Искусство

Глава II. Искусство средневековой Европы

Глава Х. Русские передвижники. Товарищество творцов и просветителей

ISBN: 978-5-699-79609-0

Similar

Фрэнсис Бэкон. Гений искаженных миров

О любви и деньгах. История искусства за чашкой кофе

Иконы графического дизайна

Почему они все голые? История наготы в искусстве

Text

Энциклопедия быстрых знаний

ИСК УССТВО
Для тех, кто хочет все успеть

С П РА В О Ч Н И К Д Л Я Т Е Х , К Т О С П Е Ш И Т

МОСКВА
2015

ÓÄÊ 75.01
ÁÁÊ 85.103
È86

Îðèãèíàë-ìàêåò ïîäãîòîâëåí
èçäàòåëüñêèì öåíòðîì «ÍÎÓÔÀÍ»
nofunpublishing.com
valery@nofunpublishing.com
+7 (903) 215-68-69

È86

Èñêóññòâî. Äëÿ òåõ, êòî õî÷åò âñå óñïåòü. — Ìîñêâà :
Ýêñìî, 2015. — 128 ñ. : èë. — (Ýíöèêëîïåäèÿ áûñòðûõ çíàíèé).
ISBN 978-5-699-79609-0
Ïîíÿòèå «èñêóññòâî» î÷åíü øèðîêî. Îò íàðèñîâàííûõ áåçâåñòíûì
ïåðâîáûòíûì ìàñòåðîì æèâîòíûõ íà ñòåíå ïåùåðû äî óìîïîìðà÷èòåëüíûõ ôàíòàçèé Ñàëüâàäîðà Äàëè, îò äåêîðà ñðåäíåâåêîâûõ ñîáîðîâ äî
ñîâðåìåííûõ àáñòðàêòíûõ ñêóëüïòóð è àâàíãàðäíûõ òåàòðàëüíûõ ïîñòàíîâîê…Ýòà êíèãà ïðèçâàíà ðàññêàçàòü ïðîñòûì ÿçûêîì î òàêîì ìàñøòàáíîì ÿâëåíèè, êàê èñêóññòâî, âîñïîëíèòü âîçìîæíûå ïðîáåëû â çíàíèÿõ,
ïîìî÷ü ðàçîáðàòüñÿ â ìíîãî÷èñëåííûõ ñòèëÿõ, íàïðàâëåíèÿõ, øåäåâðàõ
è òåõíèêàõ è ïîáóäèòü ÷èòàòåëÿ íà áîëåå ãëóáîêîå èçó÷åíèå ïðåäìåòà.
ÓÄÊ 75.01
ÁÁÊ 85.103

ISBN 978-5-699-79609-0

СОДЕРЖАНИЕ
Предисловие..................................................................................... 6
Глава I. Египет, Греция, Рим: прообраз современной культуры................ 7
Глава II. Искусство средневековой Европы: земное и небесное........... 16
Глава III. Искусство Арабского халифата:
господство веры и красоты............................................................... 22
Глава IV. Искусство Возрождения: воплощенная человечность............ 27
Глава V. Барокко: буйство красок и пылкость чувств........................... 35
Глава VI. Классицизм: возврат к идеалам Античности......................... 43
Глава VII. Сентиментализм и романтизм:
человек и его душевные порывы....................................................... 51
Глава VIII. Реализм: красота откровенности и повседневности............ 59
Глава IX. Прерафаэлиты: эстетика прошлого и будущего..................... 66
Глава X. Русские передвижники.
Товарищество творцов и просветителей............................................. 73
Глава XI. Модерн: музыка линий и цвета............................................ 80
Глава XII. Импрессионизм: этот изменчивый реальный мир….............. 87
Глава XIII. Социалистический реализм: гимн советскому человеку........... 94
Глава XIV. Экспрессионизм: беззвучный крик и гармония хаоса..........100
Глава XV. Кубизм: приоритет формы.................................................105
Глава XVI. Абстракционизм: язык пятна, линии и цвета......................110
Глава XVII. Сюрреализм: пробуждение бессознательного...................115
Глава XVIII. Искусство Японии и Китая:
традиции, наследие, стилизация......................................................120
Список литературы.........................................................................125

ВОПРОСЫ, НА КОТОРЫЕ
ДАЕТ ОТВЕТ ЭТА КНИГА
ЧТО ТАКОЕ ЭЛЛИНИЗМ?
Это период распространения греческой культуры в Средиземноморье и на Востоке после смерти Александра Македонского и до установления власти Рима на этих землях.
См. главу I
КАК ПОЯВИЛСЯ ТЕРМИН «ГОТИКА?»
Его предложил Д. Вазари, чтобы подчеркнуть мрачность
Средневековья по сравнению с Ренессансом. См. главу II
ЧТО ТАКОЕ АРАБЕСК (АРАБЕСКА)?
Так называют декоративный орнамент в виде сложного
узора, характерный для стран Ближнего и Среднего Востока. Арабески могут включать в себя растительные элементы, геометрические фигуры, шрифты. См. главу III
ЧЕМ СЕВЕРНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ ОТЛИЧАЕТСЯ
ОТ ПРОСТО ВОЗРОЖДЕНИЯ?
В живописи «северян» гораздо дольше сохранялись средневековые черты (декоративность, статичность), сильно
было влияние готики, меньше интерес к наследию Античности, познанию человеческой анатомии. См. главу IV
КАК ПОЯВИЛОСЬ НАЗВАНИЕ СТИЛЯ «БАРОККО»?
Две самые популярные версии происхождения слова «барокко» — от итальянского baroсco («причудливый», «странный») и от португальского perola barroca («жемчужина неправильной формы»). См. главу V
БЛАГОДАРЯ КАКОМУ ХУДОЖНИКУ ПОЯВИЛОСЬ
ВЫРАЖЕНИЕ «ФЛАМАНДСКАЯ ПЫШНОСТЬ»?
Это Питер Пауль Рубенс. См. главу V

ЧТО ТАКОЕ РОМАНТИЗМ?
«Романтизм — это образ чувствования, непомерно акцентирующий… жизнь отдельного человека». (Д. Робертсон) См. главу VII
КАКОВО ГЛАВНОЕ ПРАВИЛО РЕАЛИЗМА?
«Я твердо придерживаюсь взглядов, что живопись… может заключаться лишь в изображении реальных, данных нам
вещей» (Г. Курбе). См. главу VIII
ЧТО ТАКОЕ «ШКОЛА МУСОРНЫХ ВЕДЕР»?
На базе реализма в США возникла «Школа мусорных ведер»: представители этого художественного направления
изображали на картинах быт беднейших кварталов. См.
главу VIII
В ЧЕМ НАЗНАЧЕНИЕ ХУДОЖНИКА?
«Находить во всем… проявление вечного божественного новосозидания красоты и величия, показывать это немыслящим и незрячим — таково назначение художника»
(Д. Рёскин). См. главу IX
КАКОЕ ОТНОШЕНИЕ К КАРТИНЕ СУРИКОВА
«БОЯРЫНЯ МОРОЗОВА» ИМЕЮТ ВОРОНЫ?
Сам художник вспоминал об этом так: «Вот раз ворону
увидел. Сидит на снегу и крыло одно отставила, — черным
пятном на снегу сидит. Так вот этого пятна я много лет забыть не мог. Потом боярыню Морозову написал». См. главу X
КАКУЮ КАРТИНУ НАЗЫВАЮТ
«ВИЗИТНОЙ КАРТОЧКОЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМА»?
В период между 1893 и 1910 годами Эдвард Мунк создал
четыре варианта картины «Крик». Это самая известная его
работа, ставшая своеобразной визитной карточкой экспрессионизма. См. главу XIV

ПРЕДИСЛОВИЕ

Аполлон —
покровитель
искусств

Понятие «искусство» очень широко.
От нарисованных безвестным первобытным мастером животных на стене
пещеры до умопомрачительных фантазий Сальвадора Дали, от декора средневековых соборов до современных
абстрактных скульптур и авангардных
театральных постановок…
Часто перед человеком, заинтересовавшимся искусством, встает проблема: как разобраться в его многочисленных стилях? Мы предлагаем вам
рассмотреть самые известные и яркие
направления, для удобства расположив
их в хронологическом порядке: любое
произведение искусства — не только
порождение фантазии его автора, но
и продукт определенной эпохи, и это
нужно учитывать. Конечно, любые категории в этой области достаточно условны, да и речь пойдет в первую очередь об искусстве изобразительном.
Но это та основа, на которую впоследствии при желании можно будет легко
«нанизать» новые сведения.

Египет, Греция, Рим: прообраз современной культуры

ЕГИПЕТ, ГРЕЦИЯ, РИМ:
ПРООБРАЗ СОВРЕМЕННОЙ КУЛЬТУРЫ
Древнее искусство воплощало духовное,
новое — одухотворяет телесное.
Л. Берне
Искусство Древнего Египта, несомненно, повлияло
на творчество мастеров Древней Греции, которым удалось
достичь подлинного совершенства во многих областях. Их
наследие было переосмыслено творцами Древнего Рима.
3000 ЛЕТ ЕГИПЕТСКОГО ИСКУССТВА
Древнеегипетская цивилизация существовала примерно с IV тысячелетия
до н. э. Датой ее завершения считается 31 год до н. э., когда Египет окончательно покорился Риму.
Богами древних египтян были силы
природы и земные властители — фараоны. По религиозным верованиям,
фараона после смерти ожидала новая
жизнь в царстве мертвых. Для этого покойному владыке требовалось сохранить все, чем он владел на этом свете, — в том числе собственное тело.
Поэтому в Древнем Египте было весьма
развито искусство бальзамирования.
Мумию фараона и все необходимое помещали в гробницу, а ее стены украшали фресками и барельефами, изображавшими земную жизнь покойного
и его путешествие в загробный мир. Таким образом, в Древнем Египте мастера-художники играли большую роль
как служители религиозного культа.

Богатейшим
источником
информации
о культуре Египта
стала гробница
фараона Тутанхамона, обнаруженная в 1920‑х годах
Говардом Картером

Золотая
погребальная
маска
Тутанхамона
(XIV в. до н. э.)

ИСТОРИЯ
ТЕРМИНА
Впервые слово
«фреска»
использовал
в своем трактате
1437 года художник
Ченнино Ченнини.
Роспись
по высохшей
штукатурке
принято называть
техникой а секко —
«по сухому»

АНТИЧНОЕ
ИСКУССТВО
Искусство
Древней Греции,
Рима и эллинистических
государств
(от лат.
antiquus —
древний)

«Западноевропейское искусство, начиная с эпохи Возрождения, явственно
связано с античной
традицией»
(А. Н. Грешных)

Глава I

Интересно, что ученые до сих пор
не выяснили точное назначение египетских пирамид, в том числе Великих пирамид в Гизе (III тысячелетие
до н. э.). Принято считать их гробницами фараонов, но само захоронение
найдено не в каждой.
ФРЕСКА В ВЕКАХ
Одна из древнейших техник изобразительного искусства — фреска. Название происходит от итальянского
fresco (свежий): красками расписывают только что оштукатуренную, еще
влажную стену. Известь, содержащаяся в штукатурке, при высыхании образует тончайшую, но прочную пленку, благодаря которой краски росписи
не осыпаются и на долгие века остаются яркими.
Заметим, что в наши дни фреской называют практически любую настенную
роспись.
ОТ КУЛЬТА К УКРАШЕНИЮ
Древнеегипетские живописцы изображали людей особым способом:
ступни и голову — в профиль, а глаза и плечи — в фас. Их фрески и сегодня поражают нас своей монументальностью и многообразием цветов.
Краски в Древнем Египте изготавливали из минеральных пигментов, смешивая их с яйцом и различными смолами.
В период Нового царства фресками украшали уже не только гробницы,

Египет, Греция, Рим: прообраз современной культуры

но и храмы. То есть постепенно работы
художников переставали быть исключительно ритуальными и начали приближаться к искусству в современном
понимании. Творцов стали интересовать чувства и эмоции людей.

ГДЕ
ПОЗНАКОМИТЬСЯ
С ИСКУССТВОМ
ДРЕВНЕГО
ЕГИПТА

ГРЕЦИЯ И КРИТ
Историю искусства Древней Греции
разделяют на несколько периодов:
III тысячелетие — XII век до н. э. —
эгейское, или крито-микенское искусство;
XI–VIII века до н. э. — «гомеровская»
Греция;
VII–VI века до н. э. — архаический
период;
V–IV века до н. э. — классический период;
IV–I века до н. э. — эллинистический
период.
Крито-микенское искусство именуется так по названию территорий,
где оно было распространено. Именно на острове Крит, согласно легендам, по повелению царя Миноса был
построен Лабиринт, в котором обитал
Минотавр и откуда Тесея, сразившего чудовище, вывела нить Ариадны.
О культуре и религии критян известно очень мало, а критские письмена
до сих пор не расшифрованы. Большинство предположений ученых об укладе жизни на Крите основано на фресках, фрагменты которых в изобилии
найдены на стенах дворцов в Кноссе,
Фесте, Закросе.

Египетский музей
Каира
•• Государственный
Эрмитаж
•• Музей египетского искусства
в Мюнхене
••

«ГОМЕРОВСКИЙ»
ПЕРИОД
Основные источники знаний об этом
отрезке греческой
истории — легендарные «Илиада»
и «Одиссея»
Гомера, отсюда
и название

АРХИТЕКТОРЫ
КЛАССИЧЕСКОГО
ПЕРИОДА
ДРЕВНЕЙ
ГРЕЦИИ
Калликрат
•• Фидий
•• Мнесикл
•• Деметрий
••

«Дельфийский
возничий», один
из немногих
сохранившихся
оригиналов
античной бронзы
(V в. до н. э.)

Глава I

К концу XV века до н. э. критские
дворцы были разрушены, а цивилизация пришла в упадок. Предположительно, причиной послужили набеги
древнегреческих племен с материка
или природные стихийные бедствия.
УЛЫБАЮЩИЕСЯ СТАТУИ. ГЕНИИ
СКУЛЬПТУРЫ И АРХИТЕКТУРЫ
В архаический период в Греции появились основные типы монументальной скульптуры: статуи обнаженного
юноши-атлета (курос) и закутанной
в одежды девушки (кора). Скульптуры, созданные в основном из известняка, мрамора, терракоты и бронзы,
украшали храмы и служили надгробными памятниками. Знаменитая «архаичная улыбка» на лицах статуй
подчеркивала, что фигуры изображают живых людей. Эту деталь вполне
можно считать первым шагом древнегреческих скульпторов к реализму.
До наших дней сохранились развалины многих храмовых комплексов классического периода (Парфенон, храм
Ники в Афинах). По ним можно представить, насколько масштабной и впечатляющей была греческая архитектура.
Храмы считались жилищами богов, поэтому возводились и украшались эти величественные здания с соответствующей тщательностью и искусностью.
В классический период наивысшего расцвета достигла и древнегреческая скульптура. Работы Мирона
(«Дискобол»), Фидия (статуя Зевса

Египет, Греция, Рим: прообраз современной культуры

в Олимпии), Поликлета (многочисленные статуи атлетов) и других мастеров вошли в сокровищницу мировой культуры. О греческой живописи,
к сожалению, мы можем судить лишь
по сюжетам вазописи — изображений на вазах, амфорах и иной посуде,
другие ее образцы до нас не дошли.

ЭЛЛИНИЗМ
Так называют
период распространения
греческой
культуры в Средиземноморье
и на Востоке
после смерти
Александра
Македонского

ЭТРУССКАЯ ЗАГАДКА
Этруски — один из самых загадочных народов в истории европейской
цивилизации. Они проживали на территории нынешней Италии примерно
с конца IX до II века до н. э. и были
предшественниками древних римлян.
Однако их язык до сих пор не расшифрован, а об их культуре, верованиях, традициях и политическом устройстве мы
не знаем почти ничего. Источник знаний об этрусках — убранство сохранившихся гробниц и склепов. Гробницы
делались в виде жилищ, чтобы служить
умершему человеку домом и после смерти, а их стены украшались фресками.
РИМ: НАСЛЕДНИКИ ГРЕКОВ
И ЭТРУСКОВ
Древние римляне познакомились
с культурой греков примерно в III веке
до н. э. А столетие спустя, покорив Грецию, римляне стали массово вывозить
произведения искусства из греческих
городов‑полисов.
Под влиянием греческого искусства начало развиваться и римское

ГДЕ
ПОЗНАКОМИТЬСЯ
С АНТИЧНЫМ
ИСКУССТВОМ
Государственный
Эрмитаж
•• Британский
музей
•• Берлинское
античное
собрание
•• Музей Гетти
в Малибу
••

«И с т о р ич е с к а я
наука многим обязана Помпеям… перед
нашими глазами,
как живая, предстала материальная
культура Италии»
(З. Косидовский)

СУДЬБА
ШЕДЕВРА
МИРОНА
Оригинал
«Дискобола»
до нас не дошел,
но существует
множество его
копий. Одна
из лучших
находится
во дворце
Массимо в Риме

КОЛЛЕКЦИИ
ФАЮМСКИХ
ПОРТРЕТОВ
ГМИИ
им. А. С. Пушкина
(Москва)
•• Лувр (Париж)
•• Музей
Метрополитен
(Нью-Йорк)
•• Британский
музей (Лондон)
••

«…Образы, созданные греками, обнаруживают среди всех волнений
страсти великую
и твердую душу»
(И. Винкельман)

Глава I

искусство. Римляне внесли свои дополнения в греческий архитектурный канон: у зданий появились арки и купола.
Беря за образцы произведения скульптуры из завоеванной Греции, римляне
создавали огромное множество их копий и подражаний: статуи и бюсты императоров и полководцев стояли буквально в каждом богатом доме.
Сохранились до нашего времени
и некоторые уникальные произведения древнеримских скульпторов, например бронзовая конная статуя Марка Аврелия (II в. н. э.).
О римских фресках и мозаиках мы можем судить в основном по образцам,
найденным при раскопках городов Помпеи и Геркуланум, полностью засыпанных пеплом во время извержения вулкана Везувий в 79 году н. э. Благодаря
многометровой толще пепла очень хорошо сохранились улицы, дома и внутреннее убранство помещений.
Помпейские фрески высоко ценятся любителями античности, но многие
их сюжеты и доныне представляют собой загадку. Например, фрески на стенах «Виллы Мистерий» изображают какое-то обрядовое действо, но что это
за обряд и к какому культу он относится, ученым установить не удалось.
ФАЮМСКИЕ ПОРТРЕТЫ
Так называют погребальные портреты
жителей Египта I–III веков н. э., выполненные с необыкновенным для своего времени мастерством и реализмом.

Египет, Греция, Рим: прообраз современной культуры

Греки и римляне, жившие в то время
в Египте, переняли у древних египтян обычай бальзамирования мертвых
и погребальные обряды, но посмертные
маски заменили живописными портретами. Свое название фаюмские портреты получили от оазиса Фаюм, где они
были найдены впервые — при раскопках в 1887 году.
Эти портреты писали с натуры,
не приукрашивая внешность и сохраняя индивидуальность черт, и хранили дома. После смерти изображенного человека портрет обрезали по краям
и вставляли в льняные бинты таким образом, чтобы он располагался точно
над лицом покойного.
Самые яркие и выразительные образцы фаюмского портрета относятся
к II веку н. э. В этот период их создавали в основном в технике энкаустики (от др.-греч. выжигание), то есть
растопленными красками, которые изготавливались смешиванием пигмента и воска, на досках из ценных пород
дерева.
К III веку н. э. художники почти полностью перешли на темперу (минеральные краски на водной основе), а портреты все чаще писались на полотне
и становились все более условными,
схематичными.
По мере распространения христианства на территории Египта погребальные портреты использовались все реже.
Тем не менее искусство фаюмского
портрета оказало колоссальное влияние на зарождающуюся иконопись.

Самые
известные
этрусские
гробницы
находятся
в Орвието,
Тарквинии,
Кьюзи (Италия).
Старейшие
изображения
датированы
VI веком до н. э.

«Нам отказано
в долгой жизни;
оставим труды,
которые докажут,
что мы жили!»
(Плиний Старший)

ВЕЛИЧАЙШИЕ
СКУЛЬПТОРЫ
АНТИЧНОСТИ
Мирон
Поликлет
•• Фидий
•• Лисипп
••
••

Л. Альма-Тадема
«Фидий показывает фриз
Парфенона своим друзьям» (1868)

Роспись на греческой
вазе «Афина и Геракл»
(V в. до н. э.)

Римская копия
скульптуры
Мирона
«Дискобол»
(оригинал —
V в. до н. э.)

Тутанхамон на боевой колеснице.
Фрагмент росписи ларца (ок. 1333 г. до н. э.)

Фаюмский портрет
мальчика по имени
Евтихий (II в.)

Бюст Аристотеля. Римская копия работы
Лисиппа (оригинал — IV в. до н. э.)

