Импрессионизм

ISBN: 978-5-699-83861-5

Similar

Мировая живопись в шедеврах

Энциклопедия мировой живописи

50 идей, о которых нужно знать

Повседневная жизнь импрессионистов. 1863-1883

Text

Энциклопедия быстрых знаний

ИМПРЕССИОНИЗМ
Для тех, кто хочет все успеть

ИСТОКИ И ИСТОРИЯ ИМПРЕССИОНИЗМА
БИОГРАФИИ ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
СПЕЦИФИКА ФИЛОСОФИИ ИМПРЕССИОНИЗМА
ИЗВЕСТНЫЕ ПОЛОТНА

МОСКВА

2 0 1 5

ÓÄÊ 75.03
ÁÁÊ 85.143(3)
È54

Îðèãèíàë-ìàêåò ïîäãîòîâëåí èçäàòåëüñêèì öåíòðîì «ÍÎÓÔÀÍ»
nofunpublishing.com
valery@nofunpublishing.com
+7 (903) 215-68-69
Â îôîðìëåíèè îáëîæêè èñïîëüçîâàí ðèñóíîê
õóäîæíèêà Êëîäà Ìîíå «Âïå÷àòëåíèå. Âîñõîä ñîëíöà», 1872

È54

Èìïðåññèîíèçì. Äëÿ òåõ, êòî õî÷åò âñå óñïåòü. – Ìîñêâà : Èçäàòåëüñòâî «Ý», 2015. – 128 ñ. : èë. – (Ýíöèêëîïåäèÿ áûñòðûõ çíàíèé).
ISBN 978-5-699-83861-5
Âåê èìïðåññèîíèçìà áûë ÷ðåçâû÷àéíî íåäîëîã – âñåãî äâåíàäöàòü ëåò.
Íî è çà ñòîëü êîðîòêèé ïåðèîä èìïðåññèîíèñòàì óäàëîñü ñîâåðøèòü ðåâîëþöèþ â æèâîïèñè, èçìåíèâ âçãëÿä ÷åëîâå÷åñòâà íà îêðóæàþùèé ìèð. Êëîä
Ìîíå, Îãþñò Ðåíóàð, Ýäãàð Äåãà, Êàìèëü Ïèññàððî, Ôðåäåðèê Áàçèëü è äðóãèå ïðåäñòàâèòåëè íàïðàâëåíèÿ ñóìåëè ñäåëàòü íåâîçìîæíîå: çàïå÷àòëåòü
óñêîëüçàþùèé ìèã áûòèÿ, îòðàçèòü âåñü ñïåêòð ÷åëîâå÷åñêèõ ÷óâñòâ è ýìîöèé. Êàê æå âîçíèê èìïðåññèîíèçì, ïî÷åìó ñòàë òàê ïîïóëÿðåí? Èçäàíèå
ïðèçâàíî ïðîñòûì ÿçûêîì ðàññêàçàòü îá îäíîì èç ñàìûõ èçâåñòíûõ íàïðàâëåíèé â æèâîïèñè, âîñïîëíèòü âîçìîæíûå ïðîáåëû â çíàíèÿõ è ïîáóäèòü
÷èòàòåëÿ íà áîëåå ãëóáîêîå èçó÷åíèå ïðåäìåòà.
ÓÄÊ 75.03
ÁÁÊ 85.143(3)

ISBN 978-5-699-83861-5

СОДЕРЖАНИЕ
Предисловие..................................................................................... 6
ПРЕДШЕСТВЕННИКИ ИМПРЕССИОНИЗМА:
прошлое, далекое и близкое.............................................................. 7
Глава I. Барбизонская школа: от академичности к реализму.................. 8
Глава II. Жан Батист Камиль Коро (1796–1875).................................. 12
Глава III. Теодор Руссо (1812–1867).................................................. 19
Глава IV. Шарль Франсуа Добиньи (1817–1878)................................... 23
Глава V. Жан Франсуа Милле (1814–1875).......................................... 27
Глава VI. Гюстав Курбе (1819–1877).................................................. 33
Глава VII. Эжен Буден (1824–1898)................................................... 38
ИМПРЕССИОНИЗМ: впечатления души.............................................. 42
Глава VIII. Эдуард Мане (1832–1883)................................................. 46
Глава IX. Эдгар Дега (1834–1917)...................................................... 56
Глава X. Пьер Огюст Ренуар (1841–1919)............................................ 63
Глава XI. Клод Моне (1840–1926)...................................................... 72
Глава XII. Альфред Сислей (1839–1899)............................................. 81
Глава XIII. Камиль Писсарро (1830–1903).......................................... 87
НЕОИМПРЕССИОНИЗМ: от линии к точке........................................... 97
Глава XIV. Жорж Пьер Сёра (1859–1891)............................................ 98
Глава XV. Поль Синьяк (1863–1935)..................................................102
ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ: все дальше за горизонт..............................108
Глава XVI. Поль Сезанн (1839–1906).................................................109
Глава XVII. Винсент Ван Гог (1853–1890)...........................................113
Глава XVIII. Поль Гоген (1848–1903)................................................117
Глава XIX. Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901)...................................123
Литература и другие источники.......................................................127

ВОПРОСЫ, НА КОТОРЫЕ
ДАЕТ ОТВЕТ ЭТА КНИГА
КТО ТАКИЕ БАРБИЗОНЦЫ?
Почти два десятка живописцев из Парижа писали пейзажи в окрестностях деревушки Барбизон. В ее честь позднее
группа и получила свое название. См. главу I
КАК ПИСАТЬ ПЕЙЗАЖ БЕЗ ЗЕЛЕНОЙ КРАСКИ?
Художник Камиль Коро заменил ее серебристо-серой цветовой гаммой, богатство оттенков которой на его картинах
поражает. См. главу II
ЗАЧЕМ ХУДОЖНИКУ ПАХАРЬ?
Изображая крестьян, Жан Франсуа Милле пытался отра
зить извечную борьбу человека и природы, воспеть тех, кто
держит на своих плечах саму землю, героизм каждодневного титанического труда. См. главу V
ГОТОВЫ ЛИ МЫ ВОСПРИНИМАТЬ РЕАЛИЗМ XIX ВЕКА?
Самая откровенная из картин Гюстава Курбе «Происхождение мира» (1866) впервые была выставлена публично только… в 1988 году! И даже сейчас она находится за пуленепробиваемым стеклом и под присмотром охранника. См. главу VI
СКУЧНО ЛИ ПИСАТЬ МОРЕ?
Тема работ Эжена Будена почти всегда одна — море и небо,
но никто не упрекнул бы его в повторах, ведь эти стихии находятся в постоянном движении, и двух одинаковых морских пейзажей просто не может существовать. См. главу VII
КОГО ШОКИРУЕТ ВЕНЕРА?
Мэтры академической живописи были готовы принять «Венеру» Эдуарда Мане — «Олимпию» (1863), будь ее изображение классически прекрасным, но они категорически отвергали его манеру. См. главу VIII

