо, оказавшего
на него большое влияние, в Италии, где прожил долгие годы.
Рибеоа много работал с натуры и искал колоритные типажи среди
рыбаков, грузчиков и крестьян, которые становились моделями его
картин. Как многие мастера той эпохи он стремился отразить яркое
индивидуальное начало, характерное для каждого из его героев.
В этой картине художник натуралистично передает все физические
особенности мальчика, но при этом создает обобщающий образ
большой художественной силы. Уличный попрошайка изображается
художником с большой теплотой, а в его характере подчеркнуты
веселость, лукавство и озорство. Фигура нищего бродяжки написана
в рост и взята в таком ракурсе, будто зритель смотрит на нее снизу
зверх, что придает изображению определенную величественность
и монументальность. Композиция картины воспринимается как
своего рода парафраз парадного портрета, его оказывается достоин
не только богач или аристократ, но и обычный человек, чью жизнь,
казалось бы, нельзя назвать счастливой. На листке бумаги, который
держит в руке мальчик, на латыни написано: DA MIHI ELEMOSINAM
PROPTER AMOREM DEI («Подайте мне милостыню ради любви
к Богу»), Вероятнее всего, помимо физического увечья он имел
и проблемы с речью, если слова о помощи вынужден был не говорить,
а показывать. За спиной бродяжки простирается огромный и светлый
пейзаж, словно подчеркивающий его жизнерадостный настрой и веру
в лучшее, несмотря на все удары судьбы.

Диего Веласкес

Менины

1656. Холст, масло. 318x276 см.
Му3011 Прадо, Мадрид

Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (1599, Севилья — 1660, Мадрид) —
выдающийся испанский художник эпохи барокко. Он прославился,
создавая официальные портреты и исторические композиции, в которых
продемонстрировал исключительное мастерство в передаче света, объема
и человеческих эмоций. Веласкес учился у Франсиско Пачеко. Сдав экзамен
в 1617 году, вступил в корпорацию севильских художников. В 1622-м отправился
в Мадрид, где написал портрет поэта де Гонгоры, что дало ему возможность
приблизиться к придворным кругам. В 1623 году окончательно переехал
в Мадрид, став придворным живописцем. В 1628-м начал близко общаться
с Рубенсом, оказавшемся в Мадриде с дипломатической миссией. В 1629 году около
года путешествовал по Италии, знакомясь с итальянской живописью. В 1648 году
во второй раз поехал в Италию, где приобрел произведения искусства для
коллекции короля. В 1660-м отправился во Францию, где занимался подготовкой
встречи королей: Филиппа IV и Людовика XIII.

«м

▼ Ленины» считались шедевром уже в XVIII веке — это
единственная работа, которой писатель Антонио Паломино посвятил
особый раздел в своей истории испанских художников (1724), назвав
ее самой прославленной картиной дона Диего Веласкеса. С тех пор
полотно никогда не утрачивало своего статуса шедевра. Художник
написал его в 1656 году в Мадриде в королевской резиденции Алькасар,
которая позднее сгорела. По сути, «Менины» — это большой групповой
портрет королевской семьи и ее ближайшего окружения. Центром
композиции является принцесса (инфанта) Маргарита, вошедшая
в историю в том числе благодаря своим портретам кисти Веласкеса.
Рядом с принцессой представлены ее фрейлины (по-испански —
Las Meninas, отчего и возникло название картины). Слева перед
девочкой опускается донья Мария Сармиенто, подающая ей кувшинчик
для питья. Справа чуть склоняется в ее сторону донья Изабелла
де Веласко. На переднем плане изображены придворные карлики
Мария Барбола и Николас Пертусато, поставивший маленькую ножку
на спину огромной собаки. Позади них виднеются фигуры женщины
в монашеском одеянии, доньи Марселы де Уллоа, и придворного,,
который должен был везде сопровождать инфанту. В дверном проеме,
далеко на заднем плане, почти силуэтом дана фигура гофмаршала
двора. Левее дверного проема, в зеркале едва видны отражения самых
важных персонажей: короля и королевы. Именно на них направлены
взгляды придворных, инфанты Маргариты и самого художника,
стоящего перед огромным холстом и пишущего их портрет.

Веласкес входил в ближний круг испанского короля — он был
придворным художником. Мастерская Веласкеса находилась
в королевских апартаментах. Филипп IV, имевший ключ от мастерской,
приходил сюда почти каждый день, чтобы наблюдать за работой
художника.

Питер де Хох

Дворик
в Делфте

1658. Холст, масло. 73,5x60 см.

Национальная галерея,, 1опдон

Питер де Хох (1629, Роттердам — 1684 (?), Амстердам) — голландский
живописец, один из наиболее известных «малых голландцев». Биографических
данных о художнике сохранилось мало. В 17 лет он уехал в Харлем учиться
живописи, был учеником пейзажиста Николаса Бсрхсма. В 1648 году де Хох начал
работать самостоятельно, сосредоточившись на бытовом жанре. Он тщетно
пытался заработать на жизнь продажей своих картин. В 1650 году устроился
камердинером к торговцу сукном де Ла Гранжу, с которым много путешествовал.
В 1652-м переехал с ним в Делфт, где работали знаменитые Фабрициус и Вермеер.
Официальное признание художник получил в 1655 году, когда его приняли в члены
Гильдии св. Луки, благодаря чему он получил право продавать свои полотна
и набирать учеников. В 1660-егоды деЛа Гранж отправился в Америку, а де Хох
с семьей переехал в Амстердам, где не получил признания.

-^великолепное мастерство Питера де Хоха проявлялось не только
в точности изображений архитектуры, построении перспективы
и особой детализации предметов и фактур, но и в передаче
человеческих взаимоотношений, которые так тонко раскрыты
в этой картине, В рассеянном свете тихого дня городской дворик,
кажется, излучает спокойствие Все здесь неподвижно, включая
людей: молодая служанка, держащая за руку маленькую девочку,
и темная женская фигура вдалеке, стоящая к нам спиной, вероятно,
мать девочки. Де Хох поместил ее в «официальную» часть дома,
ту, на которую оценивающе могут посмотреть проходящие мимо
люди. Открытая на улицу дверь — это связь с внешним миром.
Именно хозяйка ответственна за то, какими ее дом и семья предстанут
в глазах других. Служанка и девочка, в свою очередь, находятся
во внутреннем, «домашнем» пространстве. Таким образом, картина
акцентирует внимание на роли, которую играет в доме женщина.

В то время, когда произведение было создано, писались целые
трактаты о ведении домашнего хозяйства и о семейной жизни
Так, книга под названием «Брак» Якоба Катса была адресована
непосредственно женщинам, а главы в ней именовались
соответственно этапам их жизненного пути: «Дева», «Возлюбленная»,
«Невеста», «Домохозяйка», «Мать» и «Вдова». Некоторые художники,
включая де Хоха, создавали картины, которые были утверждением
и поощрением идеалов, выдвинутых в подобных книгах. Трактаты
также уделяли большое внимание воспитанию детей, особенно
девочек, и такие картины покупались, чтобы усилить важность
данной темы. Но в мягком солнечном свете, который согревает
двор на картине де Хоха, жесты и взгляды служанки и ребенка
предполагают любовь и доверие, а не строгость и условность, метла
и ведро в правом углу композиции становятся символом правильного
домашнего хозяйства, в котором даже старые или часто используемые
предметы ухожены и безупречны.

Виллем Кальф

Натюрморт
с наутилусом
и китайской
чашей

1662. Холст, масло. 79,4x67,3 см.