Помпейская
фреска
«Персей и
Андромеда»
(I в. н. э.)

Глава II

ИСКУССТВО СРЕДНЕВЕКОВОЙ ЕВРОПЫ:
ЗЕМНОЕ И НЕБЕСНОЕ
Архитектура и скульптура Средних веков
были «Библией в камне»…
Живопись выражала те же библейские темы
в линии и цвете.
П. А. Сорокин
В средневековом искусстве мы можем отметить двойственность: в нем сочетались бессилие перед лицом высших сил — и рыцарская тяга к подвигам, церковная строгость — и карнавальный разгул. Произведения искусства
этой эпохи до сих пор поражают нас масштабом, виртуозностью исполнения и множеством вариантов их толкования.
ХРИСТИАНСТВО И ЕГО ВЛИЯНИЕ

Джотто
ди Бондоне
«Мадонна
Оньисанти»
(нач. XIV в.)

Началом периода Средневековья считается крушение Западной Римской империи в конце V в. н. э. По поводу даты
его завершения историки до сих пор
не пришли к единому мнению: предлагают и год падения Константинополя
(1453), и год открытия Америки Колумбом (1492)… Поэтому обычно Средневековьем называют эпоху между Античностью древних греков и римлян
и Новым временем.
Искусство Средневековья — в основном религиозное по тематике. Оно пропитано христианским мироощущением и символикой. В Античности душа
и тело человека воспринимались как
две половины одного целого, а в средневековом искусстве они противопоставляются: на одном полюсе — всегда

Искусство средневековой Европы: земное и небесное

Добро (Бог, ангелы, святые и душа человека), на другом — Зло (дьявол, его
слуги и низменная человеческая плоть).
В архитектуре Раннего Средневековья господствует романский стиль.
Свое название он получил благодаря
сходству зданий этого периода с римскими строениями. Романская архитектура основательна, монументальна. Она словно олицетворяет собой
незыблемость мировоззрения человека и его потребность в безопасности
от внешних врагов. Типичные здания
в этом стиле — храмы и замки, похожие на крепости, с толстыми стенами,
маленькими окнами-бойницами, простыми арочными проемами.
ГОТИКА И СКУЛЬПТУРА
За легкость и ажурность готический
стиль называют «симфонией в камне».
Он господствовал в искусстве Средневековья примерно с XII по XV век. В отличие от суровых и строгих романских
замков, готические соборы полны света и устремлены ввысь порой на высоту
до 150 метров, а их убранство отличается
изысканностью и разнообразием: здесь
и резьба, и витражи, и множество скульптур, образующих единый ансамбль.
Главная особенность готического собора — стрельчатые своды и арки, которые создают своеобразный каркас
здания. На этом каркасе и выстроена
вся ажурная красота: тонкие стены,
портики, лестницы, переходы и огромные окна.

ПЕРИОДЫ
СРЕДНЕВЕКОВЬЯ
Раннее
(VI–XI вв.)
•• Расцвет
(сер. XI – XIII в.)
•• Позднее
(сер. XIII – XIV в.)
••

ИСТОРИЯ
ТЕРМИНА
Понятие
«средние века»
ввел итальянец
Флавио Бьондо
в середине
XV века. До него
употребляли
выражение
«темные века»

«Все монастырское искусство и
есть приношение.
Это... дар Господу,
от Которого ожидают взаимный,
ответный дар»
(Ж. Дюби)

ЗНАМЕНИТЫЕ
РОМАНСКИЕ
ПОСТРОЙКИ
Аббатство Мария
Лаах (Германия)
•• Лундский собор
(Швеция)
•• Собор в Вормсе
(Германия)
••

СОБОРЫ —
ОБРАЗЦЫ
ГОТИКИ
Амьенский
Реймсский
•• Кельнский
•• Шартрский
••

Глава II

Идея превосходства духа над телом
выражена в средневековой скульптуре и живописи — аскетичной, суровой
и насыщенной религиозными символами. Ваятели и художники Средневековья стремились прежде всего передать
красоту человеческой души, телу же
отводилась второстепенная роль. Его
очертания становились условными,
а пропорции нарушались, порой доходя до гротеска.
Романская скульптура была неразрывно связана с архитектурой, что
делало ее похожей на рельеф. В готических соборах скульптура вышла
на первый план. Готические статуи более выразительны и как будто подвижны. Однако пропорции человеческого
тела в изображениях оставались такими же условными.

••

«В былое время
у людей были
убеждения; у нас...
есть лишь мнения;
а мнения мало для
того, чтобы создать
готический собор»
(Г. Гейне)

КНИЖНАЯ МИНИАТЮРА И ВИТРАЖИ
Средневековая живопись представлена в первую очередь книжными миниатюрами и церковными фресками.
Одна из первых книгописных мастерских была основана еще в VIII веке
под покровительством Карла Великого в городе Ахене (Германия).
Постепенно, с развитием культуры, спрос на книги все возрастал, появилась не только религиозная, но и
светская литература. Книги создавались в монастырях и частных мастерских. Лучшие образцы иллюстрированных книг изготавливали на заказ
для высшей знати и крупных феодалов.

Искусство средневековой Европы: земное и небесное

Среди известных мастеров средневековой книжной миниатюры — братья
Лимбурги. До наших дней сохранилось
12 миниатюр, посвященных временам
года. Эти рисунки были выполнены
Лимбургами для «Часослова герцога
Беррийского».
Витражи — это узоры из цветных стекол, скрепленных между собой при помощи металлических перемычек. Расцвет этого направления
средневекового искусства пришелся
на XIII столетие и неразрывно связан с готическим стилем в архитектуре. Сохранились также образцы вит
ражной живописи конца XI века (пять
пророков в окнах собора в Аугсбурге)
и XII века (соборы Ле-Мана, Кентерберри и Сен-Дени). К моменту возведения базилики Сен-Дени сложилась
даже особая школа витражистов, а их
богатый опыт позже был использован
при создании Собора Парижской Богоматери — одного из самых красивых
готических соборов Европы.

ЕВАНГЕЛИЕ
ГЕНРИХА ЛЬВА
Рукописный
шедевр XII века,
изготовленный
для герцога
Саксонии
и Баварии
и содержащий
226 страниц и
50 иллюстраций

ВЫДАЮЩИЕСЯ
ХУДОЖНИКИ
СРЕДНЕВЕКОВЬЯ
Джотто
ди Бондоне
•• Чимабуэ
•• Дуччо
•• Симоне Мартини
•• братья Лимбурги
••

«Художники-миниатюристы не подчинялись... „тирании“ сюжета и композиции, их отличал
жадный интерес
к окружающему»
(В. Даркевич)

Людвиг Ланге «Собор святого Петра в Вормсе (XII в.)». Гравюра (1832)

Собор Девы Марии в Шартре (XIII в.)

Глава III

ИСКУССТВО АРАБСКОГО ХАЛИФАТА:
ГОСПОДСТВО ВЕРЫ И КРАСОТЫ
Особенностью арабского искусства было сочетание
восточной фантастичности с округлыми линиями
и изящной декоративностью.
П. П. Гнедич
Арабский халифат начал складываться в VII веке. Он
не только включил в себя территории от Северной Африки
до Казахстана и от Испании до китайских границ, но и породил невероятно яркое и самобытное искусство.
ИСТОРИЧЕСКИЕ ОСНОВАНИЯ

Иллюстрация
к поэме Фирдоуси
«Шахнаме»,
памятнику
персидской
литературы,
входящему
в национальный
эпос иранских
народов
(неизв. худ. XIV в.)

Идею объединения арабских племен на основе веры в единого бога
проповедовал пророк Мухаммед
(ок. 570–632/633 гг.). Он и считается создателем новой для арабов религии — ислама и основателем государства — халифата. Преемников
Мухаммеда стали называть халифами, то есть заместителями.
В поисках новых плодородных земель
они начали завоевывать близлежащие
территории. Так в составе халифата
оказались арабы, берберы, иранцы,
таджики, азербайджанцы и другие народы с богатейшими культурными традициями. Под влиянием ислама, однако,
искусство этих народов обрело общие
черты.
История Арабского халифата закончилась в 1492 году, когда пало последнее арабское государство в Европе —
Гранадский эмират.

Искусство Арабского халифата

ОСОБЕННОСТИ ИСЛАМСКОГО
ИСКУССТВА
Почему в исламской традиции запрещено изображать не только Аллаха и его пророков, но и вообще людей
и животных? Считается, что в день Последнего суда изображенные художником люди оживут и придут к нему
за своей душой, а он не сможет исполнить их просьбу и будет гореть за это
в вечном пламени. По этой причине Коран и другие богословские книги мусульман всегда украшаются лишь орнаментом.
Мечети (дословно — «места поклонения») с самого начала создаются подобными дому пророка Мухаммеда —
это было здание с большим навесом
на столбах из пальмовых стволов, которое размещалось в глубине двора.
В старинных мечетях Багдада, Дамаска и Каира огромный прямоугольный
или квадратный двор окружен аркадами, которые опираются на мраморные колонны.
В мечетях Северной Африки и Испании молитвенные залы образованы множеством стоящих рядом колонн
и украшены орнаментом, выполненным
с помощью различных техник: резьбы по камню, мозаики, майоликовой
плитки.
К мечети обязательно примыкает минарет — многоярусная круглая или квадратная башня, с высоты которой муэдзин призывает верующих к молитве.
Что такое арабески? Так называют
декоративный орнамент — сложный

СТАРЕЙШИЕ
ПАМЯТНИКИ
АРХИТЕКТУРЫ
Мечеть аль-Акса
в Иерусалиме
•• Мечеть ИбнТулуна в Каире
•• Мавзолей
Саманидов
в Бухаре
••

«Всеобщая культура Востока не только не исключает
множества национальных культур,
но как раз предполагает его»
(В. К. Чалоян)

«Существует одна
главная особенность
искусства всех народов Востока —
то, что называют
философичностью»
(Л. Н. Гумилев)

ЗНАМЕНИТЫЕ
ШКОЛЫ
МИНИАТЮРЫ
Тебризская
Гератская
•• Ширазская
•• Мешхедская
••
••

«Заблуждается, кто
жемчуг выше всех
искусств считает.
Лишь благодаря искусству жемчуг ценность обретает»
(Абу Шакур Балхи)

Глава III

узор, который часто используется
в странах Ближнего и Среднего Востока. Такой узор складывается из геометрических фигур, стилизованных
(условных) изображений растений
и надписей на арабском языке — их
вырезают на камне или искусственном мраморе (стукко), выкладывают
из разноцветных кирпичиков, разрисовывают красками. Арабесками украшают не только стены зданий, но и ткани,
ковры, предметы быта, даже ювелирные изделия.
АРАБСКАЯ КАЛЛИГРАФИЯ
И МИНИАТЮРА
Священную книгу мусульман Коран
переписывали от руки, создавая всё
новые и новые копии. Так возник особый вид искусства — каллиграфия
(от др.-греч. красивый почерк). Арабские мастера каллиграфии тщательно
выводили каждую букву, ведь из этих
букв складывались божественные слова Пророка.
Каллиграфия была точной наукой:
высчитывались и высота букв, и протяженность каждого слова. Для священных текстов, официальных документов и художественных произведений
использовались разные стили начертания букв.
Искусство арабской миниатюры,
по мнению ученых, зародилось в Персии (Иране). Древнейшая из сохранившихся рукописей, украшенных миниатюрами, — «Книга изображений

Искусство Арабского халифата

неподвижных звезд» Абд ар-Рахмана
ас-Суфи (начало XI века, юг Ирана).
Однако самые впечатляющие образцы арабской миниатюры были созданы позднее.
Миниатюрами украшали исторические хроники, естественнонаучные
работы, поэтические произведения.
В книгах, не связанных с религией, запрет на изображение живых существ
соблюдался не всегда.
Живопись арабских миниатюр
по большей части условна, ее главные выразительные средства — контур и цвет.
«Когда в Европе было глубокое
Средневековье, на Востоке творили
величайшие гении человечества».
Ч. А. Абдуллаев

«Каллиграфия — это
не только искусство
идеального написания
слов, но и искусство
идеального духа»
(Йакут аль-Мустасими)

ИЗВЕСТНЫЕ
МАСТЕРА
АРАБСКОЙ
КАЛЛИГРАФИИ
Ахмед аль-Кальби
(IX в.)
•• Ибрагим ас-Сули
(X в.)
•• Йакут
аль-Мустасими
(XIII в.)
••

Миниатюра «Рождение пророка Мухаммеда» (неизв. худ. нач. XIV в.)

«Дарохранительница»
из слоновой кости (Х в.)

Джунейд. Миниатюра
к поэме персидского поэта
Хаджу Кермани «Хомай
и Хомаюн» (кон. XIV в.)

Искусство Возрождения: воплощенная человечность

ИСКУССТВО ВОЗРОЖДЕНИЯ:
ВОПЛОЩЕННАЯ ЧЕЛОВЕЧНОСТЬ
Где дух не водит рукой художника, там нет искусства.
Где мысль не работает вместе с рукой, там нет художника.
Леонардо да Винчи
Возрождением, или Ренессансом, называют период развития европейской культуры с начала XV до конца XVI века. Как возникло это название? В то время повысился интерес к античной культуре — происходило ее
«возрождение». В эту эпоху бурно развивалась наука,
по-иному стал оцениваться и человек — уже не как слабое и грешное, а в первую очередь как самое прекрасное творение Бога.
ПРОТОРЕНЕССАНС
Период Предвозрождения, или
Проторенессанса, который условно датируют концом XIII — первой
половиной XIV века, нельзя отнести ни к «темному» Средневековью,
ни к Возрождению с его идеалами.
Именно к этому периоду относится
наследие двух великих итальянских
творцов — поэта Данте и художника
Джотто.
Мастера Проторенессанса еще
не полностью отказались от прошлого — они оставались верны многим
художественным принципам Средневековья. В то же время они делали шаг в будущее — воплощали художественные идеи и приемы, которые
впоследствии повлияли на всю культуру эпохи Возрождения: свойственное

Леонардо
да Винчи
«Мона Лиза»
(«Джоконда»)
(нач. XVI в.)
Эта картина стала
символом эпохи
Возрождения

Самые
знаменитые
фрески Джотто
украшают
Капеллу дель
Арена в Падуе
и церковь
Санта Кроче
во Флоренции

ПЕРИОДЫ ЭПОХИ
ВОЗРОЖДЕНИЯ
Раннее
(начало XV —
конец XV в.)
•• Высокое
(конец XV —
начало XVI в.)
•• Позднее
(середина XVI —
конец XVI в.)
••

«Образ волевого, интеллектуального
человека — творца
своей судьбы, творца самого себя —
создало только Возрождение»
(Н. А. Дмитриева)

Глава IV

Античности восхищение красотой человека, гармоничное сочетание телесного и духовного.
НОВАТОР ДОНАТЕЛЛО
И ВЕЛИКОЛЕПНЫЙ БОТТИЧЕЛЛИ
Один из самых выдающихся деятелей раннего Возрождения — скульптор Донателло (Донато ди Никколо
ди Бетто Барди, ок. 1386–1466). Он
возродил жанр портретного бюста,
практически забытый в Средние века.
В его работах сочетались античная
гармония и яркий реализм. Среди самых известных работ Донателло —
бронзовая статуя Давида, ныне выставленная в Национальном музее
Флоренции, и конный монумент кондотьера Гаттамелаты в Падуе.
Художника Сандро Бот тичелли
(Алессандро ди Мариано Филиппепи,
1445–1510) называют вторым после
Донателло отцом раннего Возрождения. Одно из самых известных полотен — «Рождение Венеры». Благодаря своим прекрасным картинам он
быстро стал известным, что помогало
ему привлекать клиентов среди именитых горожан и по их заказу создавать шедевры. Именно так для богача Гаспаре дель Ламы была написана
одна из самых известных картин Боттичелли — «Поклонение волхвов».
В 1490 году художник попал под влияние монаха Джироламо Савонаролы,
яростно призывавшего сограждан отказаться от грешной жизни во всех ее

Искусство Возрождения: воплощенная человечность

проявлениях. По легенде, Боттичелли
даже согласился уничтожить несколько своих картин. С тех пор он начал
творить в строгом аскетичном стиле,
утратил популярность и умер в бедности, всеми забытый. (Савонаролу,
правда, казнили раньше.)

ТРИ ШЕДЕВРА
БОТТИЧЕЛЛИ
«Весна»
(Галерея
Уффици)
•• «Рождение
Венеры»
(Галерея
Уффици)
•• Фрески
Сикстинской
капеллы
(Ватикан)
••

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ:
ИНТЕЛЛЕКТ, ГАРМОНИЯ, МОЩЬ
Гениального творца Леонардо да
Винчи (1452–1519) часто называют
homo universalе — «человек универсальный». Скульптор и живописец,
архитектор и музыкант, изобретатель
и писатель, математик и анатом, он
оставил потомкам множество рисунков, набросков, чертежей. Он как будто спешил поделиться ими с человечеством, не доводя многое из начатого
до конца или передавая ученикам.
«Живописец, бессмысленно
срисовывающий… подобен зеркалу,
которое отражает… предметы,
не обладая знанием их».
Леонардо да Винчи

Ни одна картина в мире не удостоилась такого внимания, как самая знаменитая работа Леонардо — «Мона
Лиза» («Джоконда»). В ней искали зашифрованные тайные письмена, высказывали предположения о том, чей
это портрет на самом деле (не исключая и того, что на картине изображен
сам Леонардо).

ТРИ ШЕДЕВРА
ЛЕОНАРДО
Фреска «Тайная
Вечеря»
(монастырь
Санта-Марияделле-Грацие,
Милан)
•• «Мадонна
в скалах» (Лувр)
•• «Джоконда»
(Лувр)
••

«Искусство ревниво:
оно требует, чтобы
человек отдавался
ему всецело»
(Микеланджело)

«Я ставлю тебя
в центре мира, чтобы
оттуда тебе было
удобнее обозревать
все, что есть в мире»
(Дж. Пико
делла Мирандола)

ГЛАВНЫЕ
МАДОННЫ
РАФАЭЛЯ
Мадонна
Конестабиле
(Эрмитаж)
•• Мадонна в зелени (Музей истории искусств
в Вене)
•• Сикстинская
Мадонна (Дрезденская картинная галерея)
••

Один из самых известных деятелей
эпохи маньеризма — скульптор,
живописец, музыкант и писатель
Бенвенуто Челлини (1500–1571)

Глава IV

Портрет женщины с загадочной улыбкой считали наделенным колдовской
силой. Его похищали, многократно
подделывали, а в наше время нещадно тиражируют на буклетах, вывесках
и этикетках. Все это, однако, нисколько
не опошлило шедевр. «Мона Лиза» все
с тем же спокойным и чуть отстраненным выражением лица взирает на зрителей — и производит все то же необъяснимое впечатление, что и пять веков
назад.
Современник Леонардо, Рафаэль Санти (1483–1520), проживший
всего 37 лет, создал не один десяток шедевров в самых разных жанрах искусства. Он был и живописцем,
и архитектором, и скульптором-монументалистом. Но более всего, конечно, он известен своими «мадоннами» — изображениями Богоматери,
которых написал великое множество.
Полотна Рафаэля — это воплощение
соразмерности, уравновешенности
и чистоты стиля, жизнеутверждающий идеал красоты.
«И высочайший гений не прибавит
Единой мысли к тем, что мрамор сам
Таит в избытке…»
Микеланджело

Еще один гениальный современник
Леонардо — Микеланджело — за свою
долгую жизнь (1475–1564) успел побывать ваятелем, архитектором, живописцем и поэтом. Одна из самых известных его работ — пятиметровая

Искусство Возрождения: воплощенная человечность

статуя Давида. Если Давид Донателло соответствовал ветхозаветному образу (это стройный юноша, почти подросток), то Давид Микеланджело — могучий титан, воплощение мужественной
красоты и мощи.
ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ, МАНЬЕРИЗМ
И СЕВЕРНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ
К Позднему Возрождению обычно относят искусство Италии 1540‑х — начала 1600‑х годов. Однако выявить что-то
общее в царившем тогда разнообразии
стилей и направлений весьма затруднительно. В числе самых заметных фигур Позднего Возрождения — художники Тициан и Корреджо и архитектор
Палладио.
Отдельным направлением этого периода многие искусствоведы считают
маньеризм (от итал. «манера»). Художники-маньеристы, в том числе Франческо Пармиджанино, Джорджо Вазари,
Джулио Романо, внешне по-прежнему ориентировались на идеалы античности. При этом сюжеты их картин
становились все более напряженными и сложными, а цветовая палитра —
более яркой, броской. Возможно,
на душевном настрое этих художников отразились многочисленные политические кризисы (в Италии тогда различные династии боролись за власть).
Впрочем, некоторые историки искусства вообще не признают маньеризм
отдельным направлением, называя его
ранней формой барокко.