ЧТО ОБЩЕГО МЕЖДУ ТАНЦЕМ И КАРТИНОЙ?
Легкость картин Эдгара Дега — это легкость полета балерины во время спектакля: за этими отточенными движения
ми стоят часы и дни монотонного тяжелого труда, которого зритель никогда не увидит и не почувствует. См. главу IX
ЕСТЬ ЛИ У ИМПРЕССИОНИЗМА ЯПОНСКИЕ КОРНИ?
Благодаря увлечению японской графикой Моне сумел открыть и воплотить в импрессионизме необычные композиционные эффекты, совершенно не свойственные прежнему
западному искусству. См. главу XI
КОГДА ЕЩЕ НЕ ПОЗДНО ВСЕ НАЧАТЬ СНАЧАЛА?
В возрасте пятидесяти пяти лет Камиль Писсарро не побоялся отказаться от не только сложившейся, но и приносившей доход манеры письма, чтобы попробовать силы в новом
направлении — пуантилизме. См. главу XIII
КАК ИЗ НАУКИ РОЖДАЕТСЯ ГАРМОНИЯ?
Соединив свет, воздух и оптические законы, Жорж Сёра
разработал ранее не применявшуюся технику письма, основанную на разделении тонов. См. главу XIV
МОЖНО ЛИ ПИСАТЬ И КИСТЬЮ, И ПЕРОМ?
Художник Поль Синьяк является также автором книг по теории искусства, в частности очень известен его труд «От Эжена Делакруа к неоимпрессионизму». См. главу XV
СОВМЕСТНЫ ЛИ ГЕНИЙ И БЕЗУМИЕ?
Именно на то время, когда Винсент Ван Гог оставался в плену душевной болезни, пришелся расцвет его творчества.
За эти два года он написал свои знаменитейшие пейзажи
и всемирно известную «Звездную ночь». См. главу XVII
КАК ВЫГЛЯДИТ РАЙ?
Яркая палитра, намеренное отсутствие гармонии в цветах, глубины и перспективы — Поль Гоген нарушал все правила европейской живописи, ища новые выразительные средства, чтобы отразить восхитившую его первобытную культуру. См. главу XVIII

ПРЕДИСЛОВИЕ
Вы никогда не ловили себя на мысли,
что чем больше вы узнаёте о каком-либо предмете или явлении, тем это становится интереснее ? Человеку, лишь
поверхностно знакомому с живописью,
вполне достаточно деления на эпохи:
вот пещерные рисунки первобытных
людей, а это средневековая гравюра,
это полотна Возрождения, а вот это наверняка что-то современное…
Но тому, кто начинает пристальнее
всматриваться в картины и вчитываться в биографии художников, этого уже
недостаточно. Возникает множество
вопросов: кто у кого перенял цветовую
гамму и рисунок, кто какой традиции
следовал, кто привнес что-то настолько новое, что, кажется, этому нет никакого объяснения, — но вы уверены, что
оно есть. Хочется понять, почему этих
мастеров, совершенно разных, относят
к одной школе, и так далее.
История импрессионизма представляет собой ярчайший пример такой «неразберихи». Ведь, в сущности, всех импрессионистов объединяла сама идея,
мировоззрение, а не манера письма,
да и то каждый из них трактовал идею
по-своему. Эта книга не претендует на
полное освещение такого колоссального и многогранного художественного явления, как импрессионизм. Но мы
надеемся, что она ответит на простые
вопросы и подскажет, где искать ответы на вопросы более сложные.

Предшественники импрессионизма

ПРЕДШЕСТВЕННИКИ ИМПРЕССИОНИЗМА:
ПРОШЛОЕ, ДАЛЕКОЕ И БЛИЗКОЕ
Искусство есть посредник того, что нельзя высказать.
Иоганн Гете
Никакое явление в мире, к какой бы сфере оно ни относилось,
не возникает в безвоздушном пространстве. Очень во многом
«революция» импрессионизма обязана своим непосредственным предшественникам-пейзажистам, работавшим в 1820–
1860 годах во Франции. Но почти все импрессионисты говорили и о влиянии на их творчество более старых мастеров.
Яркие краски и промежуточные тона начали использовать еще художники венецианской школы эпохи Ренессанса. Те же
приемы прослеживаются и у испанских живописцев: Эль Греко, Сурбарана, Веласкеса
и, конечно же, Гойи. Они не интересовались
пленэром и оттенками цвета, но вели глубокие изыскания в передаче света, одного
из главных компонентов в импрессионизме.
Примерно в одно время с Веласкесом
в Нидерландах творил другой великий художник — Рубенс, фанатично работавший
с цветовой палитрой. Он первый сделал
тени цветными, противопоставив их более холодному основному свету, и постепенно отказался от черного цвета, которого не будет и в палитре импрессионистов.
И, конечно, нельзя не упомянуть английских пейзажистов: Констебла, Тёрнера
и других, которые подсказали импрессио
нистам направление в поисках градаций
одного и того же цвета.
О более близких предшественниках мы
будем говорить отдельно.

Картины Питера
Пауля Рубенса
полны света
и радости.
Многофигурные полотна
полнокровны
и наполнены
жаждой жизни.
Но когда однажды художника спросили,
почему у него
грустные глаза,
он ответил:
«Они видели
слишком много
людей…»

Предшественники импрессионизма

ГЛАВА I
БАРБИЗОНСКАЯ ШКОЛА:
ОТ АКАДЕМИЧНОСТИ К РЕАЛИЗМУ
Какой дьявол эта современная цивилизация!
Вернемся к натуре, лесам и древней поэзии!
Теодор Руссо
Начиная разговор об импрессионизме как художественном направлении, нельзя не учесть, что с исторической точки зрения этот период был чрезвычайно недолог — всего
двенадцать лет. Однако имена таких художников, как Моне,
Дега или Ренуар, известны всем. А потому возникает закономерный вопрос: из чего же вырос столь прекрасный цветок, получивший название «импрессионизм»?
Пленэр (франц.
plein air, буквально — открытый
воздух) — живопись объектов
в естественной среде при
естественном
освещении.
Также означает
работу самого
художника на открытом воздухе,
а не в мастерской

В ПОТОКЕ ВРЕМЕНИ
В искусстве, как и в жизни, все взаимосвязано. При желании можно проследить любое направление современного
искусства и найти взаимосвязь между
ним и искусством стран и народов, отделенных от нас веками и континентами.
Но вряд ли стоит углубляться столь основательно. Предтечей импрессионистов
традиционно принято считать барбизонскую школу. Кто же такие барбизонцы?
Городок Фонтенбло, расположенный
к юго-востоку от Парижа, еще со Средних
веков служил резиденцией французским
королям. Со времен Франциска I в этих
живописных местах проводились пышные охоты, сцены которых не раз изображались на картинах живописцев. Однако
после того, как Людовик XIV предпочел
Версаль, бурная жизнь, кипевшая в Фонтенбло, стала стихать. События Великой

Глава I. Барбизонская школа: от академичности к реализму

французской революции и вовсе свели
на нет не только празднества, но и саму
аристократию, и пригород Парижа погрузился в тихое течение сельской жизни.
Именно за эту провинциальную тишину и неторопливость группа художников
в 1830–1860-х годах выбрала просторы Иль-де-Франса своим пристанищем.
Почти два десятка живописцев осели
в Фонтенбло, чтобы писать пейзажи рядом с деревушкой Барбизон, в честь которой позднее группа и получила свое
название.
Что влекло сюда художников? Знаменитый лес, простые люди, живущие тяжелым трудом пахарей, собирателей и углежогов, — все это позволяло измученным
шумом и круговертью городской жизни
живописцам снова почувствовать близость дикой, первозданной природы.
ПЕРЕМЕНА ДЕКОРАЦИЙ
Что же такого значимого совершили представители барбизонской школы? Основным их жанром был пейзаж.
Но ведь пейзаж в изобразительном искусстве присутствовал всегда, буквально
со времен неолита. И если кому-то покажется преувеличением называть так схематичное изображение на стенах пещер,
то вряд ли найдутся желающие спорить
с тем, что пейзажные фрески довольно
часто встречались в богатых античных
домах.
Барбизонцы решили повернуться лицом к живой природе в тот самый момент,
когда академическая и романтическая

«Когда соединились
любовь и мастер
ство, можно ожи
дать шедевра»
(Д. Рескин)

Валёр (франц.
valeur) — в живописи оттенок
тона, который
определяет соотношение света
и тени в пределах
одного цвета.
Применение
валёра позволяет художнику
достичь тонких,
почти незаметных цветовых
переходов. Как
правило, достигается техникой
лессировки

«Начинающего ху
дожника понимают
лишь несколько че
ловек. Знаменито
го — еще меньше»
(П. Пикассо)

Лессировка —
нанесение
полупрозрачных
слоев краски
поверх основного
цвета. В живописи применяется
с XVI в.