Музей Тиссопа-Ьорисмпсы, Мадрид

Вилллы Кальф (1619, Роттердам — 1 693, Амстердам) — голландский
художник, мастер натюрморта. Возможно, он учился у живописцев Хендрика
Пота и Ф. Рейнхалса. После смерти родителей переехал в Гаагу, а затем жил
и работал в Париже (1642—1б4б) и, возможно, в Италии. В 1646 году вернулся
в Голландию и проживал в Амстердаме. Расцвет творчества Виллема Калька
начинается с середины 1650-х. когда окончательно сложился стиль его роскошных
натюрмортов. С1663 года он занялся торговлей предметами искусства и стал
востребованным экспертом по искусству.

учшие работы Виллема Кальфа, подобные этой, причислены
к величайшим достижениям в области натюрмортной живописи.
В своих произведениях мастер часто обращался к изображению
обстановки зажиточного голландского дома, р большей степени
характеризуемой материальными ценностями Как символы
социального статуса «роскошные натюрморты» Кальфа отражали
гордость голландцев за процветающую торговлю, благодаря
которой в XVII веке их молодая республика превратилась в ведущую
морскую державу. Так, несомненным символом роскоши становится
восточный ковер, лежащий вместо скатеоти на столе. Мастер
неоднократно включал в свои натюрморты дорогую китайскую чашу
династии Мин, которую мы видим и на этом полотне. Чаша украшена
фигурами 8 даосских бессмертных, символизировавших долголетие
и вечность Их образы привносят в картину Кальфа тему времени
Крышку, прислоненную к чаше, -енчает рельефное изображение
льва, олицетворяющего судьбу в сочетании с символикой мужества
и силы. В работах художника часто появляется и кубок — наутилус
с фигурой Нептуна, стоящего на голове морского чудовища, которое
вот-ьот готово проглотить бегущего человека, изображающего
Иону (или Улисса). Эмоциональность и экспрессия — две основные
категории эстетики стиля барокко, — таким образом, легко находят,
свое выражение в неподвижном натюрморте. Лимон, находящийся
на одной оси с редким, выполненным в Голландии стеклянным
бокалом в венецианском стиле, обнажает свою искрящуюся
прозрачную мякоть. Используя фактурные пастозные мазки, художник
передает осязаемую фактуру его кожуры, спиралью свисающей
со стола. После 16S0 года Кальф под влиянием поздних произведении
Рембрандта пришел к теплым глубоким цветам и располагал слои
объекты перед темным глубоким фоном.

Франсу а Бу те

Портрет маркизы
де Помпадур

1756. Холст, масло. 201 х 157 см.

Старая пинакотека, Мюнхен

Франсуа Буше (1703, Париж — 1770, Париж) — французский живописец,
рисовальщик, орнаменталист. Сын художника, первые уроки полунилу отца.
Он обучался у Франсуа Лемуана в 1721-1723 годах. В 1723-м выиграл
Римскую премию. Буше продолжил свое обучение в области гравюры у гравера
Жана-Франсуа Карса. В 1727-1731 годах он посетил Италию, чтобы расширить
свои художественные познания. В 1734-м был принят в Академию, став через три
года ее профессором. Буше работал как декоратор, создавая эскизы мебели, вееров,
фарфора и т.д. Среди прочих должностей был сценографом Королевской академии
музыки в 1744-1748 годах, директором мануфактуры Гобеленов в 1755-м
и директором Академии художеств в 1765-м. В том же году назначен первым
художником короля.

-^аиболее ярким представителем французского стиля рококо
был Франсуа Буше — первый художник короля Людовика XV
и любимец его фаворитки, маркизы де Помпадур. Знаменитая
маркиза многие годы имела колоссальное влияние на политическую
и культурную жизнь Франции, и Буше благодаря ей всегда
был обеспечен заказами. Мастер выполнял все прихоти мадам
де Помпадур, вплоть до создания эскизов ее маскарадных костюмов
и причесок, а также давал ей уроки рисования. Любовница короля,
в свою очередь, добилась для художника позволения жить
 Лувое и его назначения инспектором Королевской мануфактуры
Гобеленов.

Буше написал несколько ее портретов, о которых сама Помпадур
отзывалась так; «Он рисует меня прекрасной, но не слишкомто
похожей». На полотне из мюнхенской коллекции Буше представляет
ее как красивую и образованную женщину (какой мы и должны ее
воспринимать по замыслу самой заказчицы). На маркизе искусно
украшенное дневное платье и туфельки, на которые она же и ввела
моду — без задника, на аккуратном каблучке. Современники
говорили, что мадам Помпадур благоухает розами, и художник
изящно вводит этот мотив в живописную композицию, добавляя
множество роз, как искусственных (украшающих платье), так
и живых. Дама полулежит на кушетке в окружении книг, писем,
нот и рисунков, что призваны подчеркнуть ее образованность
и социальный статус. На столике виден сургуч для запечатывания
писем и национальная печать, свидетельствующая об особой роли
маркизы при дворе. Однако погасшая свеча и часы напоминают
о краткости момента всесилия и власти. У ног хозяйки сидит
собачка по кличке Мими, которая, согласно сложившейся традиции,
становится здесь символом верности. Художник эффектно играет
с ракурсами, размещая на заднем плане большое зеркало, в котором
отражаются книжный шкаф с часами и изящная головка маркизы
де Помпадур.

Жан Опоре Фрагонар

Качели

(Счастливые
возможности качелей)

1767. Холст, масло. 81 Х62 см.
Собрание Уоллеса, Лондон

Жан Оноре Фрагонар (1732, Грас — 1806, Париж) — французский живописец
и гравер. Он учился у Шардена и Буше. В 1752 году выиграл Римскую премию.
Фрагонар учился в Королевской школе при Лувре, возглавляемой К. Ван Лоо.
В 1756 году поехал на стажировку в Рим, откуда вернулся в Париж в 1761-м.
В 1765 году он выставился в Салоне и был принят в Королевскую академию.
В 1773-м граф де Гранкур предложил художнику стать его гидом в поездке
по Италии, а затем по странам Центральной Европы. Фрагонар посетил Вену,
Прагу, Дрезден, Франкфурт, Страсбург. Он был преуспевающим художником,
но все изменилось после Веткой французской революции. В 1792-1797 годах,
получив место в музейной комиссии, занимался сохранением коллекции Лувра,
превращенного в Национальный музей искусства.

из самых узнаваемых произведений XVIII века. История возникновения
картины дошла до нас благодаря писателю Шарлю Колле, В своих
мемуарах он рассказывает о том, что живописец Габриэль-Франсуа
Дуайен в конце 1767 года получил заказ от неизвестного королевского
придворного Мужчина просил изобразить свою молодую любовницу
на качелях, которые раскачивает епископ, в то время как сам заказчик,
спрятавшийся среди пышной зелени, любовался бы снизу ее ножками.
Дуайен, который имел на тот момент большой успех как мастер
серьезного исторического жанра, отказался писать столь фривольный
сюжет и предложил передать заказ художнику Фрагонару.

Фрагонар в то время планировал изменить свою карьеру,
переключившись с исторического жанра и королевских заказов
(оплата которых регулярно задерживалась) на создание небольших
полотен для узкого круга интеллектуалов. Художник исправил
первоначальный замысел композиции — изображенный здесь пожилой
мужчина предстает в одежде мирянина, а не священника. В правом
углу картины появилась маленькая лающая собачка, а туфелька
девушки (без задника, по моде, введенной мадам де Помпадур) летит
прямиком в мраморного купидона. Это чрезвычайно популярная
в то время скульптура под названием «Грозящий амур», копии которой
можно было видеть пивсеместно. Ее автором был Этьен Морис
Фальконе (будущий создатель знаменитого «Медного всадника»
в Петербурге), а заказчицей — маркиза де Помпадур.