«Колорит Боттичелли музыкален, в нем
всегда ясен лейтмотив произведения»
(И. В. Долгополов)

Ганс Гольбейн
Младший
«Портрет
Генриха VIII»
(1540): сочетание
тончайшей техники
и подлинного
психологизма

ОСОБЕННОСТИ
МАНЬЕРИЗМА
Перегруженность деталями
•• Измененные
пропорции
фигур, напряженность поз
•• Игра с освещением, перспективой
••

Глава IV

Период Ренессанса на территории
Нидерландов, Германии и Франции
называют Северным Возрождением.
Изобразительное искусство развивалось здесь самостоятельно, вплоть
до XV века почти не имея связи с итальянским Возрождением.
В живописи «северян» гораздо дольше сохранялись средневековые черты
(условность, статичность), сильно было
влияние готики, меньше интерес к античному наследию, познанию человеческой анатомии.
Среди выдающихся представителей
Северного Возрождения — художники Альбрехт Дюрер, Лукас Кранах Старший, Питер Брейгель Старший.
«Микеланджело был способен воплотить
все добро и все зло человечества
в одной-единственной фигуре».
Ф. Милле

ВЕЛИЧАЙШИЕ ТВОРЦЫ РЕНЕССАНСА
•• Леонардо да Винчи
•• Микеланджело
•• Донателло
•• Рафаэль
•• Альбрехт Дюрер

Сандро Боттичелли «Рождение Венеры» (1486)
В этой картине соединились чувственная красота
и духовная утонченность

Рафаэль Санти «Сикстинская
мадонна» (1513)
Истинно божественным
творением называли эту
картину…

Леонардо да Винчи «Мадонна
Литта» (1491)
Наглядная иллюстрация
к принципу художника
«простота и совершенство»

Тициан «Любовь небесная и Любовь земная» (1514)
Симфония цвета и красоты

Франческо
Пармиджанино
«Поклонение
волхвов»
(ок. 1530)
Многофигурность
и сложность
композиции —
характерная
примета
маньеризма

Барокко: буйство красок и пылкость чувств

БАРОККО: БУЙСТВО КРАСОК
И ПЫЛКОСТЬ ЧУВСТВ
Барокко — трагичный, массивный, мистический стиль.
Оно стихийно. Оно требует глубины и прозрения.
С. Моэм
Стиль барокко начал зарождаться еще в эпоху Возрождения в Италии, откуда постепенно распространился по всей
Европе и преобладал в европейском искусстве конца XVI —
середины XVIII века. Его приметы — пышность и размах,
обилие деталей, вычурность.
ПРОИСХОЖДЕНИЕ СТИЛЯ
И НАЗВАНИЯ
Две самые популярные версии происхождения слова «барокко» —
от итальянского baroсco («причудливый, странный») и от португальского
perola barroca («жемчужина неправильной формы»). Этот стиль, в котором все преувеличено и чрезмерно,
проявил себя и в живописи, и в музыке, и в архитектуре, и в моде.
Каковы же были причины его появления?
К концу XVI века позиции церкви
в Европе серьезно пошатнулись благодаря открытиям Николая Коперника и борьбе Мартина Лютера с церковными злоупотреблениями. Люди
стали уделять больше внимания земным удовольствиям. Новые дворцы
знати возводились с размахом и пышностью. При этом новые храмы также
отличались роскошью и гигантскими

ЧЕРТЫ БАРОККО
Динамичность
образов
•• Преувеличенная
эмоциональность
•• Смешение
реального
и иллюзорного
••

В 23 года
Веласкес стал
придворным
портретистом.
По легенде,
Филипп IV
однажды сказал
художнику:
«Никто, кроме
тебя, изображать
меня не будет»

Караваджо
«Положение
во гроб» (1604)
Первоначально
духовенство
отвергло
картину из-за
несоответствия
церковным
канонам

ШЕДЕВРЫ
КАРАВАДЖО
«Гадалка»
(Капитолийские
музеи, Рим)
•• «Обращение
Савла» (храм
Санта-Мария
дель Пополо,
Рим)
•• «Положение
во гроб» (музей
Ватикана)
••

Глава V

размерами — священнослужители
желали вернуть церкви былое могущество…
Италия тогда была практически
полностью захвачена испанцами. Тем
не менее эта страна, которая всегда
славилась своим искусством, не желала отказываться от звания «культурного центра Европы». Отсутствие
самостоятельности итальянцы компенсировали роскошью — вот еще одна
причина показного великолепия барокко.
В разных странах Европы существовали свои варианты стиля барокко.
Более скромное «северное» барокко
было характерно для Германии, Голландии и Британии. «Южное» барокко — итальянское, испанское и французское — отличалось невероятной
пышностью.
В России барокко принято делить
на петровское (относительно строгое)
и елизаветинское — блестящее и масштабное.
ЧЕЛОВЕК ЭПОХИ БАРОККО.
ЗНАМЕНИТЫЕ ИТАЛЬЯНЦЫ
Костюм европейского аристократа
того времени был сложен и необычен:
многоэтажные парики, корсеты, кружево. И мужчины, и женщины носили
каблуки и использовали много косметики. Все естественное в среде знати подвергалось гонениям, поскольку
приравнивалось к варварству, дикости и невежеству.

Барокко: буйство красок и пылкость чувств

Все это нашло отражение и в живописи: картины, созданные в стиле барокко, даже вполне реалистические,
сложны по композиции, отличаются
обилием фигур и напряженностью сюжета.
В Европе выдающимися мастерами
барокко были итальянец Караваджо,
испанцы Веласкес и Эль Греко, «великий фламандец» Рубенс и голландец
Рембрандт.
Живописец Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) любил
рисовать простых людей из толпы:
мальчишек, уличных торговцев, музыкантов, но охотно воплощал и религиозные сюжеты. Персонажи его картин,
как правило, будто выхвачены ярким
лучом света из окружающей тьмы, что
придает полотнам загадочность и таинственность.
Художник Караваджо был знаменит не только своими картинами,
но и вспыльчивым характером, разгульным образом жизни и пристрастием к алкоголю. В расцвете славы
он был обвинен в убийстве, объявлен вне закона, бежал из Рима и умер
в изгнании.

«Небо, земля, море,
животные, люди —
все это служит для
нашего упражнения»
(Рембрандт)

В ПОГОНЕ
ЗА РЕАЛИЗМОМ
Однажды Караваджо приказал
доставить
в мастерскую
мертвое тело,
чтобы правдоподобнее
изобразить
сцену воскрешения Лазаря

ПРОИЗВЕДЕНИЯ
РАННЕГО
ВЕЛАСКЕСА
«Двое юношей
у стола» (Музей
Веллингтона)
•• «Старая кухарка»
(Национальная
галерея
Шотландии)
•• «Завтрак»
(Эрмитаж)
••

ИСПАНСКОЕ БАРОККО.
ЭЛЬ ГРЕКО И ВЕЛАСКЕС
Будучи глубоко верующим человеком, художник Эль Греко (1541–1614,
настоящее имя Доменико Теотокопули)
часто обращался в своем творчестве
к библейским мотивам. При этом он

Рембрандт
«Блудный сын
в таверне» (1635)
У картины есть
и другое название:
«Автопортрет
с женой Саскией
на коленях»

РУБЕНС.
ЛУЧШИЕ
ЖЕНСКИЕ
ПОРТРЕТЫ
«Портрет
Изабеллы
Брандт» (Галерея Уффици)
•• «Портрет камеристки инфанты
Изабеллы»
(Эрмитаж)
•• «Женщина
с зеркалом»
(Стаатлих
Музей)
••

Глава V

трактовал изображаемые события как
нечто иллюзорное, воображаемое. Его
картины: «Святое семейство», «Апостолы Петр и Павел», «Сошествие Святого
Духа» и другие — отличаются особой,
свойственной только этому художнику серо-перламутровой цветовой гаммой. Чтобы получить такой эффект, он
так наносил основные краски на белый
грунт, чтобы тот частично просвечивал
на полотне.
Внимание посетителей музеев всегда привлекают его картины, на которых
фигуры персонажей вытянуты по вертикали, представлены в неожиданных
ракурсах и «одеты» в беспокойные,
словно пульсирующие цвета.
Известнейшая картина Диего Веласкеса (1599–1660) — «Менины»
(«Фрейлины»). На полотне художник
представил себя пишущим портрет…
Кого? То ли королевской четы — Филиппа II и его жены Марианны (которых мы не видим — только их смутное
отражение в нарисованном зеркале).
То ли их дочери — инфанты Маргариты: в окружении многочисленной
свиты она кокетливо смотрит прямо
на зрителя.
Иллюзорность, игра, загадка — тоже
характерные черты искусства барокко.
ФЛАМАНДСКОЕ
И ГОЛЛАНДСКОЕ БАРОККО
Фламандец Питер Пауль Рубенс
(1577–1640) учился живописи в Италии и Антверпене (Бельгия) и в своем

Барокко: буйство красок и пылкость чувств

творчестве успешно соединил традиции «северного» и «южного» европейского барокко. Он создавал парадные портреты («Герцог Лерма»),
картины на мифологические сюжеты («Персей и Андромеда»), а также на религиозные сюжеты («Святой
Георгий и дракон»).
Во многом благодаря этому художнику появились устойчивые выражения «фламандская пышность» и «рубенсовская красавица»: Рубенс всегда
был страстным жизнелюбом, большинство его картин — это торжествующий
гимн телесной красоте человека, пышущего здоровьем.
Уравновешенные и трудолюбивые
голландцы ценили не бурное проявление эмоций, а спокойствие и практичность.
Именно таковы были ранние картины
Рембрандта (1606–1669). Признанный
мастер барокко, он всегда старался отразить в своих полотнах внутреннюю
суть людей и явлений, работал почти во всех жанрах живописи и к концу жизни пришел к своему собственному узнаваемому стилю.
Его поздние картины, например
знаменитое «Возвращение блудного
сына», при внешне довольно статичной
композиции отличаются колоссальным
внутренним накалом.
Еще одна известнейшая картина Рембрандта — «Ночной дозор» (1642).
Едва ли не впервые в истории художник отступил от традиций парадного
портрета, изобразив многочисленную

Барочный дворец
неотделим
от садово‑
паркового
комплекса
с затейливо
подстриженными
деревьями,
зелеными
лабиринтами
и фонтанами

ЗНАМЕНИТЫЕ
БАРОЧНЫЕ
ДВОРЦЫ
Зимний дворец
в СанктПетербурге
(Россия)
•• Версаль
(Франция)
•• Дворец
в Аранхуэсе
(Испания)
••

Рубенс не только
писал картины
на любые темы,
но и делал
на заказ эскизы
для гобеленов,
иллюстрировал
книги

Рококо
(от фр. rocaille —
раковина)
завершает
эпоху барокко;
интерьеры рококо
«изнежены»
и перегружены
деталями

АРХИТЕКТОРЫ —
МАСТЕРА
БАРОККО
Франческо
Борромини
(Италия)
•• Филиппо Юварра
(Италия)
•• Иоганн фон
Эрлах (Австрия)
••

Стиль барокко
проявил себя
и в музыке.
Характерные
направления —
опера, оратория,
кантата,
драматичные
и виртуозно
усложненные

Глава V

группу стрелков в момент выхода
из арки на площадь.
СКУЛЬПТУРА.
ВЕЛИКИЙ БЕРНИНИ
Характерные черты скульпт уры
барокко — групповая композиция
из нескольких фигур, обилие деталей
и «закрученность» по спирали: статую можно неоднократно обойти кругом, каждый раз открывая для себя
что-то новое.
Непревзойденным мастером своего времени был выдающийся скульптор и архитектор Джованни Лоренцо
Бернини (1598–1680). Он участвовал
в создании грандиозного римского
Собора Святого Петра. Его «Аполлон
и Дафна, превращающаяся в лавр»,
«Экстаз святой Терезы» и композиция
«Фонтан четырех рек» — подлинные
шедевры скульптуры барокко.
«Наибольшей похвалы заслуживает
тот архитектор, который умеет
соединить в постройке красоту
с удобством для жизни».
Л. Бернини

ВЫДАЮЩИЕСЯ ХУДОЖНИКИ
БАРОККО
•• Рубенс
•• Рембрандт
•• Веласкес
•• Караваджо
•• Эль Греко

Рембрандт «Ночной дозор» (1642)
Автор назвал картину «Выступление
стрелковой роты капитана
Франса Баннинга Кока и лейтенанта
Виллема ван Рейтенбюрга»

Рубенс «Самсон и Далила» (1609)
Красное платье Далилы предвещает
последующие кровавые события

Рубенс «Калидонская охота» (1611)
В центре — древнегреческий герой Мелеагр,
побеждающий чудовищного кабана

Жан-Оноре
Фрагонар
«Качели»
(1767)
Эту игривую
картину
можно
отнести
к позднему
барокко —
рококо

Классицизм: возврат к идеалам Античности

КЛАССИЦИЗМ:
ВОЗВРАТ К ИДЕАЛАМ АНТИЧНОСТИ
Если классическое искусство холодно,
то это потому, что пламя его вечно.
С. Дали
К началу XVIII века строгий классический стиль постепенно вытеснил причудливое барокко. За образец гармонии и соразмерности вновь была принята Античность.
В век классицизма господствовали идеалы красоты, близкие античным.
Ярче всего классицизм проявился в архитектуре, однако его влияние заметно также в скульптуре и живописи.
ЧЕРТЫ НОВОГО СТИЛЯ
В XVIII столетии Европа начала уставать от пышного барокко. Но только ли
жажда новизны стала причиной появления нового стиля?
Бурное развитие науки и предпринимательства сделало людей более практичными. Искусство стали воспринимать уже не как результат стихийного
творческого порыва, а как плод разума, логики и зрелого размышления художника.
Укрепление власти монархов, в частности во Франции, потребовало нового художественного языка, которым
и стал классицизм, зародившийся при
«короле-солнце» Людовике XIV.
В этом стиле все лишние украшения
отбрасываются в пользу вечного, неизменного и наиболее существенного.
Общественное властвует над личным,

Никола Пуссен
«Нимфа Сиринкс,
преследуемая
Паном» (1638)
Классический
античный
сюжет с пока
еще барочной
сложной
композицией

Жак-Луи Давид
«Любовь Париса
и Елены» (1788)
Художник
скрупулезно
подражает
античным
традициям

ЗНАМЕНИТЫЕ
ШЕДЕВРЫ
ПУССЕНА
«Танкред
и Эрминия»
(Эрмитаж)
•• «Пастухи
Аркадии» (Лувр)
•• «Царство Флоры»
(Дрезденская
картинная
галерея)
••

Глава VI

разум — над чувствами. Появляется
строгая иерархия жанров, их смешение не допускается. Так, к высокому
жанру в живописи относились историческая, религиозная и мифологическая картина, а к низкому — портрет,
пейзаж, натюрморт, бытовые сценки.
Художники, скульпторы, архитекторы берут за образец искусство Древней Греции и Древнего Рима. Античные
герои становятся примером для подражания. Строгие архитектурные линии подчеркивают незыблемость власти и полностью соответствуют новым
градостроительным задачам: практичности, величию, строгости.
НАЧАЛО КЛАССИЦИЗМА В ЖИВОПИСИ
В 1648 году во Франции по инициативе «первого живописца короля»
Шарля Лебрена (1619–1690) была основана Академия живописи и скульптуры, на долгие годы оставшаяся «матерью классицизма». Свое почетное
звание (и, кстати, пожизненную пенсию) Лебрен получил за серию полотен, посвященных Александру Македонскому.
Французский художник Никола Пуссен (1594–1665) одним из первых обратился к античному наследию и традициям Леонардо да Винчи и Рафаэля.
Он стремился к ясности, гармонии
и соразмерности композиции, считая именно их идеалом красоты. Его
полотна «Парнас», «Суд Соломона»,
«Великодушие Сципиона» воспевают

Классицизм: возврат к идеалам Античности

силу человеческих характеров, мужественность поступков, прославляют торжество любви и высшей справедливости.
Еще один представитель раннего
классицизма — Клод Лоррен (1600–
1682). В отличие от Пуссена, его привлекали не героические сюжеты,
а тема гармонии человека и природы. По свидетельству современников,
Лоррен «старался разными способами подступиться к природе: лежал
с раннего утра до поздней ночи под
открытым небом, стремясь постигнуть,
как наиболее правдоподобно написать зарю на рассвете и в часы заката; и когда ему удавалось уловить искомое, он тотчас приводил свои краски
в согласие с увиденным, бежал с ними
домой и применял их к замысленной
им картине, достигая тем высшей
правдивости, не известной до него».
Удивительно точные по цвету и совершенные по исполнению, полотна Лоррена по сей день являются образцом
для пейзажистов.
НАСЛЕДИЕ РИМСКИХ ГЕРОЕВ
И КЛАССИЧЕСКАЯ СКУЛЬПТУРА
Стиль Жака-Луи Давида (1748–1825)
основан на детальном знакомстве
с античными памятниками искусства,
в том числе со скульптурой. Начатые в то время раскопки Помпей, засыпанных пеплом Везувия, подарили
художникам много нового материала
для вдохновения.

В России
классицизм
утвердился позже,
чем в Европе, —
в последней
трети XVIII века,
при Екатерине II

ТРИ ШЕДЕВРА
ЛОРРЕНА
«Отплытие
царицы
Савской»
(Национальная
галерея
Лондона)
•• «Утро в гавани»
(Эрмитаж)
•• «Пейзаж
с Ацисом
и Галатеей»
(Дрезденская
картинная
галерея)
••

Жак-Луи Давид
был участником
французской
революции,
а после прихода
к власти
Наполеона стал
его горячим
сторонником

Основоположником «классического интерьера»
стал шотландец
Роберт Адам

КЛАССИЧЕСКИЕ
ШЕДЕВРЫ
ДАВИДА
«Наполеон
на перевале
Сен-Бернар»
(Мальмезон,
Париж)
•• «Смерть
Марата»
(Королевский
музей изящных
искусств,
Брюссель)
•• «Портрет мадам
Рекамье» (Лувр)
••

Для ампира
(от фр. Empire —
имперский),
поздней стадии
развития классицизма, характерны
подчеркнутая героизация образов
и обилие военной
символики

Глава VI

Наиболее известны картины Давида «Клятва Горациев», которую он написал по заказу короля Людовика XVI,
и «Брут». Обе они прославляют верность
долгу и родине, причем на втором полотне эти ценности ставятся даже выше
родственных уз: главный герой изображен в тот момент, когда он приказывает казнить собственных сыновей за участие в заговоре против государства.
Вершиной классицизма в жанре
скульптуры считаются работы итальянца Антонио Кановы (1757–1822).
Они пропорциональны и совершенны:
в них словно нет ни одного изъяна.
Почему же современники подчас критиковали их? Как ни странно, Канову
обвиняли в том, что в своем стремлении к идеалу он доходит порой до холодности, недопустимой в искусстве.
Наследие Кановы творчески переосмыслил датский скульптор Бертель
Торвальдсен (1770–1844). Его лучшие
творения созданы в основном на античные сюжеты. Торвальдсену, как
никакому другому скульптору эпохи
классицизма, удалось передать суть
искусства Древней Греции и Древнего Рима, его стремление к идеалу красоты и гармонии. Портретные бюсты,
созданные Торвальдсеном, пользовались спросом по всей Европе.
АРХИТЕКТУРА. ЗАКАТ КЛАССИЦИЗМА
Постройки эпохи классицизма —
это симмет рия, с т рогос ть , монументальнос ть, приятная глазу

Классицизм: возврат к идеалам Античности

сдержанность внутреннего и внешнего убранства.
В этот период воплощались в жизнь
многие масштабные проекты: в крупных
городах Европы и Америки (Берлине,
Санкт-Петербурге, Мюнхене, Варшаве,
Филадельфии) строились впечатляющие архитектурные ансамбли, напоминающие громады греческого Парфенона и Римского форума.
Известнейшим архитектором той эпохи был венецианец Андреа Палладио.
В его творчестве принципы классицизма отразились во всей полноте.
Со временем в, казалось бы, строго
классических произведениях искусства начали проявляться некие новые
веяния. Так, на полотнах французского живописца Жана Огюста Доминика Энгра (1780–1867) при соблюдении
всех канонов классицизма присутствует восточный колорит. А в произведениях россиянина Карла Брюллова (1799–1852) стали заметными черты
романтизма — обращение к сильным
чувствам и переживаниям конкретной
личности.
Что ж, в развитии каждого стиля
неизбежно наступает кризис, которому как раз и предшествуют эти новые
веяния. Строгость и гармония классицизма постепенно стали вырождаться в бездушную схематичность. Живой
диалог со зрителем сменился сухим,
почти научным подходом.
Эту позднюю стадию классицизма называют академизмом — он тоже подражал античности, но делал это скорее

Особый жанр
искусства эпохи
классицизма —
надгробный
памятник,
выполненный
подчас в виде
античной статуи
или саркофага

РУССКИЕ
ХУДОЖНИКИКЛАССИЦИСТЫ
Антон Лосенко
Григорий
Угрюмов
•• Дмитрий
Левицкий
••
••

С началом
расшифровки
египетских
иероглифов
в 1820‑х годах
в моду наравне
с античными
вошли египетские
мотивы

Отдельные
принципы,
послужившие
основой
классицизма,
сформулировал
еще теоретик
Ренессанса
Леон Баттиста
Альберти

РУССКИЕ
СКУЛЬПТОРЫКЛАССИЦИСТЫ
Михаил
Козловский
•• Иван Мартос
•• Василий ДемутМалиновский

Глава VI

рассудочно, чем под влиянием вдохновения. И к середине XIX века его
постепенно сменил новый стиль изобразительного искусства — реализм.
К образцам академизма принято
относить, например, произведения
британского художника нидерландского происхождения Лоуренса АльмаТадемы (1836–1912). Для его картин
(Тадема писал преимущественно на
историческую тематику) характерны
тончайшая проработка деталей и высокая историческая достоверность.
Правда, по мнению критиков, полотна
подчас отличаются излишней театральностью и «постановочностью». Творческое наследие мастера составляют сотни картин, среди которых «Посвящение
Вакху», «Розы Гелиогабала», «Женщины Амфисса» и другие.