Предшественники импрессионизма

школы переживали несомненный кризис. Первая отводила пейзажу место условной и идеализированной декорации,
вторая привносила в него экзотические
мотивы, рожденные воображением авторов. Коммуна художников-барбизонцев
шла в ногу со временем, работая в более
реалистичной манере и утверждая ценность обыденного — рек, полей, маленьких городков, гор и долин.
Постепенно пейзаж отвоевывал себе
место под солнцем, превращаясь из персонажа второстепенного в главное действующее лицо и становясь одним из ведущих жанров. Достаточно вспомнить
живопись XIX столетия, чтобы убедиться в этом: почти все крупные художники отдали ему дань в своем творчестве.
Здесь побывали Т. Руссо и Ж. Дюпре,
Ф. Милле и Д. де ла Пенья, позже приезжали Добиньи и Тройон, а впоследствии и импрессионисты — Моне, Сислей, Сёра…
Расцвета барбизонская школа достигла в 1850-х годах.
ОДИН ЦВЕТ — ТЫСЯЧА ОТТЕНКОВ
С философской точки зрения барбизонцы были последователями
Ж. Ж. Руссо и прочих просветителей,
полагая, что нравственное начало живо
только в природе, тогда как в средоточии цивилизации — городах — оно уже
мертво. Не чужды они были и влиянию
романтиков, подчеркивавших чистоту
и величие природных явлений. Что может быть естественнее солнечного луча,

Глава I. Барбизонская школа: от академичности к реализму

пробивающегося из-за туч? Что чище
этого света, и что лучше символизировало бы возвращение к забытым истокам?
Если же рассматривать эту школу в контексте развития живописи, то она совершенно очевидно опиралась на наследие
голландцев XVII века (Ян Вермеер, Якоб
ван Рёйсдал) и англичан XIX века (Джон
Констебл, Уильям Тёрнер). Однако сюжеты и приемы, используемые барбизонцами, продолжали традиции реализма
французской пейзажной живописи конца XVIII — начала XIX века (Теодор Жерико, Эжен Делакруа, Поль Юэ).
Постепенно расширяя свой «ареал», пейзажисты все чаще работали
на пленэре не только вблизи бывшей
королевской резиденции, но и в Пикардии, Бургундии, Оверни и во многих других провинциях Франции. Природа, свет
и воздух — три главные составляющие
их картин, эмоциональная и зрительная
целостность и тональная живопись —
три главных приема. Общий спокойный
тон картин, выдержанных в коричневых,
бурых и зеленых тонах, расцвечивается
отдельными, более яркими акцентами.
Надо отметить и то, что барбизонская
школа достигла высокого мастерства
в технике валёра.
Считавшие реализм прозаичным,
но стремившиеся к правдивому изображению реальности, осуждавшие современную цивилизацию, но избегавшие
социальной направленности творчества — столь идеологически противоречивые барбизонцы открывали дорогу
новому искусству.

Одним из самых
известных фальсификаторов полотен знаменитых
живописцев был
Элмир де Хори,
венгр по происхождению. Им
были написаны
и проданы тысячи
картин, которые
юридически подделками не являлись, так как
не были подписаны именами других художников.
В 2014 г. на аукционе в Новой
Зеландии была
сделана попытка
продать подделку… под самого
де Хори. Это были
две картины
в стиле Клода
Моне. Но эксперты распознали
фальсификацию

Предшественники импрессионизма

ГЛАВА II
ЖАН БАТИСТ КАМИЛЬ КОРО
(1796–1875)
Месье Коро — единственный и исключительный художник
вне всяких жанров и школ; он ничему не подражает,
даже природе. Сам он неподражаем.
Эдмон Абу
Каждый художник — ниточка, которую не выдернуть из полотна истории живописи, не повредив рисунок. И все-таки всем достается разная роль: разрабатывать мотивы, совершенствовать технику, отражать идеологию момента…
А многим ли достается прокладывать путь к новой вершине?
Пейзаж
(фр. paysage,
от pays — страна,
местность) —
жанр изобразительного искусства, в котором
основным предметом изображения является
природа. До эпохи Возрождения
пейзаж использовался только
при изображении
человека, служа
фоном и местом
действия. Как
самостоятельный
жанр оформился
в эпоху классицизма

ОТ ПРИЛАВКА — К МОЛЬБЕРТУ
Камиль Коро — один из тех немногих
художников, которых можно назвать
практически самоучками. Он родился
в семье, весьма далекой от богемной
или артистической среды. По одним
сведениям, его отец занимался драпировкой мебели, по другим — был владельцем небольшого магазина тканей,
но в итоге возглавил одно из парижских ателье мод. И, разумеется, мальчика ждала та же стезя.
С семи лет Камиль был отдан на обучение в пансион, в одиннадцать родители отправили его в Руан — в одном
из колледжей этого города Коро-старший сумел получить для сына стипендию. Камиль, послушный родительской
воле, старательно готовился к тому,
чтобы преуспеть в коммерции. В девятнадцать лет его взяли приказчиком
в лавку торговца сукном Ратье. Но увы,

Глава II. Жан Батист Камиль Коро (1796–1875)

несмотря на все старания, толку от Камиля было мало: у него никак не получалось торговаться, расхваливать товар
и набивать цену. Вскоре хозяин понизил его до разносчика товаров, но и тут
юноше не было места — слегка рассеянный и совершенно не хваткий, он скорее мешал, нежели помогал.
Годы шли, а торгового опыта и навыков у младшего Коро не прибавлялось. Неизвестно, что стало последней
каплей, но в 1822 году двадцатишестилетний Камиль пришел к отцу и решительно заявил, что больше не будет
заниматься торговлей, а хочет стать
художником. Какому коммерсанту хочется услышать подобные слова от наследника? Но, видимо, папаша Коро уже
успел убедиться, что на этом поприще его сын отнюдь не блистает, а потому согласился и даже порадовался,
что не придется покупать Камилю пай
в торговом деле. Так началась настоящая жизнь художника Коро.
ПАРИЖ — РИМ — ФОНТЕНБЛО
Легко ли начинать учиться в двадцать
шесть лет? Но Коро это не пугало. Молодой человек поступил в мастерскую
Мишалона, а после его смерти перешел
к Виктору Бертену. Камиль чрезвычайно усидчиво и прилежно перенимал искусство обоих знаменитых пейзажистов,
но это был краткий и единственный период ученичества в его жизни.
Куда большему он смог научиться, покинув в 1825 году Францию и на время

«При помощи чер
ных, белых и серых
цветов и их бес
конечных оттен
ков он писал приро
ду так, что все его
произведения со
хранили свежесть,
в то время как соу
сы и рагу его совре
менников поблекли
и почернели»
(К. Моклер
о Коро)

Этюд (фр. etude —
изучение) —
художественное
произведение, как
правило, выполненное с натуры.
Делается для изучения и отработки
какого-то мотива
при создании
большого полотна,
но может иметь
и самостоятельную ценность

«Каждый ребенок —
художник. Труд
ность в том, чтобы
остаться художни
ком, выйдя из дет
ского возраста»
(П. Пикассо)

КТО РАНО ВСТАЕТ
Коро, любивший
писать на рассвете, пока природа
полна тишины
и нежного очарования, как-то
пожаловался художнику Домье:
«Даже император
Наполеон III сказал про одну мою
картину: „Чтобы
понять Коро,
надо слишком
рано вставать!“»