Как и «Качели» Фрагонара, «Грозящий амур» стал воплощением
игривого и изящного стиля рококо. Название картины появилось
благодаря гравюре Николя де Лоне, опубликованной в 1782 году.

Томас Гейнсборо

Мальчик
в голубом

1770. Холст, масло. 177,8X 112 см.

Библиотека Хантингтона, Сан-Марино

Томас Гейнсборо (1727, Садбери — 1788, Лондон) — британский художник
и гравер. В 1740 году он приехал в Лондон и учился у французского гравера
Ю. Ф. Гравело. Затем переехал с семьей в Суффолк ив 1752 м поселился
в Ипсвиче, где приобрел репутацию хорошего портретиста и пейзажиста,
что позволяло ему обеспечивать семью. Во многом Гейнсборо был самоучкой
и искусство пейзажной живописи постигал по картинам голландцев XV71 века.
Он предпочитал пейзажи, но по финансовым соображениям писал портреты.
В 1759 году мастер поехал в курортный городок Ват, где можно было найти
многочисленных заказчиков. Как музыкант он был известен в музыкальных
и театральных кругах. С 1760-х годов регулярно выставлялся в Лондоне,
в 1768-м вошел в число основателей Королевской академии художеств.

В 1774 году Гейнсборо переехал в Лондон. В 1784-м произошел его конфликт
с Королевской академией, яосле которого он более нс принимал участия
в выставках Академии и организовывал свои выставки дома.

первые «Портрет молодого джентльмена» был представлен
публике в лондонской Королевской академии изящных искусств
в 1770 году. Темно-голубой цвет костюма, в котором автор изобразил
юношу, вызвал недоумение у зрителей, поскольку большинство
мастеров того восмени предпочитали использовать в своей живописи
теплые красноватые оттенки Гейнсборо работает здесь с холодным
колоритом — оттенками синего и зеленого. Эта смелая композиция
обозначила новое направление в английской портретной живописи.
К 1798 году публика окрестила картину «Мальчиком в голубом».
Многие историки утверждают, что моделью для нее послужил
Джонатан Баттл, сын богатого торговца и знакомый художника.
Другие считают, что конкретной модели не было, а картина
задумывалась как обобщенный образ аристократа, переодевшегося
для маскарада. Полотно могло быть также данью уважения кумиру
Гейнсборо — живописцу Антонису Ван Дейку. Костюм мальчика
скорее соответс!вует моде эпохи Ван Дейка, а не Гейнсборо.
Он напоминает яркие костюмы с одной из самых известных работ
фламандского художника — двойного портрета герцога Джорджа
Вильерса и лорда Фрэнсиса Вильерса. Этот голубой костюм
впервые появился на нескольких более ранних портретах кисти
Гейнсборо, включая два портрета его племянников, Эдварда Ричарда
Гардинера и Гейнсборо Дюпона. Не исключено, что именно Дюпон,
который также работал помощником Гейнсборо в мастерской,
послужил моделью для картины. После Первой мировой вой-
ны «Мальчик в голубом» был куплен у герцога Вестминстерского
за 728 тысяч долларов (или более 10 миллионов долларов
по сегодняшним ценам) американским «железнодорожным королем»
Генри Хантингтоном.

Клятва

I Ърациев

1784-1785. Холст, масло. 330x424 см

Лувр, Париж

Жак Луи Давид (1748, Париж— 1825, Брюссель) — французский художник,
представитель неоклассицизма, политический деятель. С 1764 года он учился
у Буше, затем у Ж. М. Вьена. В 1767-м поступил в Королевскую академию
в мастерскую Вьена. В 1774 году художник получил Римскую премию,
в 1775-1780 годах учился во Французской академии в Риме. В 1781 году он был
принят в число «причисленных» к парижской Академии живописи и скульптуры.
Жак Луи Давид выставлялся в Салоне, после чего король предоставил художнику
жилье в Лувре, что было почетной привилегией. В 1789-м возглавил «коммуну
искусств», ратовавшую за реформирование Академии. Художник был участником
революционного движения. Он подписал петицию за отставку короля, позже
голосовал за его смерть. С1792 года Жак Луи Давид — член Комиссии искусств
и Комитета просвещения, играет важную роль в организации Музея искусств.
С1793 года он занимал несколько важных государственных постов: был
секретарем Конвента, возглавлял Комитет безопасности, принимал активное
участие в политике террора, выписав около 300 ордеров на арест. В 1794 году
был арестован и оказался в тюрьме, но смог избежать казни. Позже он стал
придворным художником Наполеона и получил от него крест Почетного легиона.
После падения Бонапарта и реставрации Бурбонов Жак Луи Давид был изгнан
из Франции за причастность к казни короля.

«Клятве Горациев» Давид обращается к сюжету, описанному
древнеримским автором Титом Ливием в сочинении «История
Рима от основания города». Три брата-римлянина из рода Горациев
должны были сразиться с лучшими воинами города Альба-Лонга,
из рода Куриациев, чтобы определить главенство между двумя
городами. Горации исполнили свой долг перед Римом несмотря
на то, что с Куриациями их связывали родственные и дружеские
узы, о чем напоминает группа скорбящих женщин в правой части
композиции. Здесь представлены сестра Горациев — Камилла,
которая была невестой одного из Куриациев, и сестра Куриациев
Сабина (в белом одеянии), ставшая женой одного из Горациев Даже
в своем горе римлянки ведут себя сдержанно и достойно. В центре
картины в красном плаще изображен отец Горациев^ протягивающий
сыновьям три меча. Сыновья, подняв руки в римском приветствии,
клянутся победить или умереть в бою. Здесь стоит обратить внимание
на те цвета, что использует Давид в одежде своих героев. Красный
выражает идею силы, стремление к бою, отвагу. Белый может
пониматься как символ чистоты. Синий олицетворяет мудрость,
добродетель и веру. В изображении деталей Давид стремился
следовать древнеримским образцам. Чтобы написать картину, мастер
уехал из Франции в Рим. Археологические раскопки, уже тогда
ведущиеся в древних городах Помпеи и Геркуланум, давали обширный
материал для копирования.

Франсиско Гойя	I

М аха одетая

1800-1807. Хо. кт. масло. 94,7 х 188 см.
Музей Прадо. Мадрид

Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес (1746, Фуэндетодос — 1828, Бордо) —
испанский художник, мастер офорта. Он работал при дворе испанских королей,
создавая парадные портреты и исторические полотна. В 1759 году поехал
в Сарагосу, где учился в мастерской художника Лусана-и-Марпшнеса. В 1766-м
он не выдержал экзамен в Королевскую академию Сан Фернандо в Мадриде,
до 1771 года жил и работал в Риме. В 1771 году возвратился в Сарагосу,
где получил несколько заказов на религиозные росписи. В 1775-м обосновался
в Мадриде, работал в мастерской Ф. Байеу, придворного художника короля,
и Зля Королевской шпалерной мануфактуры. В 1780 году Гойя стал членом
Королевской академии Сан-Фернандо, в 1785-м — вице-директором ее
живописного отделения, в 1795-м — директором живописного отделения.
С1786 года — королевский художник, с 1799-го — первый живописец короля.
В 1793 году Гойя перенес тяжелую болезнь, из-за которой потерял слух.