••

ОТЦЫОСНОВАТЕЛИ
КЛАССИЦИЗМА
В ЖИВОПИСИ
Никола Пуссен
Клод Лоррен
•• Шарль Лебрен
••
••

ВЫДАЮЩИЕСЯ МАСТЕРА
КЛАССИЦИЗМА
•• Жак-Луи Давид
•• Бертель Торвальдсен
•• Антонио Канова
•• Жан Энгр

Клод Лоррен «Отплытие царицы Савской» (1648)
Лоррен был блестящим мастером света,
он оказал огромное влияние на развитие пейзажа в целом

Шарль Лебрен «Апофеоз
Людовика XIV» (1677)
Пример постепенного
перехода от барочной
живописи к классической

Жан Энгр
«Эдип и Сфинкс» (1808)
Представлен момент
отгадывания Эдипом
загадки Сфинкса

Жак-Луи Давид «Смерть Сократа» (1787)
Характерное для классической живописи восхищение
мужеством и стойкостью духа

Бертель Торвальдсен «Ганимед, кормящий Зевсова орла» (1817)
Совершенство техники Торвальдсена роднит его работы
с лучшими античными образцами

Сентиментализм и романтизм

СЕНТИМЕНТАЛИЗМ И РОМАНТИЗМ:
ЧЕЛОВЕК И ЕГО ДУШЕВНЫЕ ПОРЫВЫ
Разум может ошибаться, чувство — никогда!
Ж.-Ж. Руссо
В противовес возвышенным, но холодным «гражданским
идеалам» классицизма стали развиваться новые стили —
сначала сентиментализм, а затем романтизм, унаследовавший многие его черты. Противники классической сдержанности и величавости хотя и признавали достижения
Античности, все же на первое место ставили конкретного
человека, его переживания.
СЕНТИМЕНТАЛИЗМ.
ЧУВСТВА «МАЛЕНЬКОГО ЧЕЛОВЕКА»
Во Франции сентиментализм появился в 1720‑х годах, в России — на рубеже XVIII и XIX веков. Сентименталисты стремились приблизить искусство
к реальности и поэтому прославляли окружающий мир и обычные человеческие чувства. Красота природы, дружба, волшебство любви — вот
что интересовало художников этого
направления и воплощалось в их картинах.
Полотна сентименталистов пронизаны меланхолией. Нередко они изображали идиллические пейзажи и картины из жизни крестьян, чьи простота
и естественность противопоставлялись «испорченности» благородных
особ.
Все характерные черты стиля в творчестве французского сентименталиста

Жан-Батист Грёз
«Прачка» (1761)
Художник
воспевал
добродетели
третьего
сословия —
трудолюбие
и скромность

«Романтизм — это
образ чувствования, непомерно акцентирующий…
жизнь отдельного
человека»
(Д. Робертсон)

Многие черты
романтизма
получили
развитие
в последующих
направлениях,
например
в модерне,
импрессионизме

«Искусство начинается там, где начинается „чуть-чуть“»
(К. П. Брюллов)

Глава VII

Жана-Батиста Грёза (1725–1805)
предстают в преувеличенном виде
и порой доходят до безвкусицы.
Очень важной задачей живописца
Грёз считал воспитание, «исправление
нравов». Он создал целый цикл картин, обличающих порок и превозносящих добродетель: «Паралитик, или
Плоды хорошего воспитания», «Наказанный сын», «Избалованное дитя»,
«Посещение священника»… Эти полотна, с одной стороны, отличались
филигранной техникой и мастерством
композиции, а с другой — были переполнены пафосом, слащавы и нарочито театральны.
Кисти Грёза принадлежат и многочисленные так называемые головки — трогательные портреты девушек, печально созерцающих погибших
птичек, увядшие цветочки или разбитые вазы.
РУССКИЕ ХУДОЖНИКИ
Черты сентиментализма можно заметить и в картинах российских художников Ивана и Николая Аргуновых.
Будучи крепостными семейства Шереметевых, отец и сын Аргуновы прославились как мастера портрета. На их
полотнах, парадных или камерных,
подчеркиваются не достижения изображенных персон, а их личные качества и индивидуальные особенности.
Должность, профессия и социальный
статус — все это волновало художников куда меньше, чем внутренняя

Сентиментализм и романтизм

суть человека, красота его души. Это
и роднит их творчество с сентиментализмом.
Одна из самых известных работ
Николая Аргунова — портрет крепостной актрисы Прасковьи Ковалевой-Жемчуговой (впоследствии супруги графа Николая Шереметева).
Влияние сентиментализма заметно
и в творчестве другого русского художника — Владимира Боровиковского. Он любил рисовать своих моделей
на фоне сада или парка, а выражения
лиц на его портретах проникнуты нежной, чувственной грустью.
Особенно удавались художнику женские образы, отражавшие нравственный и эстетический идеал художника. Необычайно глубоким, поэтичным
и достоверным получился портрет
молодой женщины Марии Ивановны Лопухиной, выставленный сейчас
в Третьяковской галерее. Об этой картине — стихи Я. П. Полонского:

«Сон разума рождает
чудовищ»
(Ф. Гойя)

ПРАВДА
ПРЕВЫШЕ ВСЕГО
Стремясь к правдоподобному
изображению
умерших,
Жерико, работая
над «Плотом
„Медузы“»,
делал наброски
тел казненных

«Но красоту ее Боровиковский спас.
Так часть души ее от нас не улетела…»

РОМАНТИЗМ.
БУНТ ИНДИВИДУАЛЬНОСТИ
В 1820–1830‑х годах на смену сентиментализму с его пристрастием к покою, меланхолии и «скрытым
чувствам» пришел романтизм — искусство, полное бурного выражения
эмоций, прославления силы, страсти
и неудержимых душевных порывов.

«Человек, который
видит жизнь в истинном свете, а истолковывает ее романтически, обречен на отчаяние»
(Б. Шоу)

Иван Аргунов
«Портрет Анны
Акимовны
Лазаревой» (1769)
Несмотря на
яркий костюм
женщины, портрет
носит камерный,
«интимный»
характер

«Живопись — это
сама жизнь. В ней
природа предстает перед душой
без посредников,
без покровов, без условностей»
(Э. Делакруа)

Глава VII

Словно все то, о чем художники-сентименталисты только намекали, внезапно освободилось от оков сдержанности и вырвалось из глубины на первый
план. И природа, и люди на полотнах романтиков живут полной, яркой,
одухотворенной жизнью, у этих картин словно есть обнаженный нерв.
Благодаря романтизму в изобразительном искусстве утвердились новые,
более яркие краски и новые сюжеты:
человек, преодолевающий опасность,
спорящий с судьбой и природой, бросающий вызов. Романтики начинают
смелее изображать обнаженную натуру, в отличие от «классиков», уже
не боясь «несовершенств» и лишней
откровенности.
Образец романтизма — картины испанца Франсиско Гойи (1746–1828).
В том же стиле творили француз Эжен
Делакруа (1798–1863), англичанин
Уильям Тёрнер (1775–1851) и немец
Каспар Давид Фридрих (1774–1840).
«И прежде плакал человек,
И прежде был он жертвой рока,
Надежды, слабости, порока».
Н. М. Карамзин

РОМАНТИКА СТИХИИ И СВОБОДЫ
Одно из первых значительных произведений романтизма — картина французского художника Теодора Жерико
(1791–1824) «Плот „Медузы“».
Работая над огромным полотном
4,7 × 7 метров, художник обратился

Сентиментализм и романтизм

к реальным событиям — крушению
фрегата «Медуза» у берегов Сенегала.
Корабль затонул, но 140 пассажиров
и членов экипажа спаслись на плоту.
Через 12 дней, когда их обнаружили,
в живых осталось лишь 15 человек.
Двое спасенных, врач Савиньи и инженер Корреар, даже позировали Жерико для картины, в которой живописцу удалось передать ужас людей
перед стихией и страх приближающейся смерти, силу надежды и, напротив, охватившее их глубокое отчаяние
и бессилие.
Полотно исполнено в мрачных красках, а во время работы над ним художник делал очень много набросков, заставляя натурщиков застывать в самых
разных позах.
Жизнь испанца Франсиско Гойи сама
по себе напоминает жизнеописание
героя приключенческого романа: поединки, преследования инквизицией
«за оскорбление святынь»... Но его незаурядный талант все же был оценен
по достоинству. Он стал сначала художником Королевской мануфактуры
гобеленов, а затем — в 1789 году —
придворным живописцем. На полотнах Гойи мы видим весь цвет испанской аристократии, но нельзя не заметить, что гораздо большую симпатию
у художника вызывали повстанцы,
охотники, воины. Его полотна — яркие и звучные по цвету, необычные
по композиции — ближе к концу жизни художника стали более мрачными
и трагичными.

ШЕДЕВРЫ
В. БОРОВИКОВСКОГО
«Лизонька
и Дашенька»
(Третьяковская
галерея)
•• «Екатерина II
на прогулке
в Царскосельском парке
(Третьяковская
галерея)
•• «А. И. Безбородко с дочерьми» (Русский
музей)
••

«И пусть Мастеру казалось, что
это лишь ничего
не значащие художественные капризы… он создал настоящий исторический портрет своей
родины»
(Т. Готье о Ф. Гойе)

ТРИ ШЕДЕВРА
Э. ДЕЛАКРУА
«Свобода,
ведущая народ»
(Лувр)
•• «Резня
на Хиосе»
(Лувр)
•• «Смерть
Сарданапала»
(Лувр)
••

Романтические
мотивы
противостояния
судьбе и стихии
прослеживаются
в творчестве
мариниста
И. К. Айвазовского

Глава VII

Принципы романтизма ярко воплотились и в творчестве французского
скульптора-анималиста Антуана-Луи
Бари (1795–1875). Он изображал
не любых животных, а только самых
мощных, царственных и диких жителей пустыни.
Хорошо знакомый с повадками зверей, художник сумел поймать и воплотить в своих скульптурах не только
плавные, грациозные и опасные движения хищников, но и тот дух свободы, которым эти животные наделены
от природы.
Уже первые работы «Тигр, терзающий крокодила» и «Лев, поражающий
змею» принесли Бари успех и положили начало новому направлению
во французской пластике. Самые знаменитые работы романтика-анималиста: «Отдыхающий лев», «Кентавр и лапиф» и «Ягуар».
«Не титла славу нам сплетают,
Не предков наших имена,
Одни достоинства венчают
И честь венчает нас одна…»
М. М. Херасков

ПРЕДСТАВИТЕЛИ СЕНТИМЕНТАЛИЗМА
И РОМАНТИЗМА
•• Жан-Батист Грез
•• Франсиско Гойя
•• Теодор Жерико
•• Эжен Делакруа
• • Иван и Николай Аргуновы

Жан-Батист Грёз
«Утренняя молитва» (1780)
«Девушек Грёза» многие
считают эталоном слащавой
сентиментальной живописи

Владимир Боровиковский
«Портрет сестер
А. Г. и В. Г. Гагариных» (1802)
Художник явно
симпатизирует увлеченным
музыкой сестрам

Эжен Делакруа «Свобода, ведущая народ» (1830)
Эту картину называли «Марсельезой в красках»

Франсиско Гойя «Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде» (1814)
На картине — нападение испанцев на мамлюков, служивших
в оккупировавшей Мадрид армии Наполеона

Теодор Жерико «Плот „Медузы“» (1819)
Люди отчаянно пытаются привлечь внимание
показавшегося вдали корабля

Реализм: красота откровенности и повседневности

РЕАЛИЗМ:
КРАСОТА ОТКРОВЕННОСТИ
И ПОВСЕДНЕВНОСТИ
Следует писать только то, что ты видел;
передавать нравы, идеи, облик эпохи.
Ж. Шанфлери
Начиная со второй половины XIX века быстрое развитие
науки и техники отразилось во всех сферах жизни, в том
числе и в искусстве. На смену академизму и романтизму
пришел реализм. Его задачей стало точное, объективное
и откровенное отражение окружающей действительности — без особых прикрас и тонких переживаний, свойственных прежним стилям.
ИСТОКИ
Появление реализма во многом
связано с тем, что в науке в то время господствовал позитивизм (фр.
positivisme, от лат. positivus — положительный). Позитивисты провозгласили опыт единственным значимым
источником познания.
Главное утверждение позитивизма:
«Существует только опытное познание, которое основывается на том, что
нам непосредственно дано». То есть
главной целью науки считалось получение объективного знания о природе вещей.
Но только ли во второй половине XIX века возникло реалистическое искусство? Ведь живописцы практически любого стиля и направления

Жан Франсуа
Милле
«Веяльщик»
(1848)
Сам художник
называл себя
«не более чем
крестьянином»

ИЗВЕСТНЫЕ
БАРБИЗОНЦЫ
Жиль Дюпре
Шарль-Франсуа
Добиньи
•• Констан Тройон
••
••

Глава VIII

в каком-то смысле могут считаться реалистами: они часто изображают людей и явления природы в их подлинном, неискаженном виде. Это относится
и к пышным парадным портретам барокко, и к полному подтекстов творчеству Веласкеса, и к знаменитому «Ночному дозору» Рембрандта.
Однако как особый стиль реализм
стали выделять именно в противовес
романтизму с его возвышенными порывами и идеализацией окружающего,
а также «сухому», далекому от жизни
академизму. Поэтому реализм иногда
и называют критическим: художники
этого направления нередко направляли свою кисть на неприглядные стороны бытия, критиковали действительность с целью сделать ее лучше.
ЗАСЛУГИ БАРБИЗОНЦЕВ

У барбизонцев
импрессионисты
переняли прием
создания этюда
на пленэре
с последующим
завершением
работы в студии

Деревушка Барбизон под Парижем
попала в историю искусств совершенно случайно: именно здесь в 1830–
1860‑х годах предпочитала творить
группа художников, применивших новый подход к изображению природы
и жизни людей.
Предвосхищая многие принципы реализма, группа барбизонцев изображала скромные виды французской
глубинки «как она есть», без всяких
драматических эффектов или романтического накала. Художники барбизонской школы отказались от величественного академизма, потому что
его слишком строгие каноны мешали

Реализм: красота откровенности и повседневности

им свободно реализовывать свои замыслы. Пейзажи барбизонцев подготовили почву для появления импрессионизма.
Самые известные мастера этой
школы — Теодор Руссо (1812–1867)
и Жан-Франсуа Милле (1814–1875).
ГЮСТАВ КУРБЕ —
НОВАТОР И НОНКОНФОРМИСТ
Французский живописец Жан Дезире Гюстав Курбе (1819–1877) вывел на первый план новых героев —
простых людей. Их нелегкую жизнь
художник демонстрировал зрителю
со всей возможной правдивостью.
Если уж он изображал, как на картине
«Каменщики», тяжелый труд старика
и юноши, дробящих камни на обочине
дороги, то каждый зритель буквально
на своей шкуре ощущал их усталость,
жажду и жар палящего солнца.
Французские критики и публика
не были готовы к такой прямолинейности: год за годом жюри парижского
Салона (выставки изящных искусств)
отклоняло работы Курбе. За картину
«Послеобеденный отдых в Орнане»,
однако, художник удостоился золотой медали.
Курбе постоянно будоражил публику дерзкими художественными выходками. Чем еще, если не вызовом общественному вкусу, можно было счесть
картину «Купальщицы» (1853), на которой он со свойственной ему прямотой изобразил обнаженную натуру?

ПРИЛИЧИЯ
ПРЕЖДЕ ВСЕГО!
Наполеон III,
посещая выставку,
однажды
настолько
возмутился
«вольностью», что
ударил хлыстом
по обнаженной
фигуре на картине
Курбе

ТРИ ШЕДЕВРА
ГЮСТАВА
КУРБЕ
«Похороны
в Орнане»
(Музей Орсэ)
•• «Косули
у ручья» (Лувр)
•• «Порыв ветра»
(Музей изящных
искусств,
Хьюстон)
••

«Художник должен
любить жизнь и доказывать нам, что
она прекрасна»
(А. Франс)

На базе реализма
в США возникла
«Школа мусорных
ведер»: ее
представители
изображали
на картинах
быт беднейших
кварталов

Глава VIII

Сатирические полотна «Деревенские
священники, возвращающиеся с товарищеской пирушки» и «Возвращение
кюре с приходской конференции» возмутили священнослужителей.
Неудивительно, что прогрессивные критики превозносили Курбе как
певца нонконформизма, а поклонники официального искусства постоянно обвиняли его в намеренном выпячивании неприглядных сторон жизни.
«Я твердо придерживаюсь взглядов,
что живопись… может заключаться лишь
в изображении реальных, данных нам вещей».
Г. Курбе

АМЕРИКАНСКАЯ ШКОЛА.
НАТУРАЛИЗМ
Томас Икинс
«Портрет Уолта
Уитмена» (1888)
Поэт считал этот
свой портрет
самым лучшим

«Жизнь подражает
искусству в гораздо большей степени,
чем искусство подражает жизни»
(О. Уайльд)

Американский художник Уинслоу
Хомер (1836–1910) перенял реалистичный подход к живописи у своих
европейских коллег. Но, творчески переосмыслив их приемы, он создал собственную художественную школу. Сюжеты для своих картин Хомер черпал
в обыденной жизни, а самые знаменитые его работы — морские пейзажи («Сигнал тумана», «Летняя ночь»).
Не менее крупный вклад в развитие
американского реализма внес Томас
Икинс (1844–1916). Он прославился
как портретист и мастер многофигурной композиции.
К 1870‑м годам в реализме начинают
выделяться два направления — натурализм и импрессионизм. Натуралисты

Реализм: красота откровенности и повседневности

(от лат. nаturа — природа) добивались
абсолютного сходства своих картин
с действительностью, а главными героями их полотен стали в основном крестьяне и рабочие. Натуралисты стремились изобразить повседневную жизнь
своих моделей с документальной точностью.
Живописцы-натуралисты настолько
много внимания уделяли деталям, что
их работы сравнивают подчас с кадрами из кинофильмов. Таковы, например,
известные картины «Выдача жалованья жнецам» Леона-Огюстена Лермита,
«Окликая паромщика» Даниэля Риджуэя Найта, «Октябрь. Сбор картофеля»
Жюля Бастьен-Лепажа.
ПРЕДСТАВИТЕЛИ РЕАЛИЗМА
И НАТУРАЛИЗМА
•• Гюстав Курбе
•• Жан-Франсуа Милле
•• Уинслоу Хомер
•• Томас Икинс
•• Даниэль Риджуэй Найт

Реализм
в России
стал известен
как передвижничество, в Италии — как веризм
(от ит. vero —
истинный)

ТРИ ШЕДЕВРА
ТОМАСА
ИКИНСА
«Портрет У. Уитмена» (Пенсильванская
академия изящных искусств)
•• «Клиника Гросса» (Филадельфийский музей
искусств)
•• «Шахматисты»
(Музей Метрополитен)
••

Гюстав Курбе «Порыв ветра» (1865)
С полотна как будто веет прохладный предгрозовой воздух

Гюстав Курбе «Дробильщики камня» (1849)
Искушенная в изящных искусствах публика
долго не могла принять подобные сюжеты

Томас Икинс «Клиника
доктора Гросса» (1875)
Многих шокировало
изображение на картине
хирургической операции

Даниэль Риджуэй Найт
«Пастушка из Рольбуаз» (1896)
Не совсем обычное полотно
для художника, любившего
яркие, красочные
пейзажи

Уинслоу Хомер «Сигнал тумана» (1885)
Художник любил изображать простых американцев —
рыбаков, охотников, фермеров