Предшественники импрессионизма

переехав в Италию. Три года, проведенные в Риме, оказались периодом становления Коро-живописца. Он пишет
пейзаж за пейзажем, на его полотнах —
природа и архитектура, а сами картины
больше напоминают этюды. Раз за разом художник изображает один и тот же
вид, постепенно приходя к мысли, что
«все написанное с первого раза более
искренне и красиво по форме». Коро
учится схватывать самое первое впечатление с натуры и все увереннее сочетает его с продуманной, целостной
композицией картины. Именно тогда
из-под его кисти вышли «Вид Колизея
из сада Фарнезе» (1826) и «Мост Августа на реке Нера» (1827).
Довольно скоро Коро вернулся
во Францию, но теперь он избегал Парижа. Поселившись в Виль-д'Аврэ неподалеку от Фонтенбло, он без устали
писал пейзажи родных мест. Иль-деФранс, Пикардия, Бургундия, Нормандия — художник совершил настоящий
вояж по провинциям: «Вид Руана»,
«Старинный рыбачий порт Онфлёр»,
«Собор в Шартре» (1830), «Сена. Набережная Орфевр» (1833), «Рыбачьи
лодки в Трувиле» (1835).
Он еще дважды посетил Италию,
в 1834 и 1843 годах, но теперь писал
пейзажи не в окрестностях столицы,
а в Тоскане, Венеции и Милане. Постепенно у художника стала складываться
очень характерная и узнаваемая манера письма: светлые тона и почти полное
отсутствие зеленой краски, что кажется удивительным для пейзажиста. Коро

Глава II. Жан Батист Камиль Коро (1796–1875)

заменил ее на серебристо-серую гамму,
богатство оттенков которой на его картинах поражает: «Танец нимф» (1851),
«Воспоминание о Мортфонтене» (1864),
«Порыв ветра» (1865–1870). Раннее
утро, вечерние сумерки, облачный
день — переходное состояние природы Коро передает жемчужной дымкой,
переливающейся по всему полотну.
Именно эта манера принесла ему
известность. Регулярно выставлявший свои картины в Парижском салоне, до этого времени Камиль Коро
сумел продать всего несколько картин. Теперь же его настигла внезапная
популярность.
ПОЗДНЕЕ ПРИЗНАНИЕ
Камиль Коро был чрезвычайно трудолюбив. Задолго до импрессионистов он разработал метод многократных этюдов и писал один и тот же вид
при разной погоде и в разное время
суток, улавливая тончайшие изменения оттенков и получая серии картин,
глубоко и полно раскрывавших характер и очарование пейзажа.
Интерес к его картинам оказался настолько велик, что Коро буквально засыпали заказами. Торговцы картинами, галереи, коллекционеры, ученики,
деньги — теперь у Камиля было все,
чего только мог пожелать живописец.
Спрос на его пейзажи был столь огромен, что Коро едва успевал делать копии со своих картин. Конечно, сюжеты повторялись, но сам пейзажист

Салон — официальные
художественные выставки,
которые устраивались в Париже
с 1653 года Королевской академией живописи
и скульптуры.
Сначала не имели постоянного
местоположения, с 1673 года
проходили
в Пале-Рояле,
с 1699 года —
в галерее Лувра

«Слова „Картины
Пикассо — это маз
ня“ ничего не гово
рят о Пикассо, зато
о сказавшем — всё»
(Ж. Кокто)

Романтизм
(фр. romantisme) —
идейное и художественное направление в культуре
Европы и Америки
конца XVIII века —
первой половины XIX века.
Утверждает самоценность духовной
и творческой
жизни человека,
характеризуется
изображением
сильных страстей
и характеров

Предшественники импрессионизма

не видел ничего дурного в повторении
мотивов, ведь всякий раз в них открывалось что-то новое. Деньги и слава
не изменили его характера, Камиль был
по-прежнему предан друзьям и никогда не отказывал в материальной помощи молодым художникам.
Искусствоведы полагают, что за свою
творческую жизнь Коро сумел создать
около трех тысяч картин, хотя есть мнение, что часть полотен, подписанных
его именем, на самом деле созданы его
учениками, которым мастер хотел помочь продать картины.
Пройдя путь от классического пейзажа через романтизм и реализм, Камиль Коро вплотную подошел к художественным открытиям импрессионистов,
которые считали его одним из своих
учителей.

Камиль Коро «Автопортрет» (ок. 1835)

Основатели барбизонской школы Жан Франсуа Милле (слева)
и Теодор Руссо (фото Надара, ок. 1857)

Теодор Руссо «Вид на Барбизон» (ок. 1850)

Глава III. Теодор Руссо (1812–1867)

ГЛАВА III
ТЕОДОР РУССО (1812–1867)
Дерево, которое шумит, и вереск, который растет, для
меня великая история, которая не меняется; если я буду
говорить их языком, я буду говорить на языке всех времен.
Теодор Руссо
Предводитель «бородачей из Барбизона» Теодор Руссо прожил не очень долгую жизнь. Тем не менее он успел не только
постичь тайны классического пейзажа, но и шагнуть далеко
за его рамки, создав жанр пейзажа-настроения, оказавшего
позже огромное влияние на развитие реалистической школы.
ЗОВ ПРИРОДЫ
В год, когда наполеоновская Франция
вела войну с Россией, в Париже в семье
зажиточного портного из Юры родился
мальчик, которого назвали Пьером Этьеном Теодором. Хотя отец к живописи никакого отношения не имел, у сына был хороший шанс унаследовать артистичность
натуры от материнской родни, среди которой были и художники, и скульпторы.
И он этот шанс не упустил.
Одной из первых поездок по стране
для будущего основателя барбизонской
школы стало небольшое путешествие
в гористую провинцию Франш-Конте.̂
Дикая природа, столь радикально отличавшаяся от родного Парижа, просто
ошеломила Теодора. Именно там, среди лесов и пологих, но величественных
горных склонов, он и принял решение
стать художником.
Первые уроки живописи Теодор получил от одного из двоюродных братьев —
Филиппа Руссо, учившегося у Антуана

Реализм
(от лат. realis —
вещественный) — правдивое и объективное отображение
действительности средствами
различных видов
художественного
творчества

«Где дух не водит
рукой художника,
там нет искусства»
(Л. да Винчи)

Анималистика
(от лат. animal —
животное) —
жанр изобразительного
искусства, главным объектом
которого являются животные

«Д ля х удожни
ка нравствен
ная жизнь челове
ка — лишь одна
из тем его твор
чества. Этика же
искусства — в со
вершенном приме
нении несовершен
ных средств»
(О. Уайльд)

Предшественники импрессионизма

Жана Гро и Жана Виктора Бертена. Их
пути разошлись, и довольно быстро. Филипп оставил пейзаж ради анималистики, работал с натюрмортом, но особой
известности так и не обрел.
Теодор начал брать уроки у По
де Сен-Мартена в Компьене, в пятнадцать
лет перешел к Жану Шарлю Ремону, у которого проучился два года. Кроме того,
юноша посещал школу изящных искусств
в Париже, где его наставником стал Гийом
Гийон-Летьер. Прилежный ученик, Руссо
старался усвоить все, чему его могли на
учить. Но все яснее понимал, как чужд ему
классический пейзаж. В 1828 году Руссо
начал работать самостоятельно, все чаще
выезжая на пленэр в Фонтенбло и Компьень.
ПЕРВЫЙ БАРБИЗОНЕЦ
Природа родной Франции вдохновляла Руссо. Он пускался в долгие путешествия по стране. Нетребовательный
к пище и удобству ночлега, довольствуясь
самым малым, художник проходил пешком десятки километров, изучая и наблюдая небо, землю, леса, поля и реки. Поначалу он еще интересовался людьми,
писал их, известная ранняя картина —
«Рынок в Нормандии» (начало 1830-х годов). Но даже здесь уже проглядывала
четкая направленность: если город, то не
столичный, шумный, а тихий провинциальный. Как и все его последователи, Руссо
был искренним певцом обыденности. Позже всем его вниманием завладела природа и только природа, человек стал почти