В 1808-м возведенный на испанский престол брат Наполеона Жозеф
оставил Гойю при своем дворе в прежней должности. В 1824 году, не соглашаясь
с политикой нового испанского короля Фердинанда VII, художник уехал
в добровольное изгнание во Францию.

'	- еизвестная дама в легких белых одеждах и желтом жакете

с черным декором возлежит на зеленом бархатном ложе с пышными
подушками и покрывалом. Существует множество разнообразных
мнений о том, кто был моделью для данного полотна и парной к нему
картины, изображающей обнаженную маху. Однако анонимность
модели сохранялась во всех исторических описях, где упоминались
эти две работы. Одна из легенд гласит, что художник изобразил свою
знаменитую возлюбленную, герцогиню Альба. Однако в последнее
время специалисты утверждают, что Гойя написал картины по заказу
министра Испании Мануэля Годоя, пожелавшего иметь портреты
своей любовницы Пепиты Тудо, с которой у него начался роман
в 1797 году. Махи (подруги мужчин-мачо) — яркие и свободные
женщины из народа, не придерживающиеся общепринятых правил
и всегда готовые на новую любовную интригу. Постепенно образ
махи стал олицетворением настоящей испанки. Выставляемая напоказ
аморальность жизни махос (мужчин и женщин), их песни и танцы
казались очень притягательными представителям высшего общества.
Аристократы нередко выбирали себе любовниц и любовников из этой
среды. К 1770-м годам «махаизм» превратился в повальное увлечение
в высших кругах, что было связано с подчеркиванием национальной
идентичности на фоне «офранцуживания» Испании. Девушка на этой
картине одета в традиционный костюм махи — короткую приталенную
курточку с рукавами фонариком, облегающий лиф и яркий кушак.
Это полотно написано более обобщенно, чем изображение махи
обнаженной, которую отличают более тонкие тональные градации,
а также немного иное расположение фигуры.



Жан-Огюст-Доминик Энгр < 1780, Монтобан —1867, Париж} — французский
художник, представитель академической школы. Он родился в семье художника,
учился в Академии художеств в Тулузе, затем — в парижской Школе изящных
искусств у Ж. Л. ДавиЗа. В 1801 году художник получил Римскую премию, что
дало ему возможность поехать во Французскую академию в Риме. В 1803-м
Энгр но заказу написал портрет Наполеона, пока еще первого консула,
В 1806 году он уехал в Рим, где жил до 1820-го, а затем перебрался во Флоренцию.
В 1824 году возвратился в Париж, где получил орден Почетного легиона из рук
короля Карла X. С 1825 года — член Академии изящных искусств, 1830-го —
профессор Школы изящных искусств, с 1833-го — вице-президент, с 1834-
го — глава. В 1835 году Энгр избран главой Французской академии в Риме
и вновь уехал в Италию, где прожил до 1841-го. По возвращении в Париж он
был с восторгом встречен, возведен в достоинство пэра и назначен сенатором.
На Всемирной выставке в Париже в 1855 году было показано 66 работ
художника. В 1867-м, после смерти, в Школе изящных искусств открылась
ретроспективная выставка. Все свое имущество и произведения искусства Энгр
завещал родному Монтобану, где уже в 1869 году был открыт его музей.

осточная экзотика была популярнейшей темой в искусстве
первой половины XIX века, прекрасным подтверждением чему
служит этот знаменитый шедевр Энгра, заказанный неаполитанской
королевой Каролиной Мюрат, младшей сестрой Наполеона Бонапарта.
Увиден полотно в Салоне 1819 года, критики стали упрекать автора
в том, что он пренебрегает правилами анатомии. Создавалось
ощущение, что, желая удлинить линию спины обнаженной красавицы,
художник добавил ей лишние позвонки, а правую, неестественно
вытянутую руку написал так, словно она лишена костей. Веер,
который женщина держит в руке, призван скрыть неправильную
линию ее правого бедра. Отдельные детали — кальян и дымящаяся
кадильница — указывают на то, что действие происходит в гареме,
но перед нами не турчанка, а европейская женщина. Ее волосы
разделены на гладкий прямой пробор и украшены необычным
головным убором с кистями. Он представляет собой изысканно
скомпонованную полосу шелка и является копией головного убора
женщины с картины Энгра «Рафаэль и Форнарина». Изображая
знаменитого ренессансного живописца и его возлюбленную,
художник, в свою очередь, позаимствовал «тюрбан» непосредственно
с полотна Рафаэля «Форнарина». Это не единственное заимствование
у великих мастеров прошлого — украшение пояса на переднем плане
«Большой одалиски» скопировано со знаменитого Гентского алтаря
Яна ван Эйка

Каспар Давид Фридрих

Странник
над морем тумана

1818. Холст, мае.ю. 94,8 *74,8 см.

Купстхаллс, Гамбург

Каспар Давид Фридрих (1774, Грайфсвальд — 1840, Дрезден) — немецкий
художник, представитель немецкого романтизма. В 1790 году он получил первые
уроки рисования, в 1794-1798 годах учился в Датской королевской академии
художеств в Копенгагене. После возвращения из Дании художник обосновался
в Дрездене. Он много путешествовал. До 1807 года работал исключительно
в технике рисунка, затем обратился к масляной живописи. С 1824 года —
профессор Дрезденской академии художеств. В 1835-м художника рлзбил паралич,
после чего он вновь стал работать только в технике рисунка.

транник над морем тумана» сегодня считается
«визитной карточкой» немецкого романтизма. Эффектность картины
обусловлена выразительной силой ее композиции, в которой
значительную роль играет фигура одинокого странника, стоящего
спиной к зрителю Изображая своих героев со спины, Фридрих, для
творчества которого подобный прием стал характерным, затрагивает
гему субъективного восприятия природы человеком. Этот мастер
переосмыслил европейскую пейзажную живопись, раскрывая образ
природы как пространства для глубоких духовных и эмоциональных
переживаний. Будучи ярким представителем немецкого романтизма,
идеи которого предполагали существование особой связи между
природой и внутренним «я», Фридрих в своих произведениях
подчеркивал индивидуальность реакции человека на окружающий
его мир. Восприятие пейзажа в его искусстве нередко становится
медитативным действом, наполненным ощущением чуда. Главный
герой картины, которого по одежде можно идентифицировать как
горожанина, отправился на природу за эстетическими впечатлениями
и, достигнув горной вершины, наслаждается открывшимся ему видом.
Перед его глазами расстилается пейзаж, ритмично расчерченный
величественными горами, возвышающимися над морем тумана.
Но зритель вынужденно воспринимает этот ландшафт так, словно
смотрит на него из-за спины изображенного персонажа. Личность
одинокого странника до сих лор является предметом споров
Кто-то полагает, что это своеобразный автопортрет самого художника,
в то время как один из исследователей выдвинул версию, что Фридоих
изобразил чиновника лесного хозяйства фон Бринкена, который
погиб, сражаясь за Пруссию против наполеоновской Франции.
Немногочисленные сохранившиеся предварительные рисунки
свидетельствуют о том, что художник «собирал»

этот пейзаж по частям, а не запечатлел вид конкретной местности.
Так, нагромождение камней, на котором, словно героическая
статуя, стоит мужская фигура, Фридрих позаимство₽ал из рисунка,
созданного им 3 июня 1813 года в Саксонской Швейцарии во время
восхождения на холм Кайзеркроне.