Глава IX

ПРЕРАФАЭЛИТЫ:
ЭСТЕТИКА ПРОШЛОГО И БУДУЩЕГО
То, что воображению предстает как Красота,
должно быть истиной —
не важно, существовала она до этого или нет.
Д. Китс
К середине XIX века в живописи Англии господствовала
академическая школа. Технически грамотные, но суховатые
работы членов Королевской академии художеств хорошо
смотрелись на стенах буржуазных гостиных, но в художественном сообществе постепенно зрела необходимость перемен. Настоящей отдушиной для всех, кто мечтал о чем-то
новом, ярком и необычном, стали работы прерафаэлитов.
ИЗВЕСТНЫЕ
ПРЕРАФАЭЛИТЫ
Форд Мэдокс
Браун
•• Джон Уильям
Уотерхаус
•• Уолтер Крейн
••

Прерафаэлитов
часто именуют
наследниками
романтиков
и предшественниками модерна

ТАИНСТВЕННАЯ МОНОГРАММА
В 1849 году английской публике
были представлены три полотна, резко
отличавшиеся от привычных «академических» произведений своими яркими свежими красками, нестандартной
композицией, множеством символических деталей. Это были картины «Риенци» (иллюстрация к модному тогда
роману Бульвер-Литтона), «Изабелла» (картина представляла эпизод
поэмы Джона Китса) и «Юность Девы
Марии». Все три картины объединяла
подпись — английские буквы «PRB».
Почтенная публика терялась в догадках…
Тайна монограммы, однако, просуществовала недолго: вскоре все узнали
о существовании нового творческого
объединения художников — «Братства

Прерафаэлиты: эстетика прошлого и будущего

прерафаэлитов» (от лат. рrае — перед, впереди и имени «Рафаэль»).
Этим названием живописцы, основавшие «Братство», — Уильям Холмен Хант (1827–1910), Данте Габриэль
Россетти (1828–1882) и Джон Эверетт
Миллес (1829–1896) — хотели подчеркнуть, что считают себя наследниками искусства художников раннего
Возрождения, творивших до Рафаэля: Перуджино, Фра Анджелико, Джованни Беллини.
«Нам было нужно новое и более смелое
английское искусство, которое заставило
бы людей размышлять».
У. Хант

КРАСОТА КАК ИСТИНА
С категоричностью, свойственной
юности, прерафаэлиты утверждали,
что английскому изобразительному искусству приходит конец, что академическое художественное образование
на корню губит новые таланты, а вкусы
публики безнадежно испорчены скучными и однообразными произведениями заслуженных «старичков». Возродить английскую живопись, по их
мнению, могло только одно — возвращение к простоте, свежести и искренности раннего Ренессанса.
Интересно, что самого Рафаэля молодые бунтари причисляли к «академикам» и равняться на него не желали.
Прерафаэлиты полностью отвергли
все привычные методы работы. Они

Данте Габриэль
Россетти «Beata
Beatrix» (ок. 1870)
В образе
Блаженной
Беатрисы художник представил
свою покойную
супругу

Джона Эверетта
Миллеса
называли
юным гением:
он поступил
в Королевскую
Академию
художеств
в 11 лет

Добиться ярких,
свежих цветов
прерафаэлитам
помогала техника
живописи маслом
по сырому белому
грунту или слою
белил

ДЛЯ
ПРЕРАФАЭЛИТОВ
ХАРАКТЕРНЫ
Тонкая
проработка
деталей
•• Чистые краски,
локальные
цвета
•• Достоверное
отображение
природы
••

«Я хочу рисовать пейзаж, изображая каж
дую деталь, какую
смогу увидеть»
(У. Хант)

Глава IX

писали только с натуры, в качестве моделей часто выбирали друзей и родственников или приглашали людей
в буквальном смысле с улицы. Например, на картине «Юность Девы Марии»
изображены мать и сестра художника Данте Россетти, а для знаменитой
«Леди Лилит» ему позировала малограмотная Фанни Корнфорт.
В искусстве Средневековья и Раннего Возрождения молодых художников привлекало то, чего, по их мнению,
не хватало современной английской
живописи, — простота, искренность
и подлинное религиозное чувство.
Члены «Братства» буквально жили
в мире своих образов и вполне могли бы согласиться со словами поэта Джона Китса: «Красота есть единственная истина».
СЮЖЕТ И ОБРАЗ
Члены «Братства» не избегали евангельских сюжетов, однако больше внимания уделяли не исторической точности, а философским подтекстам
и ассоциациям. Их картины отличаются множеством смыслов, обилием
значимых деталей, которые открываются зрителю постепенно. Так, собака напоминает о верности, плакучая
ива — символ отвергнутой любви,
плющ — знак бессмертия и вечного
возрождения.
Одним из любимых жанров прерафаэлитов стали женские портреты, возвышенные, таинственные

Прерафаэлиты: эстетика прошлого и будущего

и идеализированные. Темой картины
часто становилось страдание от предательства или неразделенной любви.
«Золотоволосая муза» прерафаэлитов Элизабет Сиддал была простой
продавщицей шляп, когда художник
Уолтер Деверелл заметил ее утонченную красоту и пригласил девушку в качестве натурщицы. Миллес писал Элизабет в образе «Офелии», для
чего заставил ее лежать в холодной
ванне. Замуж, однако, Элизабет вышла
за Россетти. Но их брак не был счастливым, а в 1862 году Сиддал умерла,
приняв слишком большую дозу лауданума, прописанного ей врачами.
В память о жене Россетти изобразил
ее в образе Беатриче из поэмы «Новая жизнь» Данте Алигьери.
КРИТИКА. ПРИЗНАНИЕ. РАСПАД
Сначала публика отнеслась к творчеству молодых реформаторов с интересом, но позже их начали упрекать
за слишком вольные трактовки религиозных сюжетов. Полотно Миллеса
«Христос в родительском доме» (1850),
например, превратилось в «Плотницкую мастерскую» только из-за того, что
Святое Семейство изображено на нем
в образе обычных людей. Королева
Виктория потребовала доставить ей
картину, чтобы убедиться, нет ли там
богохульства, и хотя ничего крамольного в сюжете усмотреть не удалось,
художник на всякий случай решил переименовать картину.

Специально
для работы
над картиной
«Офелия»
Миллес приобрел
старинное
платье, расшитое
серебром,
в которое
и нарядили
натурщицу

«Под картиной я подразумеваю красивую
романтическую мечту о том, чего никогда не было и никогда
не будет… и что находится в таком месте, которое нельзя
ни найти, ни вспомнить, а можно только лишь желать»
(Э. Бёрн-Джонс)

«Это — археология, превратившаяся в доктринерство»
(критик Ф. Стоун
о картинах
прерафаэлитов)

Артур Хьюз
«Апрельская
любовь» (1855)
Опавшие лепестки
на первом
плане — символ
печалей, подчас
сопровождающих
любовь

«Находить во всем…
проявление вечного божественного
новосозидания красоты и величия, показывать это немыслящим и незрячим — таково назначение художника»
(Д. Рёскин)

Глава IX

История прерафаэлитов еще раз
подтвердила, что признания рядовых
зрителей для славы недостаточно.
Неизвестно, как сложилась бы судьба «Братства», если бы на их сторону
неожиданно не стал известный историк искусства Джон Рёскин. В своих
статьях, написанных для популярной
британской газеты «Таймс», Рёскин высоко оценил живопись прерафаэлитов и даже заявил, что их работы могут
«лечь в основу художественной школы,
более величественной, чем все, что знал
мир предыдущие 300 лет». После этого молодым художникам открылся путь
на престижные выставки, а их картины
вошли в моду.
«Братство прерафаэлитов» распалось в 1853 году, но это не помешало каждому его члену стать самостоятельным и самобытным художником.
Оценивая творчество прерафаэлитов
в исторической перспективе, искусствоведы по сию пору спорят о том, насколько глубоко революционным его
можно считать и не было ли оно слишком элитарным для своего времени.
Так или иначе, почетное место
в истории живописи прерафаэлиты занимают заслуженно. Их даже считают предшественниками символистов.
ЗНАМЕНИТЫЕ ПРЕДСТАВИТЕЛИ
ПРЕРАФАЭЛИТИЗМА
•• Уильям Холмен Хант
•• Данте Габриэль Россетти
•• Джон Эверетт Миллес

Джон Эверетт Миллес «Христос в родительском доме» (1850)
В такой трактовке религиозного сюжета в середине XIX века
усматривали явную вольность

Уильям Холмен Хант «Козел отпущения» (1854)
Хант писал картину с натуры, привязав козла
на берегу Мертвого моря

Джон Эверетт Миллес «Офелия» (1852)
Об этой картине говорили:
«Запечатленный миг между жизнью и небытием»

Джон Эверетт Миллес
«Жанна д’Арк» (1865)
Разителен контраст между
хрупкой внешностью героини
и металлическими доспехами

Данте Габриэль Россетти
«Дневные мечты» (1880)
Недосказанность,
символизм, тайна —
характерные
черты творчества
прерафаэлитов

Русские передвижники

РУССКИЕ ПЕРЕДВИЖНИКИ.
ТОВАРИЩЕСТВО ТВОРЦОВ
И ПРОСВЕТИТЕЛЕЙ
Картины той эпохи заставляли зрителя краснеть,
содрогаться и построже вглядываться в себя…
И. Е. Репин
В 1860‑е годы в России возникло реалистическое направление в искусстве, унаследовавшее идеалы француза
Гюстава Курбе. Представители этого течения предприняли первую в стране попытку учредить независимое творческое объединение — «Санкт-Петербургскую артель художников», впоследствии — «Товарищество передвижных
художественных выставок».
ДА ЗДРАВСТВУЮТ РЕФОРМЫ!
Во второй половине XIX века в России произошли большие перемены
во всех сферах жизни общества: отмена крепостничества, реформы армии и государственного управления.
В то же время нарастало революционное движение.
Не осталось в стороне и искусство — и здесь нашлись свои реформаторы и борцы против академизма
в живописи. И хотя в 1859 году изменения, происходящие в государстве,
затронули и Императорскую Академию
художеств, в искусстве по-прежнему
царили «застывшие формы».
Сторонников зарождающегося в России критического реализма это, разумеется, не устраивало. Молодые

КАРТИНЫ,
ВПЕРВЫЕ
ПОКАЗАННЫЕ
НА ПЕРЕДВИЖНЫХ
ВЫСТАВКАХ
«Не ждали»
Ильи Репина
•• «Боярыня
Морозова»
Василия
Сурикова
•• «Рожь» Ивана
Шишкина
••

Алексей Саврасов
«Грачи прилетели»
(1871)
И. И. Левитан писал: «С Саврасова
появилась лирика
в живописи
пейзажа...»

ТРИ ШЕДЕВРА
И. КРАМСКОГО
«Христос
в пустыне»
(Третьяковская
галерея)
•• «Неизвестная»
(Третьяковская
галерея)
•• «Неутешное
горе»
(Третьяковская
галерея)
••

Глава X

художники жаждали быть в центре
событий, а не рисовать «замшелых»,
как им казалось, Венер и Аполлонов!
В ноябре 1863 года в уже упомянутой Императорской Академии случился бунт. Четырнадцать лучших учеников, соревнующихся за золотую
медаль, сообща подали прошение в Совет Академии о том, чтобы тему конкурсного задания — рисунок на мифологический сюжет — было позволено
заменить любой картиной по своему
выбору. Им отказали, и тогда все они
покинули Академию.
В результате «Бунта четырнадцати»
и была организована «Санкт-Петербургская артель художников» во главе с Иваном Крамским. Молодые живописцы зарабатывали на жизнь
частными заказами и давали уроки
рисования.
Артель просуществовала до 1870 года
и распалась из-за внутренних разногласий между участниками.
НОВОЕ «ТОВАРИЩЕСТВО».
ПРИНЦИПЫ ТВОРЧЕСТВА
В том же 1870 году семнадцать московских и петербургских художников
(в том числе и несколько членов распавшейся «Артели») подали прошение
министру внутренних дел с просьбой
утвердить проект устава «Товарищества передвижных художественных
выставок». «Товарищество» создавалось для устройства в городах империи передвижных художественных

Русские передвижники

выставок ради «доставления жителям
провинций возможности знакомиться
с русским искусством, развития любви
к искусству в обществе и облегчения
для художников сбыта их произведений». Среди учредителей «Товарищества» были художники Василий Перов, Иван Крамской, Николай Ге, Иван
Шишкин и другие.
2 сентября 1870 года устав был
утвержден.
Многие передвижники (так стали называть членов «Товарищества») были
сторонниками реформ не только в искусстве, но и в обществе. Основные
темы их картин — тяжелая жизнь народа, прославление силы и мудрости
простых людей, природа и история родной страны. И к каждой из этих тем живописцы подходили с максимальным
правдоподобием, не забывая и о социально-политическом подтексте.
Скандал в 1888 году вызвала картина Николая Ярошенко «Всюду жизнь»:
арестанты кормят голубей через зарешеченное окно своего вагона. Причем
заключенные — отнюдь не звероподобные бандиты: женщина с ребенком,
благообразный старик-крестьянин…
Так кто же настоящий преступник? Где
он? Не одет ли он в судейскую мантию?
Выставки передвижников неизменно пользовались успехом у публики.
А вот власти часто не были в восторге
от деятельности «Товарищества». Как
писал об этом известный в то время
художественный критик В. В. Стасов:
«Ничто новое, выступающее на замену

Восемь
из четырнадцати
участников
«бунта» 1863 года,
в том числе
Иван Крамской,
впоследствии
получили звание
академика
Императорской
Академии
художеств

«Что может быть
проще той мысли,
что не в одном же
только Петербурге и Москве живут
люди, но и в других
местах… много способных понимать
и любоваться на то,
что чудесно»
(В. В. Стасов)

Деятельность
передвижников
поддерживал
известный меценат
Павел Третьяков.
Именно по его
заказу были
созданы многие
картины

Первая выставка
передвижников
прошла в СанктПетербурге
в ноябре
1871 года,
в здании Академии
художеств;
ее шумный
успех весьма
насторожил
академиков

Глава X

старого — негодного… никогда не водворялось без упорного сопротивления и без отчаянной борьбы… Оно
с боя должно добыть себе место и завоевать себе права».
В разное время в состав «Товарищества передвижников» входили или
сотрудничали с ним Николай Неврев,
Илья Репин, Владимир и Николай Маковские, Григорий Мясоедов, Василий
Поленов, Василий Суриков, Виктор
Васнецов, Архип Куинджи.
«А в искусстве делает как раз тот,
кто ничего и не говорит-то…»
В. И. Суриков

«Товарищество
передвижников»
прекратило свое
существование
в 1923 году.
Причиной стали
не политические
потрясения,
а внутренние
проблемы

«Внешность в картине не имеет сама
по себе никакой цены
и должна всецело зависеть от идеи»
(И. Н. Крамской)

ЗНАМЕНИТЫЕ КАРТИНЫ
ПЕРЕДВИЖНИКОВ
Свою «Боярыню Морозову» Василий
Суриков написал благодаря… вороне.
Сам художник вспоминал об этом так:
«Вот раз ворону увидел. Сидит на снегу и крыло одно отставила, — черным
пятном на снегу сидит. Так вот этого
пятна я много лет забыть не мог. Потом
боярыню Морозову написал». И в самом деле, при взгляде на картину можно заметить, что край черного одеяния
боярыни чем-то напоминает подбитое
воронье крыло.
Одна из самых сильных картин, написанных художником-передвижником, — «Бурлаки на Волге» Ильи Репина, впервые выставленная в 1873 году.
Как выразился впоследствии Федор Достоевский, сам не понаслышке

Русские передвижники

знакомый с тяжелой работой, «нельзя не полюбить их, этих беззащитных,
нельзя уйти, не полюбив их. <…> Вся
эта бурлацкая „партия“ будет сниться потом во сне, через 15 лет вспомнится!»
И тема, и композиция этой масштабной картины, и скрытые в ней напряжение и мощь глубоко воздействуют
на зрителя и сейчас, спустя полтора
столетия.
Идею картины Репину подала сама
жизнь: прогуливаясь вдоль реки, художник однажды увидел ватагу грязных, оборванных бурлаков, а рядом
с ними — разодетых, ухоженных
господ. Этот контраст произвел на художника столь глубокое впечатление,
что он почти сразу же задумал картину. Эскизы для нее он писал в селе
Ширяево Самарской губернии, где ему
позировали как местные жители, так
и сами бурлаки. Свою силу и глубину
картина приобрела во многом благодаря этим колоритным типажам.
ОСНОВАТЕЛИ ТОВАРИЩЕСТВА
ПЕРЕДВИЖНИКОВ
•• Иван Крамской
•• Григорий Мясоедов
•• Николай Ге
• • Василий Перов

Илья Репин
«Царевна Софья
в Новодевичьем
монастыре» (1879)
«Запертой
в железную клетку
тигрицей» назвал
царевну
И. Н. Крамской

За 53 года своего
существования
«Товарищество
передвижников»
организовало
47 выставок

«Человек без убеждений — пустельга,
без принципов — он
ничтожная никчемность»
(И. Е. Репин)

Николай Ге «А. С. Пушкин в селе Михайловском» (1875)
Художник представил встречу поэта с другом по Лицею —
Иваном Пущиным

Василий Поленов «Московский дворик» (1878)
Картину называют одной из самых солнечных в русской живописи

Иван Крамской
«Христос в пустыне» (1872)
«Это моя первая вещь,
над которой я работал
серьезно»
(И. Н. Крамской)

Василий Перов «Тройка» («Ученики мастеровые везут воду») (1866)
«Ужасающее... отражение русской народной жизни» (А. Н. Бенуа)

Глава XI

МОДЕРН: МУЗЫКА ЛИНИЙ И ЦВЕТА
Сколько у нас красоты на Руси…
И знаешь, что стоит во главе этой красоты —
форма, которая создана природой вовек.
М. А. Врубель
Ближе к концу XIX века в архитектуре, живописи, декоративно-прикладном искусстве начал преобладать стиль
модерн — необычный, прихотливый, немного «не от мира
сего», ставший своеобразным порождением той неспокойной эпохи.
ГДЕ И КАК
НАЗЫВАЮТ
МОДЕРН
«Стиль
Тиффани»
в США
•• «Югендстиль»
в Германии
•• «Стиль
Сецессион»
в Австрии
•• «Стиль либерти»
в Италии
••

«Модерн есть последняя фаза искусства прошлого века… вздох
умирающего столетия»
(Д. В. Сарабьянов)

ПРЕДПОСЫЛКИ ОБНОВЛЕНИЯ
Со второй трети XIX столетия в архитектуре и интерьере начался так называемый период эклектики — смешения, порой хаотичного, черт разных
стилей прошлых эпох. В архитектуре,
например, это выражалось в том, что
у одного и того же здания могли быть
романские башенки, барочный причудливый декор и строгие классические
колонны. Основными заказчиками подобных строений выступали, как правило, представители тогдашнего среднего класса — разбогатевшие буржуа.
В деньгах они стеснены не были, а вот
обладатели изысканного вкуса попадались среди них редко.
Еще одной характерной особенностью этого времени было подражание
старым стилям, что отражалось приставкой «нео» (от лат. новый) в названиях обновленных стилей: неоготика, неоренессанс. Уровень развития
техники позволял быстро и дешево

Модерн: музыка линий и цвета

штамповать копии барочной лепнины
или готических кресел. К появлению
подлинных произведений искусства
это подражание приводило нечасто.
Естественно, что подобная ситуация
не могла длиться долго, нужен был новый стиль, отражающий потребности
эпохи. Им и стал модерн.
Художники модерна не хотели потакать неразвитому вкусу. К каждому
создаваемому предмету они подходили индивидуально, создавая вещи одновременно и красивые, и функциональные.
Представители раннего модерна
опирались на идеи английского поэта и художника Уильяма Морриса
(1834–1896), основателя «Движения
искусств и ремесел». Все свои декоративно-прикладные изделия Моррис
и его сторонники создавали вручную,
и каждый предмет был уникален.