Глава III. Теодор Руссо (1812–1867)

случайным гостем на его полотнах. Природа стала практически единственной
музой Теодора, о ней он говорил: «Сила,
и прежде всего сила». В природе он искал мощь, стихию.
Одна из картин, которые можно назвать манифестом творчества Руссо, — «Вид в окрестностях Гранвилля»
(1833). Отказавшись от кулис, обрамлявших классические пейзажи, живописец
словно открыл картину для зрителя, дав
ей глубину и перспективу, словно приглашая не смотреть со стороны, а погрузиться, зайти в картину, чтобы дотронуться рукой до земли и деревьев.
Руссо пробовал выставляться в Парижском салоне. Но если первая попытка была успешной — его пейзаж,
изображавший природу Оверни, получил признание, — то затем его картины одна за другой были отвергнуты.
Так, например, «Спуск коров с высокогорных пастбищ Юры» (1835) назвали
примитивным по сюжету и недостойным выставки. И Теодор погрузился
в творчество, уже не ища общественного признания. В 1848 году он окончательно переехал в Барбизон, где купил дом, двери которого всегда были
открыты для его товарищей по искусству.
БЕЗЖАЛОСТНОЕ ВРЕМЯ
Чего же искал в окружающем мире
основоположник, вдохновитель и лидер барбизонской школы? Что хотел он
отразить в своих картинах?

Перспектива
(от лат. perspi
cere — смотреть
сквозь) — техника
изображения трехмерных предметов
на плоскости
с учетом кажущегося изменения
их величины,
четкости и очертаний в зависимости
от удаленности
предмета от наблюдателя

«Я ничего не имею
против беспред
метной живописи,
лишь бы был виден
субъект художника»
(С. Лец)

С XVI в. художники использовали коричневую
краску, основой
которой служили
останки забальзамированных
древнеегипетских мумий.
Например, многие
полотна прерафаэлитов выполнены в насыщенных коричневых
тонах

Предшественники импрессионизма

Руссо видел свою задачу в разрушении отжившего, по его мнению, классического канона и создании пейзажа, свободного от рамок академизма.
Мощь и красота природы — вот объекты его картин. Один из критиков говорил, что Руссо «разделяет все страсти природы… трепещет с бурей, сияет
вместе с солнцем». Он писал суровые
отроги гор и ледники, но любимым мотивом для него стали «портреты» дубов. Каждую картину художник создавал во множестве вариантов, стремясь
идеально передать игру света и воздуха. Сначала Руссо делал зарисовку
углем на холсте, затем прописывал картину одним цветом, работая над точной передачей света и тени, и лишь потом вводил различные краски, причем
в процессе работы мог не раз изменить
колорит полотна.
Увы, именно эта манера работы и стала причиной сильного потемнения картин. И если мы сейчас можем оценить
его композицию, светотень или выбор
мотива, то полноценно судить о колористике работ Руссо вряд ли возможно.
Но это нисколько не уменьшает творческих заслуг первого из барбизонцев,
ставшего одним из примеров для Клода Моне, первого из импрессионистов.

Глава IV. Шарль Франсуа Добиньи (1817–1878)

ГЛАВА IV
ШАРЛЬ ФРАНСУА ДОБИНЬИ
(1817–1878)
У света есть свой язык, и этот язык надо заставить
говорить или петь, но отнюдь не реветь.
Шарль Франсуа Добиньи
Многие говорят, что ради любимой работы могут бросить
всё. А готовы ли вы отказаться от дома и поселиться в лодке?
Французский художник Шарль Добиньи сделал именно так.
И создал в лодке-мастерской многие из лучших своих картин.
ОТ КАРТИНЫ — К РИСУНКУ
Играет ли роль наследственность
в таланте ребенка — вопрос спорный.
Вспомнив историю Камиля Коро, можно
ответить «нет», но факт остается фактом: многие творческие люди находят
себя потому, что им повезло расти в подходящей среде. Для Шарля Франсуа Добиньи, родившегося в семье живописца,
дорога к холсту и краскам была легка.
Художественные способности сына родители одобряли и старались развивать.
Первым его учителем был отец, а чуть
позже юный парижанин стал брать уроки у Поля Делароша — знаменитого мастера академической школы, писавшего
исторические картины. Молодой художник увлекся работами голландских мастеров и часами копировал известные полотна Рёйсдала и Хоббемы в галереях Лувра.
Семья Шарля была вполне обеспеченной, чтобы позволить ему в 1835 году
отправиться с другом в путешествие,
традиционное для молодых людей того

Колорит (от лат.
color — краска,
цвет) — система
цветовых сочетаний в произведениях изобразительного
искусства. Одно
из основных
средств эмоциональной выразительности.
Красные, желтые
и оранжевые
тона образуют
теплый колорит,
синие, зеленые
и фиолетовые —
холодный

«Есть момент обя
зательный в твор
честве, когда ху
дожник судит весь
мир по себе»
(М. Пришвин)

Реставрация
(от позднелат.
restauratio —
восстановление) — восстановление
произведения
искусства в первоначальном или
близком к первоначальному виде

Предшественники импрессионизма

времени. Почти год он ездил по городам
Италии и много рисовал. Однако ни эта
поездка, ни более поздние (Добиньи неоднократно посещал Великобританию,
Голландию, Испанию) не оказали особого влияния на его творчество. Он словно
был рожден писать пейзажи Франции и,
постигая новые приемы и технику, успешно использовал их, не изменяя собственному стилю. Из первой заграничной поездки Добиньи привез… французский
пейзаж «Вид на Собор Парижской Богоматери и остров Сен-Луи» (1838).
По возвращении молодой человек нашел работу в качестве реставратора,
а позднее иллюстрировал произведения
таких авторов, как Бальзак, Гюго и Сю.
В то время Шарль всерьез увлекался
творчеством Рембрандта, предпочитая
гравюру и офорт. Свои картины Добиньи
сначала тщательно прорабатывал во множестве эскизов и рисунков, а сложная техника офорта требовала идеальной точности и прекрасно подходила для передачи
тончайших нюансов настроения, состояния и движения в природе без помощи
цвета. Серия офортов, выпущенная художником в 1850–1851 годах, была зрелой и самоценной. Но именно после нее,
словно исчерпав для себя этот источник,
Добиньи стал постепенно отходить от рисунка, возвращаясь к живописи.
ВТОРОЕ ПОКОЛЕНИЕ
Может показаться странным, но Добиньи, которого искусствоведы причисляют к барбизонцам, бывал у них

Глава IV. Шарль Франсуа Добиньи (1817–1878)

редко и никогда не жил в «коммуне»,
устроенной Теодором Руссо. К тому же
«сила и мощь», которых искал в природе основатель барбизонской школы,
были чужды Шарлю. Его стихия — лиричность, почти напевность изображения. Вернувшись к краскам, живописец
окончательно отказался от декоративности классицизма. Теперь в центре его
внимания были простые сельские пейзажи, в которых очень много реалистических черт.
Забавный факт: Добиньи стремился
как можно точнее отобразить природу, не привнося в картину субъективизм художника, и при этом от зрителей и критиков долго получал отзывы,
главной похвалой в которых была «поэтичность». Стараясь уйти от этого штампа, он все строже относился к выбору сюжета и в конце концов пришел
к изображению самых невзрачных и непривлекательных мотивов, лишь бы избежать подозрения в том, что он при
украшивает действительность.
Отличалась от «старших» барбизонцев и манера его письма. Прием контра
жура и аскетичность в использовании
колорита, столь любимые Руссо и его
товарищами, Добиньи не приемлет. Его
стиль — проработка тончайших нюансов не только света, но и цвета. Так почему же его все-таки относят к барбизонской школе?
Ответ прост. Шарль Добиньи, представитель так называемого второго поколения барбизонцев, отступая от «канона», на самом деле, возвращался