Г56

Эжен Делакруа

Свобода,
ведущая
народ

1830. Холст, масло. 260x325 см.
, 1у вр, Париж

;'1 ; . . . 	, »	'.. ,..<руа(1798,Париж— 1863, Париж)—Ж1 чтисец,

график ь .	мантизма. Онучился в лицее Людовика Великого,

.•Л 1'ы. лнчечш 1.ч лн\ .....таенный талант. В 1818 году Делакруа поступил
« мастерскую * и«’И1 сца И Н. Герена. Б 1816-м он стал учеником Школы
иХМЩМЫЛ МСКУГОП*. J !. . 'нее художник испытал влияние амлийасий пейзажистов
и .'Керик.' BIS.. ду он был включен в состав официальной дипломатической

.сии в Марокко, что повлияло на его творчество. 11ослс возвращения, Делакруа
получил официальные заказы на росписи Люксембургского дворца, плафонов
в Лувре и фрески в церкви Сан-Сюлъпис. В 1851-м он был избран в городской совет
Парижа, в 1855-м награжден Орденом Почетного легиона. Тогда же состоялась
персональная выставка художника в рамках Всемирной выставки в 1Тираже.
Делакруа был членом французской Академии изящных искусств и Национального
общества изящных искусств.

.^возникновение этого полотна связано с революционными
событиями, происходившими в июле 1830 года i Париже, когда
французы восстали против монархии Бурбонов. Делакруа наблюдал
за всем происходящим из окон своей мастерской, воплотив позднее
аллегорический образ Июльской революции в картине, снискавшей
всемирную славу. Его главной героиней становится сама Свобода,
идущая вперед по трупам павших и зовущая за собой народ
В правой руке девушка поднимает трехцветный республиканский
флаг, а на голове ее так называемый фригийский колпак —
символ свободы времен Великой французской революции.

Считается, что отчасти на написание полуобнаженной женской
фигуры Делакруа вдохновила античная статуя Венеры Милосской,
найденная в Греции в 1820 году и вскоре оказавшаяся в Лувре.
Однако современники художника прообразом Свободы считали
реального человека — прачку Анну Шарлотту, вышедшую
на баррикады после гибели брата и убившую 9 гвардейцев
Лежащую фигуру павшего юноши в белой рубашке, изображенную
в левом нижнем углу картины, ассоциировали с ее погибшим братом.
В правой части композиции представлен отважно шагающий вперед
уличный мальчишка, который поднимает вверх пистолет в правой
руке, словно вторя жесту самой Свободы. В левой части полотна
на общем фоне выделяются еще два персонажа. Мужчина в черном
костюме и высокой шляпе многими воспринимался ранее как
автопортрет Делакруа, но сейчас в нем видят ярого республиканца,
директора театра «Водевиль» Этьена Араго, снабжавшего
повстанце - оружием. Его фигура олицетворяет собой участие
в революции буржуазии, в то -.ремя как изображенный рядом с ним
мастеровой символизирует рабочий класс, сыгравший в восстании
ведущую ооль.

Жан Франсуа Милле

Анжелюс

1857-1859. Холст, масло. 55x66 см.
Музей Орсе, Париж

Жан-Франсуа Милле. 1814, Гревиль-Аг — 1875, Барбизон) — французский
художник, один из основателей барбизонской пейзажной школы. С 20 лет он начал
обучение живописи в мастерской художника П. Дюмюшеля, затем два года учился
в парижской Школе изящных искусству П. Делароша. Не сумев адаптироваться
к академической системе обучения, Миме был вынужден покинуть школу.
Он учился самостоятельно, копируя в Ауере работы старых мастеров. Затем
выставлялся в Парижском салоне. Основные темы в творчестве Миме — образы
крестьян и образы природы. С1849 года он жил и работал в деревне Барбизон.

Анжелюс — католическая молитва, названная по ее первым слова.»
«Angelus Domini» (Ангел Господень). В вечерней молитве замерли и склонили
головы персонажи картины Миме, заслышав колокол церкви, изображенной
на заднем плане. Известно, что здесь художник запечатлел церковь в местечке
Шалли близ Барбизона. Сюжет был навеян детскими воспоминаниями автора:
услышав звон колокола, его бабушка всегда останавливала семейную работу в поле,
чтобы прочитать «Анжелюс». Милле, признанный мастер «крестьянского»
жанра, представил на полотне супружескую пару, работавшую в поле. У ног
женщины стоит корзина, наполненная только что собранным картофелем.

ростота этой композиции и присутствовавшая в ней идея
благочестия, импонировали зрителям, поэтому репродукции
«Анжелюса» встречались почти в каждом французском доме.
Такая репродукция висела и г школе, где учился знаменитый
испанский сюрреалист Сальвадор Дали, создавший впоследствии
множество собственных вариаций этой картины. С детства ему
казалось, что в этой композиции скрыта какая-то загадка. Уже будучи
всемирной знаменитостью. Дали обратился к руководству Лувра,
где хранилось тогда полотно, с просьбой сделать его рентгенограмму.
В ходе исследования ныяснилось, что первоначально на месте
корзины с картофелем Милле изобразил небольшой прямоугольный
ящик, который можно было интерпретировать как детский гроб,
что в итоге меняло весь смысл произведения. Мать и отец склонялись
над умершим ребенком, которого, вероятно, не успели даже
крестить, и хоронить его пришлось не на кладбище, а в поле. Именно
этим объяснялась особая грусть героев и общее меланхоличное
настроение картины. В записях самого Милле позже были обнаружены
упоминания о том, что он принял решение изменить трагический
сюжет.

Эдуард Майе

Олимпия

1863. Холст, масло. 130,5 х 190 см.
Музей Орсе, Париж

В знаменитой «Олимпии» Эдуарда Мане можно увидеть множество отсылок
к картинам старых мастеров, таким как «Венера Урбанская» Тициана,
«Спящая Венера» Джорджоне, «Нимфау источника» Кранаха и «Обнаженная
маха» Гойи, а также к теме одалисок в окружении темнокожих рабов, которую
до него активно разрабатывал Энгр. Но это полотно стало в итоге воплощением
по истине современного сюжета. Томная и соблазнительная Венера, какой ее
было принято изображать в искусстве середины XIX века,у Мане превращается
в проститутку, смотрящую на зрителя, как на клиента, оценивающим взглядом.

Эдуард Мане (1832, Париж — 1883, Париж) — французский художник,
один из основоположников живописи модернизма. Получив классическое
образование в коллеже, в 1848-м он ушел юнгой на торговое судно. Вернувшись
во Францию, Мане поступил в мастерскую художника Т. Кутюра, где
обучался в 1850-1856 году, также посещая Академию Сюиса. В 1852-1853~м
он путешествовал по Голландии, Германии, Италии, Австрии. В 1859 году
художник представил жюри Парижского художественного салона свою
картину, но получил отказ. Он выставлялся в Салоне отверженных. Мане
совершил путешествие в Испанию. В 1867 году он организовал на свои средства
персональную выставку. Во время Франко-прусской войны вступил в армию
и участвовал в защите Парижа. Художник был дружен с импрессионистами,
но не участвовал в их выставках. В 1881 году он получил орден Почетного
легиона. Широкое признание пришло Мане лишь за год до смерти. Он был болен
атаксией, после ампутации ноги, вызванной воспалением вен и начавшейся
гангреной, скончался.