Уильям Моррис
«Ангел ночи
держит
убывающую луну»
(1860-е)
Творчество
Морриса часто
называют
«преддверием
модерна»

ДЕКОР МОДЕРНА
Мастера модерна стремились создать единый стиль во всем, что окружало человека. Это касалось интерьера
жилищ, предметов внутреннего убранства, книг и так далее. Именно поэтому
в период развития модерна возрос интерес к декоративно-прикладному искусству, книжной графике, мелкой пластике, включая керамику. Привычные
глазу прямые углы и линии сменились
плавностью, изогнутостью очертаний.
Художники, творившие в этом стиле,
часто использовали в своих работах

ЗНАМЕНИТЫЕ
АРХИТЕКТОРЫ
МОДЕРНА
В ЕВРОПЕ
Эктор Гимар
(Франция)
•• Антонио Гауди
(Испания)
•• Отто Вагнер
(Австрия)
••

СКУЛЬПТОРЫ —
ПРЕДСТАВИТЕЛИ
МОДЕРНА
Аристид Майоль
(Франция)
•• Франтишек
Билек (Чехия)
•• Камилла
Клодель
(Франция)
••

ЗНАМЕНИТЫЕ
АРХИТЕКТОРЫ
МОДЕРНА
В РОССИИ
Федор Лидваль
Федор Шехтель
•• Гавриил
Барановский
••
••

«Молодежь всегда желает вначале в своем первом
порыве свергнуть
уже существующее.
Но я не собираюсь
ворчать на них изза этого»
(Г. Климт)

Глава XI

орнамент, предпочитая экзотику: диковинные цветы, пауков, стрекоз. Особенно часто встречаются изображения
сов: загадочность этой ночной птицы
великолепно сочеталась с таинственной и немного потусторонней атмо
сферой, свойственной произведениям модерна.
МОДЕРН В АРХИТЕКТУРЕ:
ПРИРОДА И ТЕХНИКА
Здания, выстроенные в стиле модерн, тоже отличались тем, что всё
в них, от въездных ворот до дверных
ручек, было выдержано в едином стиле. И что это был за стиль! Архитекторы модерна, с одной стороны, активно использовали все современные
материалы, в том числе железобетон
и стекло, а с другой — часто пренебрегали рационализмом и симметрией,
стремясь к уже упомянутой плавности
линий. В результате получались извилистые лестничные пролеты и балконы, необычные оконные и дверные
проемы, причудливо изгибающиеся
кровли.
Внимание мастеров неизменно привлекали ковка, природный камень. Они
очень любили витражи, мозаичные
вставки, использовали разного рода
символические орнаменты, размещая
все это как на фасадах, так и во внут
реннем убранстве.
Одним из первопроходцев этого стиля в архитектуре стал бельгиец Виктор Орта (1861–1947).

Модерн: музыка линий и цвета

МОДЕРН В ЖИВОПИСИ.
МИХАИЛ ВРУБЕЛЬ
Во времена господства модерна
к живописным полотнам стали относиться не как к самостоятельным произведениям искусства, а как к части
интерьера. Необходимость гармонично встроить картину в общий стиль
кабинета или гостиной привела к появлению новых приемов и форм изображения.
Картины и панно в стиле модерн отличаются декоративностью, при этом
фон в виде орнамента прекрасно сочетается у художников модерна с четкостью фигур и лиц, изображенных
на картине. Мастера модерна, такие
как Густав Климт, Михаил Врубель, активно играли цветовыми оттенками,
уделяли внимание проработке мелких деталей.
От символизма модерн унаследовал особый подход: передавать тот
или иной скрытый смысл с помощью
определенных цветов и линий. Особенно популярны в модерне были мотивы скорби, смерти, эротики.
Одним из художников, в чьем творчестве элементы модерна проявились
наиболее ярко, считают Михаила Александровича Врубеля (1856–1910).
Свою карьеру живописца этот создатель множества демонических ликов начал… как иконописец и реставратор церковного искусства. Однако
в поисках новых творческих путей он
сначала увлекся иллюстрированием

ТРИ
ШЕДЕВРА
М. ВРУБЕЛЯ
«Демон
сидящий»
(Третьяковская
галерея)
•• «Царевналебедь»
(Третьяковская
галерея)
•• «Голова
Демона»
(Русский музей)
••

«Подлинный художник всегда выражает то, что думает, не боясь растоптать существующие
нормы. Тем самым он
учит искренности
себе подобных»
(О. Роден)

Глава XI

народных сказок, мифов и преданий,
а после пришел к бесконечным попыткам воссоздать образ Демона, героя
трагической поэмы М. Ю. Лермонтова.
Этот персонаж заворожил Врубеля
и в буквальном смысле свел его с ума:
после завершения «Демона поверженного» (1902) у художника началось
психическое расстройство, от которого он не оправился до конца жизни.
СКУЛЬПТУРА. ОГЮСТ РОДЕН
Густав Климт
«Юдифь с головой
Олоферна» (1901)
На художника
оказало явное
влияние искусство
Древнего Египта,
Крита, Византии

МАСТЕРА
МОДЕРНА
В ЖИВОПИСИ
Альфонс Муха
(Чехия)
•• Леон Бакст
(Россия)
•• Александр Бенуа
(Россия)
•• Густав Климт
(Австро-Венгрия)
•• Михаил Врубель
(Россия)
••

Скульптура эпохи модерна отличается внутренней энергией, резкостью и динамичностью форм. Подобно
картинам, статуи часто создавали как
часть декора, связывая воедино с их
помощью разные элементы убранства.
Самая известная скульптура эпохи
модерна — «Мыслитель» Огюста Родена (1840–1917). Она с детства знакома буквально каждому из нас, а поза,
в которой застыл отлитый в бронзе
мужчина, стала хрестоматийной. Другие работы мастера («Поцелуй», «Вечная весна» и другие) не так популярны,
но производят не менее яркое впечатление: они полны жизни, красоты
и гармонии.

Михаил Врубель «Демон сидящий» (1890)
«Дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный», —
писал о нем художник

Густав Климт «Поцелуй» (1908)
Картина относится к «золотому периоду» в творчестве Климта

Михаил Врубель «Портрет К. Д. Арцыбушева» (1897)
Арцыбушев был крупным промышленником
и коллекционером живописи

Федор Шехтель. Альбом «Весна красна», посвященный шествию
в честь коронации Александра III, — образец «народного»
влияния в искусстве модерна (1883)

Импрессионизм: этот изменчивый реальный мир…

ИМПРЕССИОНИЗМ:
ЭТОТ ИЗМЕНЧИВЫЙ РЕАЛЬНЫЙ МИР…
Я пытался сделать невозможное —
нарисовать сам свет…
Клод Моне
Импрессионизм — «порождение настроения и мгновения», особое направление в европейском искусстве последней трети XIX — начала XX века. Импрессионизм возник во Франции и постепенно распространился по всему
миру, оказав влияние не только на живопись, но и на литературу и музыку.
ЖАНРЫ
ИМПРЕССИОНИЗМА

ПРОИСХОЖДЕНИЕ НАЗВАНИЯ
И МЕТОДА
Бывало ли так, что из критического замечания родилось целое направление в искусстве? Оказывается, да.
Термин «импрессионизм» произошел от названия картины Клода Моне
«Впечатление. Восходящее солнце»
(«Impression. Soleil levant»), представленной на парижской выставке 1874 года. Рассказывая об этой
выставке, журналист сатирической
газеты пренебрежительно назвал
участвовавших в ней художников импрессионистами, отмечая, что в их полотнах нет ничего, кроме впечатления
(impression). Так и появилось наименование нового стиля. Из духа противоречия, свойственного первооткрывателям, художники подхватили этот
термин, и он прижился, утратив отрицательный смысл.

Пейзаж, в том
числе городской
•• Бытописание
•• Портрет
••

«Импрессионизм —
рождение света
в живописи»
(Р. Делоне)

Многие
импрессионисты,
например Камиль
Писсарро,
полностью
отказались
от черной краски

ТРИ ШЕДЕВРА
КЛОДА МОНЕ
«Женщины
в саду» (Музей
Орсэ)
•• «Пляж
в Пурвиле»
(Национальный
музей
в Познани)
•• «Вокзал СенЛазар» (Музей
Орсэ)
••

Глава XII

Понятие «импрессионизм» относится в большей степени к методу написания картин, чем к творческим взглядам этих художников.
Своей главной задачей импрессионисты считали передачу впечатления,
а для этого нужно было, что называется, ловить момент, запечатлевать реальный мир во всей его изменчивости. Внутри студии было невозможно
достичь такого эффекта, и художники выходили «в мир» — на пленэр, где
быстро набрасывали эскизы, стараясь
уловить естественное освещение и настроение момента.
Для художника-импрессиониста
важнее не то, что ˆ изображено на картине, а как именно это изображено. Многие работы импрессионистов
и в самом деле хранят слепок первого впечатления — в мастерской кисть
живописца их уже не касалась, и они
выставлялись и продавались как есть,
пусть даже с некоторыми помарками
и огрехами. Но в этом живом течении
жизни и кроется прелесть импрес
сионизма, секрет его неизменной популярности.
ТАКАЯ ИНТЕРЕСНАЯ ОБЫДЕННОСТЬ

«Нужно идти в направлении классики, но через натуру,
то есть через ощущение»
(П. Сезанн)

Можно сказать, что импрессионисты довершили то, к чему художники
всех прежних стилей только приближались: они отвергли любой академизм не только в оформлении работ,
но и в сюжетах. Импрессионистов
не интересуют застывшие, выдуманные

Импрессионизм: этот изменчивый реальный мир…

формы. Они больше не воплощают библейские, мифологические и литературные сюжеты — им важна исключительно современность в своем самом непосредственном проявлении.
На полотнах импрессионистов появились обычные люди, которые ходят
по улицам, работают, отдыхают, флиртуют, танцуют, обедают в кафе. При
этом художники не заставляли людей
позировать, а в буквальном смысле рисовали жизнь с натуры. Так появился
совершенно новый жанр изобразительного искусства — городской пейзаж.
Одной из главных «моделей» импрессионистов стала живая, непосредственная, никак не приукрашенная
природа. Одни и те же места импрессионисты рисуют при разном освещении, при разной погоде и в разное время суток, стремясь передать течение
времени, переменчивость и мимолетность каждого мгновения.

Клод Моне
«Бульвар
Капуцинок» (1873)
Блестяще
переданное
ощущение
туманного
прохладного дня

ИЗВЕСТНЫЕ ИМЕНА
И САМЫЙ ПОПУЛЯРНЫЙ ЖАНР
Эдуард Мане (1832–1883) был одним из родоначальников импрессионизма и известным «скандалистом
от искусства»: его картина «Купание»
(«Завтрак на траве»), выставленная
в Париже в 1863 году, вызвала возмущение зрителей тем, что двое одетых
мужчин на ней завтракали в обществе
обнаженной дамы.
Клод Моне (1840–1926) первым
начал много работать на пленэре,

«Важно выразить се
бя, при условии, что
чувства являются
реальными и взяты
из собственного
опыта»
(Б. Моризо)

Берта Моризо
«Колыбель» (1872)
Зрители особо
отмечали
«акварельную
нежность масляной
живописи» в этой
картине

ТРИ ШЕДЕВРА
ЭДГАРА ДЕГА
«Голубые
танцовщицы»
(ГМИИ
им. Пушкина)
•• «Гладильщицы»
(Музей Орсэ)
•• «Семейство
Беллели»
(Музей Орсэ)
••

Глава XII

утвердив, таким образом, основные
принципы творчества импрессионистов.
Альфред Сислей (1839–1899) отдавал предпочтение нежным, красочным, «воздушным» пейзажам, стремился поймать и отобразить живой
нерв природы.
Эдгар Дега (1834–1917) и Огюст Ренуар (1841–1919) изображали людей,
точно и натуралистично передавая
их движение, характер, особенности
внешности.
Первая женщина-импрессионист —
Берта Моризо (1841–1895).
Пейзаж — самый популярный жанр
импрессионизма. Например, в знаменитых сериях Клода Моне определенный «фрагмент мира» (Руанский собор, вокзал Сен-Лазар, Темза)
представал в различное время и при
разных погодных условиях. Можно
вспомнить и его «кувшинки», которые художник неутомимо писал при
разном освещении и в разное время
суток.
Стройность и разнообразие городских пейзажей Парижа и Руана великолепно передают работы Альфреда
Сислея: туманная дымка над полями,
рассеянный солнечный свет, легкость
бегущих по небу облаков.
«Ничто в искусстве не должно казаться
случайным, ни один жест».
Э. Дега

Импрессионизм: этот изменчивый реальный мир…

ПАЛИТРА И ТЮБИК
Импрессионисты старались сочетать
чистые цветовые тона: ушли в прошлое
черные тени и контуры, мрачные землистые краски уступили место свежим и ярким. Благодаря этому картины в жанре импрессионизма были
наполнены солнцем и воздухом, казались подвижными и живыми.
Для подбора цветовых сочетаний
художники пользовались принципом
цветового круга, что позволяло свести
палитру всего к шести краскам. В цветовом круге основными цветами являются желтый, красный и синий, промежуточными — оранжевый, зеленый
и фиолетовый. Дополнительные цвета расположены друг напротив друга
и образуют пары: красный — зеленый,
синий — оранжевый, желтый — фиолетовый. Оттенки серого в цветовом
круге отсутствуют.
Изобретенный в середине XIX века
фабричный способ изготовления и упаковки красок подарил художникам
неограниченную мобильность. Краски в тюбиках не засыхали, как раньше,
что давало возможность сколько угодно работать вне мастерских — на природе, на улицах, в кафе, ловя интересные моменты и сохраняя свежесть
непосредственного впечатления. «Без
красок в тюбиках не было бы импрессионизма!» — справедливо заметил
Огюст Ренуар.

«Я могу рисовать
только то, что
я вижу»
(К. Моне)
«Усовершенствованный сосуд
для хранения
красок» (проще
говоря, тюбик)
был запатентован
англо-американским художником
и изобретателем
Джоном Рэндом
в 1841 году

ЗНАМЕНИТЫЕ
ИМПРЕССИОНИСТЫ:
Эдуард Мане
Клод Моне
•• Огюст Ренуар
•• Эдгар Дега
•• Камиль Писсарро
••
••

«Мы не знаем, что
станет с каждым
из нас в отдельности, но мы предчувствуем, что век импрессионизму сужден
долгий»
(В. Ван Гог)

Эдуард Мане «Олимпия» (1863)
Как и «Завтрак на траве»,
эта картина Мане спровоцировала скандал

Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (1872)
Картина, давшая название новому направлению в живописи

Альфред Сислей «Деревня на берегу Сены» (1872)
Художник не любил городскую суету,
предпочитая сельскую местность

Арман Гийомен «Заход солнца в Иври» (1873)
Характерное для импрессионистов «остановленное мгновение»

Глава XIII

СОЦИАЛИСТИЧЕСКИЙ РЕАЛИЗМ:
ГИМН СОВЕТСКОМУ ЧЕЛОВЕКУ
Кто искренне борется за расцвет своего народа,
всегда вливает новые силы
в великую сокровищницу человечества.
В. И. Мухина
Соцреализм — особый метод, применявшийся в искусстве
при советской власти. После распада СССР произведения
соцреализма были объявлены «антихудожественным» явлением и начали активно уничтожаться. Но некоторое время спустя пришло осознание, что этот вид искусства стал
настоящим зеркалом эпохи, а следовательно, достоин самого вдумчивого исследования.
Государство
стимулировало
развитие
соцреализма
путем заказов,
организации
выставок, публикации альбомов
и репродукций

«Волна небывалой
войны выплеснула
из недр народа таких героев, изобразить которых художник может считать честью для
себя»
(В. И. Мухина)

ИСКУССТВО, «СПУЩЕННОЕ СВЕРХУ»
Социалистический реализм — метод
художественного творчества, который
появился и развивался в Советском
Союзе и других странах так называемого социалистического лагеря.
Особенность этого метода заключалась в том, что он активно насаждался
властями и был частью государственной политики.
Искусству подобный силовой подход никогда не был полезен, однако
и в таких условиях, несмотря на тесные рамки, настоящие таланты создавали шедевры — просто потому, что
не могли иначе.
Годом официального рождения соцреализма принято считать 1932‑й — именно
тогда о нем стали активно писать в прессе, а вождь страны И. В. Сталин начал

Социалистический реализм: гимн советскому человеку

употреблять этот термин на встречах
с деятелями культуры.
В дальнейшем это понятие развивалось. «Социалистический реализм
утверждает бытие как деяние, как
творчество, цель которого — непрерывное развитие ценнейших индивидуальных способностей человека
ради победы его над силами природы, ради его здоровья и долголетия,
ради великого счастья жить на земле», — писал, например, в 1934 году
«великий пролетарский писатель»
Максим Горький, основатель соцреализма в литературе.
Однако само изобразительное искусство в этом жанре появилось гораздо раньше: к образцам социалистического реализма с полным
правом можно отнести скульптуру
И. Д. Шадра «Булыжник — оружие пролетариата» и картину
А. А. Дейнеки «Оборона Петрограда»,
созданные в 1927 году. А понятие «пролетарского реализма» революционер,
а позже советский государственный
деятель А. В. Луначарский впервые использовал еще в начале XX века.
ГЛАВНЫЕ ПРИНЦИПЫ
И НАПРАВЛЕНИЯ
От социалистического реализма прежде всего требовалось поддерживать
идеалы революции, соответствовать
идеологии марксизма-ленинизма, воспитывать молодежь и утверждать руководящую роль коммунистической

Константин
Истомин
«Вузовки» (1933)
Многие работы
Истомина близки
к авангарду

Многие
соцреалисты
имели за плечами
хорошую
академическую
школу, поэтому
качество
работы от политизированности
не страдало

«Художник — чувствилище своей
страны, своего класса, ухо, око и сердце
его; он — голос своей эпохи»
(М. Горький)

Представители
соцреализма
во многом
продолжили
дело АХРР —
Ассоциации
художников
революционной
России
(в 1932 году АХРР
была распущена)

ПРЕДСТАВИТЕЛИ
СОЦРЕАЛИЗМА
Александр
Герасимов
•• Аркадий
Пластов
•• Александр
Лактионов
••

В конце 1950‑х
годов в живописи
СССР оформился
«суровый
стиль» —
обобщенное
и лаконичное
повествование
о «героике
трудовых будней»

Глава XIII

партии. Критики давали «зеленый
свет» произведению, которое соответствовало этим признакам, даже при
его нулевой художественной ценности. И наоборот, при отсутствии идеологической составляющей любой шедевр мог быть объявлен вредным.
Над художниками осуществлялся
негласный, а порой и гласный контроль. Тем не менее многие из них искренне поддерживали государственную идеологию и охотно воплощали
в жизнь заданные принципы.
Условно выделяют несколько направлений соцреализма.
В первую очередь это изображения
вождей. Руководителей страны рисовали на картинах в окружении соратников, членов правительства, делегаций рабочих и так далее, отливали их
бюсты в бронзе и создавали громоздкие памятники, чтобы устанавливать
их на площадях каждого города.
Вторым направлением стали изображения представителей трудового народа — колхозников, рабочих, строителей.
К третьему направлению можно отнести зарисовки из жизни простых советских людей.
В 1940‑е годы к ним добавилось
и четвертое направление — картины на тему Великой Отечественной
войны.
Завершением эпохи соцреализма
в изобразительном искусстве принято считать конец 1980‑х годов.

Социалистический реализм: гимн советскому человеку

«ЛЕНИНИАНА» И. И. БРОДСКОГО.
ГЕРОИ СОВЕТСКОГО ВРЕМЕНИ
Исаака Израилевича Бродского
(1883–1939) в шутку называют «придворным кремлевским живописцем»,
и не случайно. Этот художник создал
что-то вроде официальной «иконографии» Владимира Ильича Ленина.
Картины Бродского «В. И. Ленин
и манифестация», «Ленин в Смольном», «В. И. Ленин на фоне Кремля»
печатались во всех советских учебниках, по которым школьники изучали историю 1910–1920‑х годов.
Позже Бродский неоднократно писал портреты И. В. Сталина и других
видных деятелей компартии.
Созданию образа простого советского человека в искусстве мы
в основном обязаны трем авторам:
художникам Александру Александровичу Дейнеке (1899–1969) и Александру Николаевичу Самохвалову (1894–
1971) и скульптору Вере Игнатьевне
Мухиной (1889–1953). Их «Физкультурники», «Доярки», «Метростроевки» порой больше напоминают плакаты, но в то же время впечатляют
своей яркостью, силой, точно схваченными типажами и настроением.
Монументальная 25-метровая скульп
турная группа «Рабочий и колхозница» Мухиной, выполненная из нержавеющей стали, стала одним из самых
узнаваемых символов советского
времени.