«Искусство есть
такая потребность
для человека, как
есть и пить. По
требность красоты
и творчества, во
площающего ее, —
неразлучна с чело
веком, и без нее че
ловек, может быть,
не захотел бы жить
на свете»
(Ф. Достоевский)

Шарль Франсуа
Добиньи

«Художник — боль
шое дитя, он не за
мечает грязи, и она
к нему не приста
ет»
(Э. Войнич)

Офорт (от франц.
eau-forte — азотная кислота) —
один из видов
гравюры. Рисунок наносится
гравировальной
иглой на слой
кислотоупорного
лака, покрывающего металлическую пластину.
Затем процарапанные линии
протравливаются
кислотой, полученное изображение заполняется краской
и делается оттиск
на бумаге

Предшественники импрессионизма

к истоку. Его живопись по настроению,
стилю и манере гораздо ближе к творчеству Камиля Коро.
Не любя подолгу оставаться на одном месте, Добиньи построил себе лодку-мастерскую, где часами делал зарисовки, писал картины с натуры. Реки
Сена и Уаза стали наиболее частыми
мотивами его произведений. Давно
отказавшись от классицизма, теперь
Шарль отходил и от романтических
мотивов, двигаясь к импрессионизму
и даже символизму. Типичные образцы искусства Добиньи того времени —
это его лучшие работы: «Запруда в Оптево» (1855), «Весна» (1857), «Деревня
на берегу Уазы» (1868), «Прилив в Нормандии» (1869), «Берега Виллервиля»
(1875).
Клод Моне, один из основателей движения импрессионистов, сказал: «Добиньи — молодец, он хорошо работает, понимает природу». Именно от него
импрессионисты унаследовали характерную манеру письма, которая с годами выработалась у Добиньи, — широкие объемные мазки.
Со временем художник постепенно
отошел и от чисто пейзажного жанра,
стал не только писать более монументальные образы, но и вводить на свои
полотна человека, оттесняя пейзаж
на второй план, делая его лишь местом
действия. Но лучшие образцы его творчества несомненно оказали очень большое влияние на последующее поколение живописцев.

Глава V. Жан Франсуа Милле (1814–1875)

ГЛАВА V
ЖАН ФРАНСУА МИЛЛЕ
(1814–1875)
В Барбизоне властвуют два корифея. Один обращен
к деревьям, второй — к лугам… Поделили страну
между собой: Руссо принадлежит лес, Милле — равнина.
И ни один из них никогда не переходит дорогу другому.
Шарль Фремин
Человек из народа, крестьянин, оставивший соху и воспевший крестьянский труд в своих картинах, Жан Франсуа
Милле — один из любимых художников Винсента Ван Гога —
создал образы такой силы, что гений следующего поколения «цитировал» его и даже подражал ему на протяжении
почти всей творческой жизни.
ЖАН, КРЕСТЬЯНСКИЙ СЫН
4 октября 1814 года в небольшой
деревушке в Нормандии, на берегу
Ла-Манша, родился мальчик, получивший имя Жан Франсуа. Его родители
были зажиточными крестьянами и сына
с малолетства приучали к труду. Жан
работал на ферме, ходил за коровами,
помогал в поле, и, казалось, что может
ждать его, кроме обычных житейских
хлопот об урожае и приплоде?
Но все оказалось не так просто.
У мальчика с детства проявился талант
к рисованию. К счастью, отец и мать
восприняли это как божий подарок их
ребенку и не препятствовали стремлению маленького Жана к образованию. К тому же один его дядя выучился на врача, а второй был священником.
Оба любили племянника и не жалели

«Искусство —
это сражение;
в искусстве надо
жертвовать сво
ей шкурой»
(Ж. Милле)

«В живописи Милле
есть все для того,
чтобы разозлить
буржуа»
(Т. Готье)

Классицизм
(фр. classicisme,
от лат. classicus —
образцовый) —
художественный
стиль и эстетическое направление
в культуре XVII–
XIX вв. В его
основе — идеи
рационализма философа Декарта.
Художественное
произведение этого стиля строится
на своде строгих
канонов

Предшественники импрессионизма

времени, обучая его чтению, письму
и латыни, так что для крестьянского
сына Жан Франсуа Милле имел неплохое образование, а любовь к литературе сохранил на всю жизнь.
Однако осуществить мечты и начать обучение живописи он смог только ближе к своему двадцатилетию.
В 1833 году, получив родительское
благословение и деньги на учебу, Жан
поступил в мастерскую портретиста
дю Мушеля в Шербуре. Потом перешел
под крыло к художнику-баталисту Ланглуа, который к тому же был смотрителем местного музея и открыл юноше
прекрасный мир старых картин кис
ти голландцев и испанцев XVII века.
В 1837 году Жан приехал в Париж, чтобы продолжить обучение у Поля Делароша, писавшего исторические полотна.
Поначалу Милле шел проторенным
путем классицизма. Сюжетами его работ были мифологические сюжеты:
«Жертвоприношение Пану» (1845),
«Эдипа снимают с дерева» (1847).
Но вскоре он понял: академизм и мифология — совсем не то, о чем и как
он хотел писать.
В начале 1840-х годов Жан Франсуа
написал несколько портретов близких
ему людей. Это был первый, пусть и небольшой, шаг к шедеврам, которые прославили его в будущем. Художник начал изучать облик и характер крестьян
родной Франции.
Переломным моментом в его жизни стала революция 1848 года. Милле

Глава V. Жан Франсуа Милле (1814–1875)

навсегда покинул Париж и переехал
в Барбизон, где жил и творил до конца своих дней.
«БОГАТЫРЬ С РУКАМИ ПАХАРЯ»
Так назвал Милле знаменитый французский писатель Ромен Роллан. Переселившись в окрестности Фонтенбло,
Жан Франсуа в буквальном и переносном смысле вернулся к земле и корням.
К тому времени художник уже давно
женился, у него была большая семья.
Вместе со всеми он по утрам работал
в поле, а потом уходил в мастерскую,
полную холстов, книг и слепков античных скульптур.
Милле дружил с Теодором Руссо, был
в прекрасных отношениях с другими художниками. Он непререкаемый авторитет в области буколической поэзии, Гомера и Вергилия, почитатель и знаток
Шекспира, поклонник философии Монтеня. Своих героев он искал и находил
в полях и лесах французской провинции, и хотя сам Жан Франсуа не ставил себе задачу разрешения острых
социальных вопросов, многие видели
в его работах именно социальную направленность.
Своей темой Милле выбрал крестьянина и его труд. Сдержанный колорит,
резкая светотень, изумительно точно
отображенные типичные жесты, позы,
действия — собирательный образ, вот
истинная цель живописца.
Милле искал типы, пытался отразить
извечную борьбу человека и природы,

ГОЛЛАНДСКАЯ
ШКОЛА
ЖИВОПИСИ
Сложилась
в XVII в., унаследовала традиции
нидерландского
искусства прошлых
веков и лучшие достижения живописи Италии эпохи
Возрождения.
Огромное влияние
на голландских
художников оказал
итальянский художник Караваджо,
глубоко разрабатывавший технику
светотени