1одобный сюжет в сочетании со специфической живописной
техникой, характерной для Мане, спровоцировал скандал
п Парижском салоне 1865 года, где была выставлена картина.
Отказ художника от идеализированного и безличностного
изображения обнаженной натуры, лежащего в основе
академической традиции, вызвал всеобщее негодование Критики
называли изображенную на картине девушку «монстром банальной
любви» и «одалиской с желтым животом», заявляя о ее уродстве
и немыслимой вульгарности. Общество оказалось не готово
к столь прямому столкновению в искусстве с тем, к чему все
давно привыкли в реальной жизни. Неслучайно именно общество,
а не автор, наделило представленную здесь модель именем Олимпия,
которое в то время, после зыхода в свет книги Александра Дюма
«Дама с камелиями», стало нарицательным для всех «дам полусвета».
Мало кто из современников смог проследить параллели между
работой Мане и классическим искусством и увидеть в ней новое
прочтение образа богини любви и красоты Венеры. Писатель
Эмиль Золя, защищая друга от нападок критики, сказал: «Вы нашли
художественный язык, которым сказали правду о своем времени».

Клод Моне

Впечатление

Восход солнца. 1872. Холст, масло. 48x63 см.

Музеи Мармоттан-Моис, Париж



Оскар Клод Моне (1840, Париж — 1926, Живерни) — французский художник,
лидер импрессионизма. Детство он провел в Гавре, еде начал писать пейзажи
на пленэре под влиянием Э. Будена, с которым познакомился в 1858 году. В 1859-м
учился в Академии Сюиса в Париже. В 1861 году художник прошел военную службу
в Алжире. Ви время Франко-прусской войны Моне жил в Лондоне, где изучал
работы Тернера. В 1872 году он вернулся во Францию и жил с семьей в Аржантёе,
куда часто приезжали друзья: Сислей, Ренуар, Мане и другие. В 1878-1881
годах художник жил в Ветее, где начал писать серию картин, повторяющих
схожие темы в меняющихся атмосферных условиях. С 1883 года он жил
в Живерни, откуда совершал поездки в Нормандию, на побережье Средиземного
моря, в Англию, Норвегию и Италию. С1908 года Моне начал терять зрение,
но до 1923-го отказывался от операции. После операции он продолжил активно
работать вплоть до самой смерти.

J1- апреле 1874 года в Париже в бывшей мастерской фотографа
Нодаоа на бульваре Капуцинок открылась выставка, организованная
«Анонимным обществом художников, живописцев, скульпторов
и граверов». На ней была представлена картина Клода Моне,
указанная в каталоге выставки как «Впечатление. Восход солнца».
Журналист Луи Леруа, посетивший новую экспозицию, написал
разгромную сатирическую статью в журнале «Шаривари», назвав
ее «Выставка импрессионистов». Принято считать, что именно
полотно Моне (impression значит по-французски «впечатление»)
надоумило критика насмешливо назвать художников, чьи картины
были представлены, импрессионистами. Так популяоный впоследствии
стиль живописи, в котором работали Моне, Ренуар, Писсаро, Сислей,
получил свое название — импрессионизм.

Картина была написана художником в Гаере, где он eoipoc
и куда приехал вновь в 1872 году. В этот приезд мастер создал
6 изображений старого гаврского порта. Моне часто работал
сериями, демонстрируя в своих полотнах преображение одного
и того же мотива в зависимости от изменений природного освещения
Перед нами — вид порта на рассвете «В то утро я вскочил с постели,
чтобы поймать неуловимое, ведь на восходе освещение постоянно
меняется. Его нужно писать сразу же, каждый оттенок. Сколько
у меня было времени? Минут 10, не более, И я схватил мольберт,
кисти и стал наносить размашистые крупные мазки», — вспоминал
художник. Впоследствии один из исследователей с помощью
фотографий и метеорологических данных доказал, что картина могла
быть написана только 13 ноября 1872 года в 7.35 утра. В 1985 году это
полотно вместе с другими работами Моне, Ренуара и Берты Моризо
было похищено из музея Мармоттан и обнаружено 5 лет спустя.

<•

/Корж Сера

Воскресный день
на острове
Гранд-Жатт

1884-1886. Холст, масло. 207,6x308 см.



Жорж-Пьер Сёра (1859, Париж — 1891, Париж) — французский художник-
неоимпрессионист. С1875 сода он учился в Школе живописи, с 1878-го —
н Школе изящных искусств В 1879 году художник прошел срочную военную
службу в Бресте. В 1881-м он изучал оптику и цвет. В 1883 году Жорж Сёра
выставляется в Парижском художественном салоне. В 1884-м году с другими
художниками он сформировал творческое общество Societe des Artistes
Independants, на первой выставке которого в том же году представил свои
работы. В /886 году выставлялся на последней выставке импрессионистов,
в 1887-м — на выставке творческой группы «Общество XX».

э

то монументальное полотно написано с помощью
оригинального метода, изобретенного Жоржем Сёра и получившего
название «пуантилизм» (от французского слова point — точка).
Пуантилисты пытались исследовать цвет с точки зрения науки,
опираясь на новые знания в области оптики. Согласно их теории,
живописная композиция должна состоять из множества отдельных
точек чистого цвета, то есть художник не смешивает больше
цвета на палитре или холсте, оптически они смешиваются сами
по себе на сетчатке глаза зрителя, которому следует теперь
рассматривать картину на некотором удалении, чтобы достичь
необходимее эффекта. Придуманную С ера технику письма
называют также «неоимпрессионизм» или «дивизионизм». Над этим
произведением автор работал дыа года Днем на острове он делал
зарисовки, а затем продолжал писать холст уже в мастерской.
В отличие от импрессионистов Жорж Сера отказался от идеи
передать сиюминутное впечатление, от эффекта спонтанности
и естественности, провозглашая бесстрастность художника, Его
герои выглядят статичными и лишенными индивидуальности,
а время словно остановилось в этой картине. «Я хочу свести фигуры
современных людей к их сути, заставить их двигаться так же, как
в произведениях Фидия, и оасположить на полотне а хроматической
гармонии», — писал Сера другу. «Воскресный день» был представлен
на последней, 8 й, совместной выставке импрессионистов в 1886 году,
и вызвал очень противооечивые отклики. Один из критиков назвал
его сенсацией и манифестом нового течения, «конструктивистски
продуманным и иератически выписанным, как египетский живописный
фриз», другой — «мозаикой скуки». Сам художник говорил, что хотел
всего лишь написать «веселую и яркую композицию с равновесием
горизонталей и вертикалей, доминантами теплых цветов и светлых
тонов со светящимся белым пятном в центре».

Винсент Ван Гог

Звездная ночь

1889. Холст, масло. 73,7 х 92,1 см;

Музеи современного искусства, Нью-Йорг

Винсент Виллем Ван Гог  1353, Гроот-Зюндсрте — 1890, Овер-сюр-Уаз) —
голландский художник-постимпрессионист. После попыток стать торговцем
искусством и священником, он посвятил себя живописи ив 1880 году уехал
в Брюссель, где учился рисунку в Королевской академии изящных искусств.
В 188S-1886 году посещал антверпенскую Академию художеств, начал
экспериментировать с цветом, высветляя палитру. В 1886 году художник
переселился к брату Тео в Париж. В 1888-м уехал в Арль, куда к нему приехал
Гоген. После ссоры в припадке безумия Ван Гог напал на Гогена, а затем отрезал
себе мочку уха. Затем он был помещен в психиатрическую лечебницу. В 1890 году
перебрался в Овер-сюр-Уаз. В Mercure de France вышла хвалебная статья о его
творчестве, и он получил приглашение участвовать в выставке «Общества XX»
в Брюсселе. Во время очередного приступа болезни художник смертельно ранил
себя выстрелом из револьвера и через два дня умер.

.А Х.артина была написана в непростой для Ван Гога период, когда
он вынужден был около года находиться на лечении в больнице
для душевнобольных, во французском местечке Сен-Реми.