Сергей Малютин
«Портрет Дмитрия
Фурманова» (1922)
«Говорящий»
портрет: перед
нами — военный
и писатель

После Великой
Отечественной
войны
параллельно
с соцреализмом
стало развиваться
неофициальное
искусство —
андеграунд

ВЫДАЮЩИЕСЯ
МАСТЕРА
СОЦРЕАЛИЗМА
Вера Мухина
Александр
Самохвалов
•• Александр
Дейнека
•• Исаак Бродский
••
••

Митрофан Греков «Трубачи Первой конной» (1934)
Художник известен в первую очередь как баталист

Аркадий Рылов «Ленин в Разливе в 1917 году» (1934)

Исаак Бродский «В. И. Ленин в Смольном» (1930)
Полотна Бродского тиражировались тысячи раз

Исаак Бродский «Расстрел 26 бакинских комиссаров» (1925)

100

Глава XIV

ЭКСПРЕССИОНИЗМ:
БЕЗЗВУЧНЫЙ КРИК И ГАРМОНИЯ ХАОСА
То, что я ищу, не является реальным и не нереальным,
а скорее подсознательным,
тайной инстинктивного в человеческом роде.
А. Модильяни
Реакцией на военные и революционные потрясения в Европе начала ХХ века стал напряженный, эмоциональный,
«изломанный» экспрессионизм. Он вобрал в себя наследие нескольких предшествующих стилей и направлений
и оставил яркий и необычный след в искусстве.
Черты экспрессионизма можно
найти в произведениях разных
эпох — например, их часто
видят в готике
или в творчестве
Эль Греко

ЭКСПРЕССИОНИЗМ НАШЕЛ
ОТРАЖЕНИЕ
В литературе
и музыке
•• В театре и танце
•• В кинематографе
••

ПРЕДШЕСТВЕННИКИ
Экспрессионизм вряд ли возник бы
без французского постимпрессионизма (буквально: «после импрессионизма») конца XIX — начала XX века.
Имена выдающихся художников‑
постимпрессионистов знакомы всем,
даже тем, кто абсолютно далек от искусства: Винсент Ван Гог (1853–1890),
Поль Гоген (1848–1903), Поль Сезанн
(1839–1906).
В своих работах они пошли дальше
реалистов и импрессионистов, которые стремились запечатлеть неприукрашенную действительность или
передать сиюминутное впечатление.
Постимпрессионистам было важно
изобразить основные элементы существующего миропорядка. Их интересовала суть жизни, ее философские
основания. Простые предметы, например ботинки на картине Ван Гога или

Экспрессионизм: беззвучный крик и гармония хаоса

зеленые бутыли на полотне Сезанна,
превращались в символы, «говорили»
со зрителем языком ассоциаций.
Непосредственными предшественниками экспрессионизма считают
так называемых фовистов (от фр. les
fauves — дикие). Их полотна полны
силы и страсти, сюжеты эмоциональны, цвета чисты, резки и контрастны.
О фовистах заговорили после парижского Салона 1905 года. В этом стиле
творили Анри Матисс (1869–1954), Андре Дерен (1880–1954), Шарль Камуан (1879–1965).
ФИЛОСОФИЯ ТРЕВОГИ.
ИСТОРИЯ ТЕРМИНА
Чтобы понять экспрессионизм
(от лат. expressio — выражение), нужно представить себе эпоху, в которую
он был рожден. Период конца XIX —
начала XX века остался в истории как
время тяжелейших потрясений. Назревала Первая мировая война. Все
больше стран затягивало в омут революций и гражданских войн. Это был
период жесточайшего нравственного
и эстетического кризиса: человек терял нравственные ориентиры и в ужасе застывал, созерцая происходящее.
Таким получилось и искусство, ставшее ответом художников на вызов
окружающей их реальности.
Экспрессионисты воздействовали
на зрителя резко и напористо: сознательно искажали формы предметов,
использовали мрачные или, наоборот,

101

Амедео Модильяни
«Невеста и жених»
(1916)
Приметы
экспрессионизма
сочетаются
с легкой иронией
по отношению
к персонажам

«Я рисую не женщин — я рисую картины»
(А. Матисс)

Более 20 полотен
Амедео Модильяни
изображают его
гражданскую жену
Жанну Эбютерн

102

Эдвард Мунк
«Крик» (1893)
Один из четырех
вариантов картины

В 1911 году
в Мюнхене
возникла группа художников
«Синий всадник» во главе
с В. Кандинским.
По сравнению
с другими экспрессионистами,
произведения
«всадников»
были более гармоничны

«С момента моего рождения ангелы
тревоги, беспокойства и смерти были
всегда рядом»
(Э. Мунк)

Глава XIV

кричаще-яркие цвета. Один из самых
распространенных мотивов их картин — крик боли. Полотна экспрес
сионистов — настоящий гимн пессимизму и отчаянному бунтарскому
порыву, двум граням одного и того же
состояния бессилия.
Понятие «экспрессионизм» впервые
использовал в 1910 году чешский искусствовед Антонин Матейчек. «Экспрессионист желает, превыше всего,
выразить себя… Впечатления и умственные образы проходят через человеческую душу как через фильтр,
который освобождает их от всего наносного, чтобы открыть их чистую
сущность», — писал он. Но само явление в искусстве, о котором он говорил, появилось гораздо раньше, чем
термин.
ЭДВАРД МУНК. «МОСТ».
АМЕДЕО МОДИЛЬЯНИ
Между 1893 и 1910 годами норвежец
Эдвард Мунк (1863–1944) создал четыре экземпляра одной и той же картины
под названием «Крик». Это самая известная его работа, ставшая визитной
карточкой экспрессионизма. На ней
изображен человек, раскрывший рот
в безмолвном вопле ужаса, и эта эмоция бьет по нервам зрителя: ему начинает казаться, что кроме этого крика нет ничего, что он заполняет собой
весь окружающий мир.
Мунк так описывал источник своего вдохновения: «Я шел по тропинке

103

Экспрессионизм: беззвучный крик и гармония хаоса

с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво‑красным, я приостановился,
чувствуя изнеможение, и оперся на забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом
и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий
природу».
В Германии основоположниками
экспрессионизма стали художники
из объединения «Мост», созданного
в 1905 году. Несколько студентов‑архитекторов: Фриц Блейль, Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хеккель и Карл
Шмидт-Ротлуф — объединились в артель. В тесном сотрудничестве они разработали своеобразный общий стиль
и писали в столь точном соответствии
ему, что установить авторство картины по манере, почерку художника зачастую не удается.
Известнейшим представителем стиля стал итальянец Амедео Модильяни
(1884–1920). При жизни его работы не были оценены по достоинству.
Признание пришло к выдающемуся
экспрессионисту лишь после смерти.
Больше всего художника интересовали люди, и он писал их, пренебрегая всеми другими жанрами. Сохранилось лишь несколько пейзажей его
авторства, все остальное наследие
Модильяни — портреты.

Закат экспрессионизма наступил
в 1930‑е годы —
придя к власти,
нацисты
заклеймили это
направление как
«дегенеративное»

ЭКСПРЕССИОНИСТЫ ПОСЛЕ
1930‑Х ГОДОВ
Оскар Кокошка
(Австрия)
•• Конрад
Феликсмюллер
(Германия, ГДР)
•• Фрэнсис Бэкон
(Великобритания)
••

ИЗВЕСТНЫЕ ЭКСПРЕССИОНИСТЫ
Август Маке
(Германия)
•• Франц Марк
(Германия)
•• Жорж Руо
(Франция)
•• Эдвард Мунк
(Норвегия)
•• Амедео Модильяни
(Италия)
••

Август Маке
«Модная витрина» (1913)
Маке — художник с ярким,
узнаваемым стилем

Отто Мюллер
«Автопортрет
с пентаграммой» (1924)
Мюллер был членом
группы «Мост»
с 1910 года

Амедео Модильяни «Обнаженная на голубой подушке» (1917)
«Меня интересует человеческое существо...» (А. Модильяни)

105

Кубизм: приоритет формы

КУБИЗМ: ПРИОРИТЕТ ФОРМЫ
Если ты стремишься изучать искусство,
то изучай кубизм.
К. С. Малевич
В начале ХХ века в связи с затянувшимся кризисом «классики» искусство находилось в непрерывном поиске новых,
оригинальных форм отображения чувств и эмоций. Одной из таких форм стал кубизм. Кубисты попытались пересмотреть все принципы и методы, созданные художниками ранее.
ТРИ
КУБИСТИЧЕСКИХ
ШЕДЕВРА
ПИКАССО

МАНИПУЛЯЦИИ С ГЕОМЕТРИЕЙ
Кубизм зародился в первой четверти XX века во Франции и в основном
проявился в живописи. Художники-кубисты отказались от перспективы —
классической техники изображения
объемных тел на плоском полотне,
при которой стараются воспроизвести
кажущееся уменьшение отдаленных
объектов, свойственное реальности.
Вместо этого приверженцы кубизма
представляли пространство и все объекты внутри него как сумму плоскостей. Реальные фигуры при этом изображались в виде некоего «каркаса».
Можно ли так представить, например, живое существо? С точки зрения
кубистов — да! На их полотнах объекты и персонажи представляют собой соединение отдельных геометрических фрагментов: кубов, овалов, треугольников и так далее. Только так, по мнению кубистов, можно
было постичь суть изображаемых

«Сидящая
женщина»
(Эрмитаж)
•• «Гитара» (Музей
изобразительного искусства,
Нью-Йорк)
•• «Три женщины»
(Эрмитаж)
••

«Я изображаю предметы так, как я думаю о них, а не так,
какими я их вижу»
(П. Пикассо)

106

Хуан Грис «Портрет
Пабло Пикассо»
(1912)
Именно Пикассо
считают отцом
кубизма

ТРИ ШЕДЕВРА
Ж. БРАКА
«Кларнет»
(Музей современного искусства, Нью-Йорк)
•• «Женщина с гитарой» (Центр
Помпиду)
•• «Музыкант» (Художественный
музей, Базель)
••

«Кубизм есть только новый способ представления вещей»
(Х. Грис)

Глава XV

людей и предметов: разбивая их на
части и анализируя.
Некоторые искусствоведы считают предшественником, даже отцом
кубизма постимпрессиониста Поля
Сезанна. Они называют периодом
«сезанновского кубизма» конец XIX —
начало ХХ века, когда художник написал «Гору Сент-Виктуар со стороны
Бельвю» и «Горы в Провансе». На этих
картинах действительно можно заметить игру с цветовыми плоскостями
и некоторую мозаичность. Кроме того,
именно Сезанн рекомендовал молодому испанцу Пабло Пикассо рассматривать натуру как единство, состоящее
из множества геометрических форм.
«КУБИЧЕСКИЕ ПРИЧУДЫ»
Первой картиной в жанре кубизма
принято считать «Авиньонских девиц»
Пикассо, а временем зарождения этого
нового стиля — 1906–1907 годы, когда Пикассо начал экспериментировать
с геометрией, изображая объекты реальности в виде соединения абстрактных фигур. Предположительно, на эту
идею его натолкнуло увлечение традиционной африканской культурой.
Окончательно сформироваться новому стилю помогло знакомство Пикассо с художником Жоржем Браком.
Позже к двум соавторам присоединились и другие единомышленники.
Слово «кубизм», как водится, появилось случайно: в 1908 году критик
Луи Воссель назвал картины Брака

107

Кубизм: приоритет формы

и Пикассо «кубическими причудами»,
и этот термин прижился.
АНАЛИТИЧЕСКИЙ
И СИНТЕТИЧЕСКИЙ КУБИЗМ:
1909–1914 ГОДЫ
Художники-кубисты — Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис — постепенно продвигались в своих экспериментах все дальше. На ранних картинах
кубистов связь с действительностью
еще не утрачена: на них вполне возможно разглядеть предметы и лица
сквозь геометрические формы.
По мере развития стиля росла и степень «кубичности» объектов и фигур:
они всё меньше напоминали реальные
прототипы. Грань между пространством и формой практически исчезла. Даже цветовую палитру кубисты
стали использовать бледную, приглушенную — чтобы зритель, созерцая
картину, не отвлекался от познания
сути вещей через форму. Этот период
называют аналитическим кубизмом.
На этом, однако, история развития
кубизма не закончилась: творцы продолжали свои игры с объемом и формой, окончательно отдаляясь от традиционного изобразительного искусства.
Пикассо и его соратники наклеивали
на холсты куски газет и вырезанные
из бумаги фигуры, спички и другие
мелкие предметы, пытаясь создавать
из них некие целостные образы, вызывающие определенное впечатление
у зрителя.

Пикассо
сотрудничал
с «Русским
балетом»
С. П. Дягилева
в качестве
сценографа.
Оба остались
очень довольны
разразившимся
среди эстетов
скандалом

РУССКИЕ
И СОВЕТСКИЕ
КОНСТРУКТИВИСТЫ
Александр
Родченко
•• Владимир
Татлин
•• Моисей
Гинзбург
••

«Цель не в воспроизведении повествовательного факта,
а в произведении
акта живописного.
Сюжет не является
объектом»
(Ж. Брак)

108

Глава XV

Но вскоре они прекратили подобные
опыты. Художники пришли к выводу,
что истинному мастеру все эти дополнения ни к чему, достаточно лишь красок и кистей. И хотя в 1920‑е годы начался постепенный закат кубизма, его
влияние ощущалось в живописи еще
долгие годы.
Хуан Грис
«Жалюзи» (1914)
Образец
«синтетического»
кубизма

Многие полотна
Пикассо,
находящиеся
ныне в российских
музеях, были
куплены
предпринимателем
и коллекционером
С. И. Щукиным

РУССКИЙ КУБИЗМ
В России кубизм как самостоятельный стиль не получил распространения, однако существовал как переходная стадия к другим новаторским
течениям в живописи, в частности к кубофутуризму. Элементы кубизма обнаруживаются на картинах Н. И. Альт
мана (1889–1970), А. В. Лентулова
(1882–1943), Р. Р. Фалька (1886–1958).
В некотором смысле близок кубизму
советский конструктивизм в архитектуре, предполагавший использование
строгих геометрических функциональных схем и полный отказ от украшательства.
ИЗВЕСТНЕЙШИЕ МАСТЕРА КУБИЗМА
•• Пабло Пикассо
•• Жорж Брак
• • Хуан Грис

Поль Сезанн
«Горы в Провансе»
(ок. 1890)
В этой картине ряд
искусствоведов
находят зачатки
кубизма

Богумил Кубишта
«Пьеро» (1911)
В Чехии кубизм
развивался весьма
плодотворно

110

Глава XVI

АБСТРАКЦИОНИЗМ:
ЯЗЫК ПЯТНА, ЛИНИИ И ЦВЕТА
Форма, даже если она абсолютно абстрактна
и подобна геометрической,
имеет свое внутреннее звучание.
В. В. Кандинский
Абстракционизм, с одной стороны, предельно упрощает художественный язык и дает творцу право отказаться
от «изобразительности». С другой стороны, благодаря переходу к символам и ассоциациям, он открывает новые горизонты и перед художником, и перед зрителем.
ПОЛНАЯ СВОБОДА!

Василий
Кандинский
«Точки» (1920)
Художник
разработал
концепцию
«ритмического»
использования
цвета

Направление искусства, названное абс тракционизмом (от лат.
abstractio — отвлечение, удаление),
предполагает полный отказ от реалистичного изображения действительности. При этом чувства, мысли и идеи
выражаются через сочетания цветов
и различных геометрических фигур,
линий, пятен.
Легко представить типичный диалог
посетителей «абстракционистской»
выставки:
— Ну и что все это означает — все
эти пятнышки и черточки?
— Да как же ты не понимаешь! Художник хочет нам сказать, что…
Абстракционизм словно предлагает зрителю самому дописать картину, разглядев за ее символикой авторскую идею. А поскольку ничего
похожего на реальность на картинах

111

Абстракционизм: язык пятна, линии и цвета

абстракционистов не изображено,
смысл приходится отыскивать через
ассоциации.
Таким образом, художник обретает полную свободу: его фантазию
не ограничивает ничего, кроме собственного вкуса, чувства цвета и соразмерности. Но такая же свобода интерпретации дана и зрителю: каждый
человек может увидеть на картине этого жанра что-то свое…
НАЧАЛО АБСТРАКЦИОНИЗМА.
ВАСИЛИЙ КАНДИНСКИЙ
Одним из основоположников абстракционизма считают выдающегося русского живописца Василия Кандинского (1866–1944). К этому стилю
художник пришел еще в начале 1910‑х
годов в результате долгих творческих
и духовных исканий.
Он обращался к экспрессионизму,
интересовался синтезом цвета и музыки и даже написал книгу «О духовном в искусстве», где много рассуждал
о важности познания не внешней формы, а внутреннего содержания вещей.
В результате этих размышлений художник отказался от изображения реальных объектов и решил, что гораздо важнее язык ассоциации.
Многое Кандинский взял и от символистов: к этому стилю, в частности,
восходит его понимание черного как
символа смерти, белого — как рождения, красного — как мужества. Горизонтальная линия на его абстрактных

Благодаря
символической
основе многие
сравнивают
абстракционизм
с иероглификой,
«тайнописью»

«Предметность
вредна моим картинам»
(В. В. Кандинский)

АБСТРАКЦИИ
В. КАНДИНСКОГО
«В сером»
(Центр
Помпиду)
•• «Картина
на светлом
грунте»
(Центр
Помпиду)
•• «Пейзаж
с красной
точкой» (Музей
Гуггенхайма)
••

112

Глава XVI

полотнах означает пассивность, вертикальная — напротив, активное начало.
«ЧЕРТЕЖ МИРА»: ПИТ МОНДРИАН

Пит Мондриан
«Композиция в овале с цветными
плоскостями I»
(1914)
Работы Мондриана
оказали влияние
на творчество Ива
Сен-Лорана

Если абстрактная
картина строится
на соотношении
линий и цветных
пятен,
то в абстрактной
скульптуре
сочетаются
объемные
и плоские
геометрические
формы

Нидерландский художник-абстракционист Пит (Питер Корнелис) Мондриан (1872–1944) вместе с группой
единомышленников основал журнал
«Стиль», где провозгласил основной
принцип нового направления: создание образа мира с помощью разноцветных прямоугольников, отделенных
друг от друга черной линией.
По мнению Мондриана, именно таким
образом, с помощью «чистой пластики», можно было создать «чистую реальность». В результате этих экспериментов появилось множество похожих
друг на друга абстрактных композиций,
которые художник обозначал буквами или просто нумеровал по порядку.
Позже его идеи использовали в своих работах итальянские художники-конкретисты — представители
так называемого конкретного искусства: их очень вдохновило утверждение Мондриана, что конкретны лишь
линия, цвет и плоскость. Из этих трех
элементов их картины и состояли.
ТАЙНЫЙ СМЫСЛ
«ЧЕРНОГО КВАДРАТА».
АБСТРАКЦИОНИЗМ В СССР
Казимир Малевич (1878–1935) шагнул
дальше абстракционистов Кандинского и Мондриана. Пройдя через период

113

Абстракционизм: язык пятна, линии и цвета

увлечения импрессионизмом и кубизмом, в 1915 году он создал свою собственную систему абстрактной живописи и дал ей название супрематизм (от фр.
supreme — высший).
Главным произведением супрематизма был объявлен знаменитый «Черный квадрат». По мнению художника,
этот обычный черный квадрат на белом фоне являлся «супрематической
клеткой», или, другими словами, базовой формой для любой абстракции.
В своих статьях Малевич категорично
утверждал, что классический подход
к изобразительному искусству давно изжил себя. Тем не менее в начале 1930‑х годов художник вернулся
к реалистичной живописи.
Но вот парадокс: кто помнит его
«обычные» полотна? А о «Черном квадрате» знают все. Возможно, в идее базовой формы что-то есть… даже если
это была просто шутка художника.
В 1920‑е годы под давлением государственной идеологии все авангардные направления в советском искусстве постепенно были свернуты.
Абстракционизм вернулся в СССР
лишь в 1950‑х годах, в период так называемой хрущевской оттепели. Е. Михнов‑Войтенко, Л. Грибков, В. Преображенская, Ю. Злотников — вот лишь
несколько отечественных художников
того времени, работавших в этом стиле.
Абстракционизм как направление
живописи не исчерпал себя и по сию
пору.

Сам К. Малевич
датировал свой
«Черный квадрат»
не 1915 годом,
а 1913‑м: именно
тогда, по его
утверждению,
и родился замысел
супрематизма

АБСТРАКЦИИ
К. МАЛЕВИЧА
«Белое на белом» (Музей
современного
искусства, НьюЙорк)
•• «Письменный
стол и комната»
(Городской музей, Амстердам)
•• «Портрет
М. В. Матюшина» (Третьяковская галерея)
••

ИЗВЕСТНЕЙШИЕ
МАСТЕРА
КУБИЗМА
Пит Мондриан
Казимир Малевич
•• Василий
Кандинский
••
••

Василий Кандинский
«Безымянная
импровизация III» (1914)
«Со всех сторон несутся
голоса, и мир звучит»
(В. Кандинский)

Пит Мондриан
«Дюна III» (1909)
Дюны представали
в творчестве художника
в самых разных обличьях

Казимир Малевич
«Письменный стол
и комната» (1913)
«Интуитивная форма
должна выйти
из ничего» (К. Малевич)

Сюрреализм: пробуждение бессознательного

115

СЮРРЕАЛИЗМ:
ПРОБУЖДЕНИЕ БЕССОЗНАТЕЛЬНОГО
Безумие для меня весьма питательно,
а произрастает оно из шутовства.
С. Дали
Сюрреализм зародился в первые десятилетия XX века
во Франции и стал популярным во всем мире. Это одно
из самых многогранных направлений в искусстве. Представителей этого стиля по большому счету роднит лишь
основа их творчества: подсознание, сон, фантазия, гипнотическое воздействие…
ОСВОБОЖДЕНИЕ ДУХА
Сюрреализм (фр. surrеˆa lisme —
сверхреализм) как художественное направление оформился в 1920‑х годах.
Поначалу он обрел последователей
в литературе и только потом — в живописи и других жанрах изобразительного искусства. Впервые это понятие
использовал в 1917 году поэт Гийом
Аполлинер в манифесте «Новый дух».
Философской основой для сюрреализма стали популярные в то время работы Зигмунда Фрейда, предлагавшего людям заглянуть в глубины своего
подсознания, а также труды представителей левых политических партий
и движений, которые призывали совершить революцию не только в капиталистических странах, но и в умах.
Для всего этого требовалось освободиться от реального в пользу иррационального, «вне-разумного».