Единственную
картину, которую Винсент Ван
Гог продал при
жизни, «Красные
виноградники
в Арле», купил
его брат Теодор,
владелец художественной
галереи

Портрет
(фр. portrait) —
изображение
человека или
группы людей,
один из живописных жанров, в котором объектом
изображения является какой-либо конкретный
человек

«Я работаю, чтобы
собрать как можно
больше материала
на будущее, однако
боюсь, что не успею
запечатлеть все,
что меня вдохнов
ляет»
(Ж. Милле)

Предшественники импрессионизма

воспеть тех, кто держит на своих плечах саму землю, героизм каждодневного, титанического труда… При этом каждая его картина воспринималась как
очередной социальный манифест. Его
знаменитый «Сеятель» (1850) произвел
фурор на выставке в Парижском салоне. В эпически-монументальных фигурах крестьянок на картине «Сборщицы
колосьев» (1857) усматривали вызов
и угрозу существующим устоям.
А ведь Милле умел отражать на своих
полотнах и тонкие душевные переживания. Картина «Анжелюс», или «Вечерний благовест» (1859) изображает крестьян, прервавших работу в поле для
вечерней молитвы об усопших. Низкий
закатный свет освещает две кроткие
фигуры, совершенно земные и одновременно прикасающиеся к вечности.
Но критикам и зрителям больше запомнились его «Крестьянка, пасущая корову» (1859) и «Человек с мотыгой»
(1863), названные манифестом бедности и нарастающего народного гнева.
К концу жизни Милле все чаще писал
картины, на которых уже не было людей, только природа. «Зимний пейзаж
с воронами» (1866) печален и затемнен.
Кажется ли, что художника постигло
разочарование, что он так и не нашел,
чего искал в жизни? Нет. Последняя
картина, вышедшая из-под кисти Жана
Франсуа Милле, — это «Весна» (1868–
1873). Полная света и красок, она провозглашает торжество жизни.

Жан Франсуа
Милле
«Сеятель»
(1850)

Шарль Франсуа Добиньи «Лодки на Уазе» (1865)

Эжен Буден «Площадь Сан-Марко в Венеции» (1895)

Винсент
Ван Гог
«Сеятель»
(по картине
Ж. Ф. Милле,
1889)

Глава VI. Гюстав Курбе (1819–1877)

ГЛАВА VI
ГЮСТАВ КУРБЕ (1819–1877)
Его ненавидели за то, что, в совершенстве владея
мастерством, он писал так же естественно, как другие
едят, пьют или разговаривают.
Рихард Мутер
Художник-революционер — не странное ли сочетание? Художник, сказавший великому Делакруа: «Кто эти крылатые
дамы там вверху, меж облаков? Ангелы? Как? Вы пишете ангелов? Когда же вы их видели? А если не видели, то как же
можете их писать?» Художник, положивший начало самому
мощному художественному течению XX века — реализму.
Все это — Гюстав Курбе.
РОЖДЕНИЕ БУНТАРЯ
Тот, кто задался вопросом о родоначальнике реализма в живописи,
в итоге исканий непременно придет
к имени Жана Дезире Гюстава Курбе.
Бунтарь и революционер, как в искусстве, так и в жизни, на протяжении которой его постоянно сопровождали
скандалы, этот человек был масштабен и столь же значителен для своего времени, как, например, Рембрандт
для своей эпохи. Что же такого совершил Гюстав Курбе, чтобы заслужить честь стать в один ряд с великими мастерами?
Он родился в 1819 году во Франции, в Орнане, неподалеку от границы
со Швейцарией. Отец Курбе был зажиточный крестьянин, владелец плодоносных виноградников. Своего сына
Режис Курбе хотел видеть юристом,
а потому мальчик посещал семинарию

«Живопись — это
вполне конкретное
искусство, оно мо
жет быть только
изображением дей
ствительно суще
ствующих вещей.
Это язык природы,
язык зримого мира.
То, чего мы не ви
дим, не существую
щее и абстрактное,
не относится к об
ласти живописи»
(Г. Курбе)

«Художник — это
человек, который
слишком поглощен
тем, что видит
его глаз, а пото
му не может найти
в себе силы для всех
остальных дел»
(И. Стоун)

УТОПИЧЕСКИЙ
СОЦИАЛИЗМ
В исторической
и философской
литературе —
учение о ненасильственном
преобразовании
общества при
одновременном
справедливом
его устройстве,
опирающемся
на социалистические принципы

Предшественники импрессионизма

в Орнане, а затем поступил в юридический колледж в Безансоне.
Но самого Гюстава карьера адвоката
не привлекала вовсе. Он, конечно, посещал колледж, но куда больше времени уделял занятиям в Академии, где
брал уроки у Шарля Антуана Флажуло, ученика самого Жака Луи Давида.
Не скрывая от отца, что мольберт, краски и кисти увлекают его куда больше,
чем толстые своды законов и учебники латыни, он объявил, что собирается стать художником. Старший Курбе
дал ему денег и благословил на поездку в Париж.
Впрочем, вряд ли стоит этому удивляться. Дед будущего живописца, оказавший на внука огромное влияние,
был якобинцем и участвовал в Великой французской революции. Отец,
как либерал, поддерживал революцию
1830 года. О матери сам Курбе впоследствии писал, что она была «рационалисткой и католической республиканкой». Кем же мог вырасти их сын, как
не бунтарем!
Итак, Густав Курбе прибыл в Париж.
Первое, что он сделал, — начал регулярно посещать Лувр, досконально изучая картины старых мастеров.
Французский академизм того времени
жестоко его разочаровал, и Курбе старался выстроить для себя четкую последовательность в развитии живописи. Молодой человек был уверен, что
истинное искусство не должно быть
символичным: художник должен писать
только то, что видит.

Глава VI. Гюстав Курбе (1819–1877)

Сначала он пытался заниматься
в художественных мастерских Шарля
де Штейбена, но довольно скоро отказался от получения академического образования. Час за часом проводя
в галереях, делая зарисовки и копии,
упорно работая с натуры, Курбе сумел
восстановить утраченную было технику письма Европы XVII века, взяв себе
за образец творчество титанов — Рембрандта и Веласкеса. «Неистовый провинциал», как его назовут позднее, обрел оружие и был готов к бою.

«Художник — лю
бовник природы:
оттого он ее раб
и ее повелитель»
(Р. Тагор)

ОТ АКАДЕМИЧЕСКОГО АВТОПОРТРЕТА
К СОЦИАЛЬНОМУ РЕАЛИЗМУ
Любой молодой художник, желавший получить признание, стремился
выставляться в Парижском салоне. Поначалу Курбе ждала неудача, только
в 1844 году он сумел выставить «Автопортрет с черной собакой» (1842),
который, как и другие его ранние работы, нес в себе отголоски романтического течения. Но очень скоро все изменилось.
Помимо работы в галереях и мастерских, Курбе очень много читал, отдавая
предпочтение социалистам-утопистам.
Он разделял идеи Прудона, зачитывался поэзией Беранже и романами Бальзака и Жорж Санд.
Изменения в мировоззрении, а вернее укрепление Густава на позициях
утопического социализма, не могло
не отразиться на его творчестве. Салон раз за разом отвергал его картины

АВТОПОРТРЕТ
Портрет художника, написанный
им самим. Как
правило, в автопортрете выражается его самосознание, оценка
своей личности
и творческих
принципов

«Когда, восхища
ясь картиной, мы
забываем о худож
нике, это для него
самая изощренная
похвала»
(Ф. Шиллер)

Натурализм
(от лат. nаturа —
природа) —
этап развития
французской
реалистической
живописи последней трети XIX в.
Художники этого
направления старались как можно
точнее, практически фотографически, запечатлеть
современную им
действительность