На создание этого пейзажа его вдохновил вид из окна лечебницы,
за пределы которой он выходить не мог. «Сегодня утром смотрел
на местность из окна задолго до восхода солнца, с единственной
утренней звездой, казавшейся очень большой», — писал Ван Гог
брату Тео, Натурные наблюдения здесь переплелись с фантазией
художника. Над изображением ночной сцены он работал днем, при
ином освещении. Деревню, представленную на картине у подножия
живописных холмов, в действительности он не видел из своего
окна так близко, и кипарис в левой части холста гораздо ближе
к переднему плану, чем это было на самом деле. Шпиль церкви,
высящийся над деревней, скорее напоминает о церквях родной для
Ван Гога Голландии, а не Франции Основной доминантой композиции
становится ночное небо, которое кажется бурным и взволнованным,
а по его поверхности словно катятся волны. Существует мнение, что
художник был знаком с зарисовками спиральных галактик, которые
делали современные ему астрономы, что повлияло на созданный им
образ неба. На сине-голубом фоне разбросаны яркие шары планет,
окруженные концентрическими кругами сияющего белого и желтого
света, Среди них — лунный полумесяц и Венера, изображенная справа
от кипариса, та самая утренняя звезда, о которой Ван Гог писал брату.
Яркие цветовые контрасты и мощные фактурные мазки передают
специфику особого мировосприятия художника, находившего
необыкновенную красоту в ночи, которая была для него «гораздо
более живой и богато окрашенной, чем день».

Густав Климт

Поцелуй

1907-1908* Холст, масло, листовое золото,
серебро, платина. 180x180 см.

Галерея Бельведер, Вена

Густав Климт (1862, Баумгартен — 1918, Вена) — австрийский художник,
график и декоратор, представитель стиля модерн. Он родился в семье гравера
и ювелира. В 1876 году поступил в Венское художественно-ремесленное училище.
В 1879-м Климт, его брат Эрнст и друг Ф. Матч организовали художественное
товарищество, а затем открыли свою мастерскую. Они успешно работали как
декораторы, оформив росписями Бургтеатр и Художественный музей в Вене.
В 1894 году художник начал работу над «факультетскими картинами»
для актового зала Венского университета, но разногласия с заказчиком привели
к «художественному скандалу». В 1897-м он стал одним из основателей Венского
сецессиона, для выставки которого, посвященной Бетховену, Климт создал
знаменитый «Бетховенский фриз». Он совершил дне поездки по Италии
(в 1899-м, 1903-м). В 1912 году был избран председателем Австрийского союза
художников. В 1914-м поехал в Брюссель во дворец Стокле, для которого исполнил
эскиз фриза. В 1917-м Климт стал почетным членом Венской и Мюнхенской
академий художеств.

с

Х^/амое прославленное произведение Климта «Поцелуи» являет
собой вершину «золотого стиля» в творчестве этого мастера.
Любовная пара словно находится вне времени и пространства,
окутанная золотым, почти божественным сиянием. Кажется, что
золотой плодородный дождь проливается с небес на землю, Мужчина
и женщина стоят на краю усыпанной цветами поляны, сами становясь
частью природного мира — их головы украшают ненки из листьев
и цветов. Жесткий геометрический орнамент одеяния мужчины
контрастирует с более плавными очертаниями красочных узоров
на платье женщины. Единение прильнувших друг к другу фигур
подчеркивается и золотым ореолом, обрамляющим их силуэт. Лицо
мужчины скрыто, в то время как героиня повернула голову в сторону
зрителя, будто уклоняясь от поцелуя. Ее рука пытается отвести от лица
руку мужчины, но, кажется, что она уже не в силах сопротивляться
охватившему их чувству. Длинные золотые стебли растений обвивают
ее щиколотки, не оставляя возможности убежать от любви.

Обилие золота словно переводит это изображение в разряд
священных — известно, что «золотой стиль» Климта был во многом
вдохновлен древними византийскими мозаиками, украшающими
церкви итальянского города Равенна. Вероятно, художник начал
работать над картиной в 1907 году и впервые выставил ее в июне
следующего года под названием «Влюбленные». Непосредственно
с выставки ее приобрело Министерство культуры и образования,
за довольно приличную сумму, для Галереи современного искусства
(сейчас Галерея Бельведер). Осенью 1909 года в музейном каталоге
картина впервые была упомянута под названием «Поцелуй».
Возможно, прообразом представленной здесь любовной пары стал
сам художник и его близкая подруга Эмилия Флёге.

Сальвадор Дали

Постоянство
памяти

1931. Холст, масло. 24x33 см.

Музей современного искусства, Ныо-Порк

Сальвадор Доминго Фелине Хасинто Дали-и-Доменск (1904, Фигсрас — 1989,
Фигсрас) — испанский художник-сюрреалист. Он учился в художественной школе
у импрессиониста Р. 11ишо. В 1918 году в Фигерасе прошла первая выставка
художника. Дали учился в Мадридской академии Сан-Фернандо, где познакомился
с новыми художественными течениями. Он был дружен с Луисом Бюнуэлем
и поэтом Лоркой. В 1929 году встретил музу и будущую жену Галу, примкнул
к парижским сюрреалистам, которые исключили его из группы в 1934 году
за политические идеи. В 1930-м Дали разработал «параноидально-критический»
метод, который стал его главным вкладом в движение сюрреалистов. В 1940-
1948 году ж:а в США, затем вернулся в Испанию. Он открыл Театр-музей Дали
в Фигерасе в 1974 году, работал в кино, театре и области моды, оставаясь одной
из самых эксцентричных уйгур в истории искусства XX века.

Л -Представленный парижским сюрреалистам в 1928 году
эксцентричный Сальвадор Дали присоединился к их движению
и быстро превратился в одну из самых узнаваемых фигур сюрреализма.
Искаженные образы его произведений стали иконографическими;
картина «Постоянство памяти», на которой изображены растекшиеся
карманные часы на пустынном пляже, является наиболее известной
Подобна большинству сюрреалистов Дали был страстным
последователем Зигмунда Фрейда и теории подсознательного,
изложенной е его «Интерпретации снов». Черпая вдохновение в теме
взаимосвязей между снами и реальностью, Дали говорил об этом
произведении как о «нарисованной фотографии сна».

Дали часто изображал себя в центре даже самых страшных видении:
деформированная голова на картине имеет сходство с чертами
лица художника, а сама сцена разворачивается на фоне золотистых
скал, в которых можно узнать побережье его родной Каталонии.
Искаженная голова Дали появляется и на других его картинах,
в основе ее формы, возможно, лежит форма камня, который он
когда-то нашел на пляже. На переднем плане мягко повисли, словно
расплавившись, три размякших циферблата — художник признавался,
что на этот образ его вдохновил сыр камамбер, растаявший
на улице после обеда. Слева изображены медные карманные
часы, атакованные множеством муравьев, словно поедающих
их блестящую поверхность. В ряде произведений Дали, в том
числе в фильме «Андалузский пес», муравьи являются метафорой
разрушения. Муравьи здесь не единственный символ подобного
рода. Художник был знаком с теорией относительности Эйнштейна
и говорил, что мягкие часы изображают искажение времени при
силе тяготения, являясь метафорой угрозы войны, ощущавшейся
в 1930-е годы. Засохшее дерево у левого края картины перекликается
с изображением из гравюрной серии Гойи «Ужасы войны», где
на дерево была насажена человеческая голова.