Гюстав Моро
«Фаэтон» (1878)
Этот художник
оказал большое
влияние
на сюрреалистов

116

Андре Бретон
специально
посещал
психиатрические
лечебницы,
чтобы зарисовать
и записать сны
и фантазии
пациентов

«СЮР»
КАК ОН ЕСТЬ
Художница
Мерет Оппенгейм
однажды
представила
на выставке
чашку и блюдце,
оклеенные
мехом, обыграв
парадокс:
приятно для
прикосновений,
но отвратительно
на вкус

«Мои картины —
не сны усыпляющие,
а сны пробуждающие»
(Р. Магритт)

Глава XVII

«Манифест сюрреализма», созданный в 1924 году поэтом и писателем
Андре Бретоном, гласил: «Среди множества доставшихся нам в наследство невзгод нам была предоставлена
и величайшая свобода духа. Мы недостаточно ею злоупотребляем. <…>
реалистическая точка зрения… представляется мне глубоко враждебной
любому интеллектуальному и нравственному порыву. Она внушает мне
чувство ужаса, ибо представляет собой плод всяческой посредственности, ненависти и плоского самодовольства».
ПОТОК СОЗНАНИЯ
И ДОСТОВЕРНОСТЬ НЕВОЗМОЖНОГО
Сюрреалисты-художники придерживались двух основных концепций.
Первая заключалась в бессознательном и автоматическом создании
картин, порой вообще без осознанного участия художника. Сюрреалист Макс Эрнст (1891–1976), например, так описывал изобретенную им
методику: «Привяжите пустую консервную банку на веревку метр или
два длиной, продырявьте дно, наполните ее краской пожиже и раскачивайте ее <…> над лежащим холстом».
Другой представитель этого направления, Жоан (Хуан) Миро (1893–
1983), создавал полотна, близкие
к абстракционизму. Они представляли собой набор произвольных линий и пятен.

117

Сюрреализм: пробуждение бессознательного

Самый известный сторонник второй
концепции сюрреалистической живописи — Сальвадор Дали (1904–1989),
считавший, что на холст следует как
можно тщательнее переносить образы
из собственного подсознания.
Работы Дали отличаются точной передачей перспективы и умелой игрой
со светотенью. Именно талант и мастерство художника, а не только его
фантастические творения, порой отталкивающие, а порой юмористические, сделали Дали одним из самых
известных сюрреалистов XX века.
Дали заявлял: «Сюрреализм —
это я!», но при этом никогда не останавливался на каком-либо одном
найденном приеме. Художников, пренебрегающих тонкостями художественного мастерства, он считал скорее ленивцами, чем гениями.
Многие х удожники, творившие
в стиле сюрреализма, например мексиканка Фрида Кало (1907–1954), часто обращались к сказочным, фольклорным, мифологическим мотивам
и образам.
ЖИВОПИСНЫЙ РЕБУС.
НОВЫЕ СТИЛИ
Еще один известный представитель сюрреализма, бельгиец Рене
Магритт (1898–1967), писал вроде бы
самые обычные предметы — при этом
они оставались вполне узнаваемыми,
а не превращались, как у других сюрреалистов, в собственные расплывчатые

CЮРРЕАЛИСТЫ
В КИНЕМАТОГРАФЕ И ТЕАТРЕ
Жан Кокто
Луис Бунюэль
•• Дэвид Линч
••
••

«Сюрреализм —
не партия, не ярлык, а единственное
в своем роде состояние духа, не скованное ни лозунгами,
ни моралью»
(С. Дали)

Сальвадор
Дали в юности
был исключен
из Академии
Сан-Фернандо
«за высокомерное и пренебрежительное
отношение
к преподавателям»

118

Именно Сальвадор
Дали разработал
дизайн этикетки
для леденца
чупа-чупс

СЮРРЕАЛИСТЫ
СЕРЕДИНЫ
XX ВЕКА
Ив Танги
Джорджо
Кирико
•• Поль Дельво
••
••

ПРЕДУСМОТРИТЕЛЬНОСТЬ
Однажды Дали
явился на выставку в водолазном
костюме, заявив,
что намерен «спус
титься в глубины
подсознания»

«Считают, что я сюрреалист. Но я никогда не рисовала сны.
Я рисовала мою реальность»
(Ф. Кало)

Глава XVII

тени. Но их сочетание на картинах Магритта было воистину сюрреалистическим, оно повергало зрителя в недоумение и заставляло его задуматься.
Его картины похожи на ребусы, в которых зашифрован смысл бытия. Это ощущение подчеркивается слегка отстраненной художественной манерой Магритта.
Художник как бы намекает зрителю, что
вещи, будь то яблоко, гитара или курительная трубка, далеко не всегда являются тем, чем выглядят. Известен целый
цикл его работ, где под каждым предметом написано: «Это не он».
По мнению многих искусствоведов, сюрреализм определенно повлиял на развитие других стилей. Среди них можно
назвать фантастический реализм и виженари арт — направление, представители
которого экспериментировали с изменением сознания, перенося на холст возникшие в этом состоянии образы.
Наиболее популярные представители
фантастического реализма — Рудольф
Хауснер (1914–1995), Эрнст Фукс (род.
1930), Од Нердрум (род. 1944) и Ганс
Гигер (1940–2014), придумавший внешний вид инопланетян в фантастическом
фильме «Чужой» (1979).
ВЫДАЮЩИЕСЯ МАСТЕРА
СЮРРЕАЛИЗМА
•• Сальвадор Дали
•• Макс Эрнст
•• Жоан Миро
•• Фрида Кало
• • Рене Магритт

Пауль Клее
«Женщина и зверь» (1904)
В дальнейшем Клее
отдавал предпочтение
абстракционизму

Яцек Мальчевский «Смерть» (1902)
Грань между символизмом
и сюрреализмом провести
достаточно сложно

Одилон Редон «Химера»
(1883)
Фантазии Редона
уже в конце XIX века
были «чисто
сюрреалистическими»

120

Глава XVIII

ИСКУССТВО ЯПОНИИ И КИТАЯ:
ТРАДИЦИИ, НАСЛЕДИЕ, СТИЛИЗАЦИЯ
Если ты хочешь нарисовать птицу,
ты должен стать птицей.
Кацусика Хокусай
На протяжении столетий богатейшая культура Японии
и Китая развивалась почти в полной изоляции от Европы и России. Более или менее активное взаимодействие
с Китаем началось только в XVIII веке, с Японией — и того
позднее, во второй половине XIX века. Однако это не помешало самобытному искусству Восточной Азии занять достойное место в мировой истории.
Принадлежности
для рисования
и письма — кисть,
тушь, бумагу
и тушницу —
в Китае называли
«четырьмя
драгоценностями»

ЗНАМЕНИТЫЕ
ЯПОНСКИЕ
ХУДОЖНИКИ
Хисикава
Моронобу
(1618–1694)
•• Судзуки Харунобу
(1724–1770)
•• Кацусика Хокусай
(1760–1849)
••

КИТАЙ. ОСОБЕННОСТИ
Китайское искусство формировалось совершенно иначе, чем европейское. В нем не было последовательной смены разных стилей, да и сами
стили отличались не столько творческим методом, сколько применением
тех или иных материалов и технических приемов.
Китайские мастера много внимания уделяли теоретическим вопросам: в трактатах об искусстве, например, описаны восемнадцать видов
контурных линий и шестнадцать видов мазков, подходящих для изображения гор.
Китайская художественная традиция основана на созерцании природы. Личность художника в ней имеет
второстепенное значение, а искусство не так подвержено внешним

Искусство Японии и Китая

121

влияниям, как европейское. Живописец в Китае не столько выражал себя,
сколько запечатлевал окружающий
мир, стараясь передать всю его сложность и красоту. Стили при этом различались не манерой письма, а тем, какое
именно состояние пейзажа требовалось изобразить: «бегущий поток»,
«бамбуковый лист на ветру», «небеса,
прояснившиеся после снегопада»…
ТРАДИЦИИ КИТАЯ
И ПРИРОДА ЯПОНИИ
Китайская национальная живопись
получила название гохуа, что в переводе означает «живопись нашей страны». Это очень древнее искусство,
неразрывно связанное с развитием
каллиграфии. У них можно обнаружить много общего: материалы, инструменты и техника письма — не объемная, а линейная, без использования
цветов и светотени.
Традиционная китайская картина написана тушью или акварелью на шелке, хлопке, пеньковой ткани или
на специальной бумаге и выполнена
в форме свитка, вертикального или
горизонтального. Изображение создается с помощью кистей разной толщины, от пяти миллиметров до пяти
сантиметров.
Японцы издревле обожествляли
природу и воспевали ее как в литературных памятниках, так и в произведениях скульптуры и живописи.
Скульптура — самый древний жанр

Го Си «Ранняя
весна» (ок. 1072)
Этот художник
был мастером
монохромного
пейзажа

Технологию
изготовления
фарфора в Китае
держали в секрете,
мастерам Европы
и России пришлось
изобретать его
самостоятельно

122

Судзуки Харунобу
«Две женщины
на веранде»
(ок. 1750)
Пример гравюры
укиё-э

ШИНУАЗРИ
В ЕВРОПЕ
«Китайский
чайный домик»
в Сан-Суси
(Германия)
•• «Китайская деревня» в Дроттнингхольме
(Швеция)
•• «Большая
пагода» в «садах
Кью» (Великобритания)
••

Глава XVIII

японского искусства: первые идолы« дог у » появи лись з десь еще
за несколько тысяч лет до начала нашей эры. Дальнейшее развитие скульптуры было тесно связано с распространением в Японии буддизма.
Самые древние японские картины
представляли собой яркие горизонтальные свитки, на которых изображались в основном пейзажи или сюжеты
литературных произведений. Самые
ранние из них датированы X веком.
Позже в Стране восходящего солнца приобрела популярность монохромная акварель, а в первой половине XVII века появился жанр цветной
ксилографии (гравюры на дереве) —
укиё-э (буквально: плывущий мир).
На таких гравюрах обычно изображались сцены из повседневной жизни
японских горожан.
ИЗЯЩНАЯ «КИТАЙЩИНА»
И «ЯПОНИЗМ»
После того как европейцы установили постоянные контакты с Ост-Индией и познакомились с китайским изобразительным искусством, в западных
странах родилось особое направление — шинуазри (от фр. chinoiserie),
или «китайщина». Оно распространилось на живопись, декоративно-прикладное искусство, костюм, ландшафтный дизайн. В оформлении интерьеров
вошли в моду ширмы и фарфоровая
посуда, в архитектуре — очертания
пагод, в костюме — цвета и линии,

123

Искусство Японии и Китая

характерные для китайской живописи на шелке.
Шинуазри считается ветвью европейского рококо.
Японское искусство стало источником вдохновения для многих европейских художников. В частности,
Сезанн и Моне создали целые серии
работ на основе традиционной японской цветной гравюры. Повлияла она
и на творчество Винсента Ван Гога: он
с увлечением изучал произведения мастера укиё-э Хокусая. К «японизму»
относят некоторые работы американского художника Уистлера, который
жил и творил в Великобритании.
Влияние японской культуры чувствуется также во многих произведениях
стиля модерн: оно отразилось в узорах, орнаментах, форме ваз, посуды.
Что касается России, к нам мода
на японские мотивы пришла из Европы в конце XIX — начале XX века
и ярче всего проявилась в творчестве
Александра Бенуа (1870–1960), Льва
(Леона) Бакста (1866–1924), Евгения
Лансере (1875–1946) и других живописцев — членов российского художественного объединения «Мир искусства».

В Японии,
как и в Китае,
каллиграфия
считается одним
из искусств
и носит название
сёдо («путь
письма»)
ШИНУАЗРИ
В РОССИИ
«Китайская
деревня»
в Царском Селе
•• «Китайский
дворец»
в Ораниенбауме
•• «Китайские
кабинеты»
Большого
дворца
в Петергофе
••

ХУДОЖНИКИ,
ИСПЫТАВШИЕ
ВЛИЯНИЕ
«ЯПОНИЗМА»
Джеймс Тиссо
(Франция)
•• Ганс Макарт
(Австрия)
•• Мэри Кассат
(США)
•• Обри Бердслей
(Великобритания)
••

Кацусика Хокусай
«Большая волна
в Канагаве» (ок. 1820-х)
Стиль Хокусая оказал
влияние в том числе
и на искусство модерна

Винсент Ван Гог «Куртизанка»
(1887)
Художник использовал приемы
и стилистику японской
живописи

Джеймс Уистлер
«Принцесса фарфора» (1864)
Еще один пример
«японизма»

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ
1. Антология французского сюрреализма. 20-е годы / сост.
Гальцова Е., Исаев С. — М.: ГИТИС, 1994.
2. Баренбойм П., Шиян С. Микеланджело. Загадки Капеллы
Медичи. — М.: Слово, 2006.
3. Берковский Н. Романтизм в Германии. — Л.: Художественная литература, 1973.
4. Боннар А. Греческая цивилизация. — М.: Искусство, 1992.
5. Борисова Е., Стернин Г. Русский модерн. — М.: Советский
художник, 1990.
6. Вейс Г. История культуры народов мира. — М.: Эксмо, 2005.
7. Власов В. Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства. В 10 т. — СПб.: Азбука-классика, 2004.
8. Гнедич П. П. История искусств. — М.: Эксмо, 2002.
9. Гомбрих Э. История искусства. — М.: АСТ, 1998.
10. Грановский Т. Н. Лекции по истории средневековья. —
М.: Наука, 1986.
11. Даркевич В. П. Народная культура средневековья. —
М.: Наука, 1988.
12. Дюби Ж. Европа в Средние века. — Смоленск: Полиграмма, 1994.
13. Кандинский В. О духовном в искусстве. — М.: Архимед,
1992.
14. Карев А. А. Классицизм в русской живописи. — М.: Белый
город, 2003.
15. Креспель Ж. Повседневная жизнь импрессионистов. 1863—
1883. — М.: Молодая гвардия, 1999.
16. Крючкова В. Кубизм. Орфизм. Пуризм. — М.: ОЛМА-Пресс,
2000.
17. Нащокина М. Архитекторы московского модерна. —
М.: Жираф, 1998.
18. Нащокина М. Московский модерн. — М.: Жираф, 2005.
19. Некрасова Е. Романтизм в английском искусстве. —
М.: Искусство, 1975.
20. Серрюль А., Серрюль М. Энциклопедия импрессионизма. —
М.: Республика, 2005.
21. Стирлен А. Искусство ислама. — М.: АСТ, 2003.

126

Список литературы

22. Товарищество передвижных художественных выставок.
Письма и документы. — М.: Искусство, 1987.
23. Федоров Ф. П. Романтический художественный мир: пространство и время. — Рига: Зинатне, 1988.
24. Шеньо-Жандрон Ж. Сюрреализм. — М.: НЛО, 2002.
25. Энциклопедический словарь экспрессионизма. — М.: ИМЛИ
РАН, 2008.
26. Яйленко Е. В. Итальянское Возрождение. — М.: ОЛМА-пресс,
2005.

Èçäàíèå äëÿ äîñóãà
ÝÍÖÈÊËÎÏÅÄÈß ÁÛÑÒÐÛÕ ÇÍÀÍÈÉ

ÈÑÊÓÑÑÒÂÎ. ÄËß ÒÅÕ, ÊÒÎ ÕÎ×ÅÒ ÂÑÅ ÓÑÏÅÒÜ
Äèðåêòîð ðåäàêöèè Å. Êàïü¸â
Îòâåòñòâåííûé ðåäàêòîð Î. Îðëîâà
Õóäîæåñòâåííûé ðåäàêòîð À. Íîâèêîâ
Â îôîðìëåíèè îáëîæêè èñïîëüçîâàíà
êàðòèíà Âèíñåíòà âàí Ãîãà (1853—1890) «Çâåçäíàÿ íî÷ü» (1889)

Ñâåäåíèÿ î ïîäòâåðæäåíèè ñîîòâåòñòâèÿ èçäàíèÿ ñîãëàñíî
çàêîíîäàòåëüñòâó ÐÔ î òåõíè÷åñêîì ðåãóëèðîâàíèè
ìîæíî ïîëó÷èòü ïî àäðåñó: http://eksmo.ru/certification/
Өндірген мемлекет: Ресей
Сертификация қарастырылмаған
Ïîäïèñàíî â ïå÷àòü 26.03.2015.
Ôîðìàò 84x1081/32. Ïå÷àòü îôñåòíàÿ. Óñë. ïå÷. ë. 6,72.
Òèðàæ
ýêç. Çàêàç

Оптовая торговля книгами «Эксмо»:
ООО «ТД «Эксмо». 142700, Московская обл., Ленинский р-н, г. Видное,
Белокаменное ш., д. 1, многоканальный тел. 411-50-74.
E-mail: reception@eksmo-sale.ru
По вопросам приобретения книг «Эксмо» зарубежными оптовыми
покупателями обращаться в отдел зарубежных продаж ТД «Эксмо»
E-mail: international@eksmo-sale.ru
International Sales: International wholesale customers should contact
Foreign Sales Department of Trading House «Eksmo» for their orders.
international@eksmo-sale.ru
По вопросам заказа книг корпоративным клиентам, в том числе в специальном
оформлении, обращаться по тел. +7 (495) 411-68-59, доб. 2261, 1257.
E-mail: ivanova.ey@eksmo.ru
Оптовая торговля бумажно-беловыми
и канцелярскими товарами для школы и офиса «Канц-Эксмо»:
Компания «Канц-Эксмо»: 142702, Московская обл., Ленинский р-н, г. Видное-2,
Белокаменное ш., д. 1, а/я 5. Тел./факс +7 (495) 745-28-87 (многоканальный).
e-mail: kanc@eksmo-sale.ru
, сайт: www.kanc-eksmo.ru
В Санкт-Петербурге: в магазине «Парк Культуры и Чтения БУКВОЕД», Невский пр-т, д.46.
Тел.: +7(812)601-0-601, www.bookvoed.ru/
Полный ассортимент книг издательства «Эксмо» для оптовых покупателей:
В Санкт-Петербурге: ООО СЗКО, пр-т Обуховской Обороны, д. 84Е. Тел. (812) 365-46-03/04.
В Нижнем Новгороде: Филиал ООО ТД «Эксмо» в г. Н. Новгороде, 603094, г. Нижний Новгород, ул.
Карпинского, д. 29, бизнес-парк «Грин Плаза». Тел. (831) 216-15-91 (92, 93, 94).
В Ростове-на-Дону: Филиал ООО «Издательство «Эксмо», пр. Стачки, 243А. Тел. (863) 305-09-13/14.
В Самаре: ООО «РДЦ-Самара», пр-т Кирова, д. 75/1, литера «Е». Тел. (846) 207-55-56.
В Екатеринбурге: Филиал ООО «Издательство «Эксмо» в г. Екатеринбурге,
ул. Прибалтийская, д. 24а. Тел. +7 (343) 272-72-01/02/03/04/05/06/07/08.
В Новосибирске: ООО «РДЦ-Новосибирск», Комбинатский пер., д. 3.
Тел. +7 (383) 289-91-42. E-mail: eksmo-nsk@yandex.ru
В Киеве: ООО «Эксмо», 04073, Московский пр-т, д. 9. Тел.: +38 (044) 237-70-12.
E-mail: sale@eksmo.com.ua
В Донецке: ул. Складская, 5В, оф. 107. Тел. +38 (032) 381-81-05/06.
В Харькове: ул. Гвардейцев Железнодорожников, д. 8. Тел. +38 (057) 724-11-56.
Во Львове: ТП ООО «Эксмо-Запад», ул. Бузкова, д. 2. Тел./факс (032) 245-01-71.
В Симферополе: ООО «Эксмо-Крым», ул. Киевская, д. 153.
Тел./факс (0652) 22-90-03, 54-32-99.
В Казахстане: ТОО «РДЦ-Алматы», ул. Домбровского, д. 3а.
Тел./факс (727) 251-59-90/91. rdc-almaty@mail.ru
Полный ассортимент продукции издательства «Эксмо»
можно приобрести в магазинах «Новый книжный» и «Читай-город».
Телефон единой справочной: 8 (800) 444-8-444. Звонок по России бесплатный.
Интернет-магазин ООО «Издательство «Эксмо»
www.ﬁction.eksmo.ru
Розничная продажа книг с доставкой по всему миру.
Тел.: +7 (495) 745-89-14. E-mail: imarket@eksmo-sale.ru