Содержание

Джотто
МАДОННА ВО СЛАВЕ .............2

Неизвестный мастер
УИЛТОНСКИЙ ДИПТИХ.............6

Ян ван Эмк
ПОРТРЕТ ЧЕТЫ АРНОЛЬФИНИ......10

Фра Филиппо Липпи

МАДОННА С МЛАДЕНЦЕМ
ХРИСТОМ И ДВУМЯ АНГЕЛАМИ.....14

Пьеро делла Франческа

ПОРТРЕТ ГЕРЦОГА И ГЕРЦОГИНИ
УРБИНСКИХ....................IX

Гуго «ан дер Гус
АЛТАРЬ ПОРТИНАРИ.............22

Сандро Боттичелли
РОЖДЕНИЕ ВЕНЕРЫ..............26

Леонардо да Винчи

ПОРТРЕТ ГОСПОЖИ ЛИЗЫ ДЕЛЬ
ДЖОКОНДО.....................30

.Альбрехт Дюрер

АВТОПОРТРЕТ В ОДЕЖДЕ,
ОТДЕЛАННОЙ МЕХОМ.............34

Лукас Кранах Старший
СУД ПАРИСА...................38

Джорджоне
СПЯЩАЯ ВЕНЕРА................42

Рафаэль
СИКСТИНСКАЯ МАДОННА..........46

Аньоло Бронзино
ПОРТРЕТ БИ А МЕДИЧИ .........50

Корреджо
РОЖДЕСТВО....................54

Тйциан
ВЕНЕРА УРБИНСКАЯ.............58

Тинторетто
ЧУДО СВ. МАРКА...............62

Питер Брейгель Старший
ОХОТНИКИ НА СНЕГУ............66

Эль Греко
БЛАГОВЕЩЕНИЕ.................70

Аннибале Карраччи
ВЕНЕРА, АДОНИС И АМУР........74

Микеланджело Меризи да Караваджо
ОБРАЩЕНИЕ САВЛА..............78

Франс Халс
СМЕЮЩИЙСЯ КАВАЛЕР............82

Франсиско де Сурбаран

СВ. МАРГАРИ ТА АНТИОХИЙСКАЯ...86

'!$)<>
Рембрандт Харменс ван Рейн
АВТОПОРТРЕТ С САСКИЕЙ

НА КОЛЕНЯХ.................90

Никола Пуссен
TAI1ЕЦ ПОД МУЗЫКУ ВРЕМЕНИ..94

Питер Пауль Рубенс
ВИРСАВИЯ У ФОНТАНА.........98

Антонис ван Дейк

ПОРТРЕТ ПРИНЦЕССЫ МАРИИ

И ВИЛЛЕМА, ПРИНЦА ОРАНСКОГО... 102

Жорж де Латур

МУЧЕНИЧЕСТВО СВ. СЕБАСТЬЯНА ... 106

Ян Вермеер Делфтский

ДЕВУШКА С ПИСЬМОМ
У ОТКРЫТОГО ОКНА...........11 о

Хусепе де Рибера
ХРОМОНОЖКА..................114

Диего Be ласкес
МЕНЯНЫ .....................118

Питер де Хох
ДВОРИК В ДЕЛФТЕ.............122

Виллем Кальф

НАТЮРМОРТ С НАУТИЛУСОМ
И КИТАЙСКОЙ ЧАШЕЙ...........126

Франсуа Буше

ПОРТРЕТ МАРКИЗЫ ДЕ ПОМПАДУР ... 130

Жан Оноре Фрагонар
КАЧЕЛИ......................134

Томас Гейнсборо
МАЛЬЧИК В ГОЛУБОМ...........138

Жак Луи Давид
КЛЯТВА ГОРАЦИЕВ.............142

Франсиско Гойя
МАХА ОДЕТАЯ.................146

Жан Огюст Доминик Энгр
БОЛЬШАЯ ОДАЛИСКА............150

Каспар Давид Фридрих

СТРАННИК НАД МОРЕМ ТУМАНА.... 154

Эжен Делакруа
СВОБОДА, ВЕДУЩАЯ НАРОД......158

Жан Франсуа Милле
АНЖЕЛЮС.....................162

Эдуард Мане
ОЛИМПИЯ.....................166

Клод Моне
ВПЕЧАТЛЕНИЕ.................170

Жорж Сёра

ВОСКРЕСНЫЙ ДЕНЬ НА ОСТРОВЕ
ГРАНД-ЖАТТ..................174

Винсент Ван Гог

ЗВЕЗДНАЯ НОЧЬ................178

Густав Климт
ПОЦЕЛУЙ.....................182

Сальвадор Дали
ПОСТОЯНСТВО ПАМЯТИ..........186
УДК 75(091X100)
ББК 85.143(0)

К69

Все права защищены.

Любое использование материалов данной книги, полностью
или частично, без разрешения правообладателя запрещается

Кортунова, Наталья Дмитриевна.

Кб9 Шедевры мировой живописи / Н. Д. Кортуноза. — Москва Издательство ACT,
2026. —192 с. ил. — (Мировое искусство. Стерео-варио обложка).

ISBN 978-5-17-170599-2

В книге кратко рассказывается история и разбирается сюжет самых популярных
картин мироиой живописи

Издание для досуга
Бос уацыткд арналган басылым

Серия '(Мировое искусство Стерео-варио обложка»

Наталья Кортунова

ШЕДЕВРЫ МИРОВОЙ ЖИВОПИСИ

Заведующая редакцией Юлия Данник
Руководитель направления Анастасия Чудова
Ответственный редактор Виктория Гусовская
Литературный редактор Евгения Бутина
Компьютерная верстка Елены Гурьевой
Дизайн обложки Алексей Закопайко

Корректор Анастасия Соломонова
Технический редактор Наталья Шармай

УДК 75(091)(100)

ББК 85.143(0)

Общероссийский классификатор продукции
ОК-034-2014 (КПЕС 2008): 58.11.1 - книги.брошюры печатные

Подписано в печать 12 01.2026. Формат 84ХЮ8/16. Усл. печ. л. 20,16

Печать офсетная Бумага мелованная. Гарнитура Сега Pro Тираж экз. Заказ №

Изготовлено в 2026 году

Произведено в Российской Федерации

Изготовитель ООО «Издательство АСТ»

129085, РФ, г. Москва, Звездный бульв ар, д. 21, стр 1, ком 705, пом. 1,7 этаж

Наш электронный адрес www.ast.ru

E-mail ask(g)ast ru

«Баспа Аста» деген оио

129085, Маскеу к , Звездный бульвары, 21 уй. 1 курылыс, 705- бвлме, I жай, 7 кдбат
Б|зд|цэлектрондыцмекенжайымыз; wwwast.ru Интернет-магазин www.book24 kz
Интернет дукен www book24 kz

Импортер в Республику Казахстан ТОО «РДЦ-Алматы».Казахстан Республикасындагы импорттаушы

<-РДЦ Алматы» ЖШС Дистрибьютор и представитель по приему претензий на продукцию
в республике Казахстан ТОО «РДЦ-Алматы»

Казахстан Республикасында дистрибьютор жэне shim бойынша арыз- галат ар ды кабылдаушыныц еюл1
«РДЦ Алматы» ЖШС Алматы к Домбровский кеш 3*а». литер Б офис 1

Тел 8(727)2 51 5989,90,91.92, Факс 8(727)251 581?,вн 107; E-mail RDC-Almaty@eksmo kz
8н1Мнщжарамдылыкмерз1М1 шектелмеген 0нд|рген мемлекет Ресеи

ISBN 978-5-17-170599-2

© Н Д Кортуноза, текст, 2025

© Сальвадор Дали. Постоянство памяти, 1931 VEGAP, УПРАВИС, 2025

© Оформление. ООО «Издательство АСТ», 2026