Предшественники импрессионизма

за слишком вольный выбор тем и отсутствие традиции в стиле. Курбе писал
«как солнце», идя от самых темных тонов к самым светлым и заканчивая яркими бликами. Эта манера письма тоже
не нова, она — революционна.
Тем не менее в 1849 году было выставлено, награждено золотой медалью и куплено государством его полотно «Послеобеденный отдых в Орнане»
(1849). Это давало ему возможность
отныне выставляться без предварительного отбора. И с 1850 года началась череда скандалов, связанных с его картинами. «Дробильщики
камня» (1849), «Похороны в Орнане»
(1850), «Здравствуйте, господин Курбе!» (1854), «Мастерская художника»
(1855) — все прочнее и ярче становится реалистическая манера письма
художника, все более яростным нападкам подвергается он за то, что осмеливается писать неприкрашенную
правду жизни, и даже более того, нарочито огрубляет и подчеркивает ее.
Но разве скандалы могут остановить
бунтаря?
В 1857 году он выставил шесть
картин, среди которых было и скандальное полотно «Лето» (1857), где
живописец изобразил двух отдыхающих у реки девиц легкого поведения. Теперь его реализм граничил
с самым настоящим натурализмом.
Именно в этой манере написана целая его серия в стиле ню: «Купальщицы» (1858), «Женщина в белых чулках» (1861), «Спящая обнаженная»

Глава VI. Гюстав Курбе (1819–1877)

(1865), «Спящие» (1866), «Женщина
с попугаем» (1866) и самая откровенная из них — «Происхождение мира»
(1866). (Достаточно будет сказать,
что впервые эта картина была выставлена публично только… в 1988 году!
И даже сейчас она находится за пуленепробиваемым стеклом и под присмотром охранника.)
О жизни Курбе можно было бы рассказать еще очень много. Но главное
заключается в том, что, став родоначальником французского реализма, он
показал идущему за ним поколению совершенно новый взгляд на мир, и идейный, и живописный.

Ню (фр. nu — нагой, раздетый) —
изображение
обнаженного человеческого тела,
жанр изобразительного искусства, раскрывающий через такое
изображение
представление
о красоте и ценности чувственного
восприятия мира

Предшественники импрессионизма

ГЛАВА VII
ЭЖЕН БУДЕН (1824–1898)
Эжену Будену я обязан тем, что стал художником.
Клод Моне
В любой области человеческой деятельности можно увидеть и определить влияние учителя на ученика, но, пожалуй, нагляднее всего это проявляется в живописи. Не верите? Сравните две картины: «Купальщики на пляже в Трувиле»
Эжена Будена и «Пляж в Трувиле» Клода Моне. У вас еще
остались сомнения?
«Архитектура,
скульптура, живо
пись, музыка и поэ
зия справедливо мо
гут быть названы
цветом цивилизо
ванной жизни»
(Г. Спенсер)

КТО УЧИЛ УЧИТЕЛЯ?
Любителям живописи не надо представлять Эжена Луи Будена — все знают, что он был первым учителем Клода
Моне, родоначальника импрессионизма.
Но мало кто задумывается о том, какой
огромный вклад внес сам Буден в развитие жанра пленэрного пейзажа, сколько замечательных картин вышло из-под
его кисти. Его жизни и творчеству посвящено не так уж много работ. Вполне обычная, но обидная судьба учителей гениев…
Интересно, что сам Эжен Буден не имел
специального художественного образования. Он родился в Онфлёре в семье моряка и с детства проявлял интерес и способности к рисованию. Эта любовь нашла
весьма своеобразный выход: в двадцать
лет Эжен открыл собственную писчебумажную лавку, в витрине которой выставлял картины заезжих художников.
Так, волей случая, ему довелось познакомиться с Эженом Изабе, известным
в то время маринистом, который позже,

Глава VII. Эжен Буден (1824–1898)

в Париже, некоторое время занимался
с юношей основами живописи.
Благодаря той же «выставке в витрине» Буден познакомился с барбизонцами Тройоном и Милле, художником-академистом Кутюром. Художники сумели
оценить талант мальчишки из старого
нормандского порта. В его рисунках
было то, что окружало Эжена с детства:
небо, море и корабли. Именно эти художники оказали на Будена колоссальное влияние. Они буквально настаивали, чтобы молодой человек продолжал
занятия живописью, давали ему советы, помогали и поддерживали.
В 1847 году Эжен оставил торговлю и отправился в Париж. Лувр, конечно же, Лувр, и пейзажи голландцев
и фламандцев — они покорили душу
Будена. Стремление перенести на холст
воздух и свет, написать море так, чтобы оно дышало влагой и солью, вот что
стало целью художника.
На занятиях у Изабе Эжен познакомился с Яном Бартолдом Йонгкиндом,
которому предстояло стать крупнейшим
нидерландским художником-пейзажистом того времени. Буден и Йонгкинд
сдружились и, что для искусствоведов
очевидно, оказали немалое влияние
друг на друга в развитии художественных методов и приемов.
ЧЕЛОВЕК И МОРЕ
В 1850 году Буден впервые отправил
две свои работы — не в Парижский

ОСНОВНЫЕ
МОТИВЫ
ПЕЙЗАЖА
Сельский
Городской
(архитектурный,
индустриальный)
ðð Морской
ðð
ðð

Пастель (от лат.
pasta — тесто) —
мягкие цветные
мелки для живописи, а также
исполненный ими
рисунок

ОСНОВНЫЕ
ХАРАКТЕРЫ
ПЕЙЗАЖА
Героический
Исторический
ðð Пейзаж
настроения
ðð Эпический
ðð Романтический
ðð
ðð

ИМПРЕССИО
НИЗМ
В ЛИТЕРАТУРЕ
Импрессионизм проявился
не только в живописи, но и в других видах искусства, в частности
в литературе,
где он явно
повлиял на такие
направления,
как натурализм
(братья Гонкуры,
Э. Золя) и символизм (П. Верлен,
К. Бальмонт,
И. Анненский)

АВТОР АЗБУКИ
Сэмюэл Морзе
в молодости
совершенно
не интересовался техникой
и до 34 лет был
художником

Предшественники импрессионизма

салон, а на выставку Друзей искусства
в Гавре. Его картины были приняты, высоко оценены, и Эжен три года получал
от города стипендию.
Его ранние работы посвящены пляжным курортным сценам. Со временем
Буден перестанет рисовать людей,
и объектом его картин станет природа, в изображении переменчивых состояний которой он достигнет настоящих высот.
В 1858 году состоялась встреча, изменившая историю живописи: Буден
познакомился с Клодом Моне, которому тогда было всего семнадцать лет.
Юного Моне восхитил художественный
стиль Будена, и Эжен Буден надолго
стал для основателя импрессионизма
не только учителем, но и примером для
подражания. Годом позже Буден познакомился с великим французским поэтом Шарлем Бодлером, который был
в восторге от его пастелей и этюдов
неба и облаков.
К живописцу пришла известность. Его
картины охотно брали на выставки. Он
работал вместе с Тройоном, полотна
продавались, и прежде почти что нищий сын моряка наконец получил возможность путешествовать. В поисках
свежих впечатлений Буден посетил
Бельгию, Голландию, Италию — и везде искал вдохновения, чтобы отразить
всю красоту неба и моря.
Тема его работ почти всегда одна —
море и небо, но никто не упрекнул бы
Эжена в повторах, ведь эти стихии находятся в постоянном движении, и двух

Глава VII. Эжен Буден (1824–1898)

одинаковых морских пейзажей просто
не может существовать. И разве может надоесть наблюдать вечно изменчивое небо?
Буден писал порты: Бордо, Гавр,
Антверпен и Трувиль. Тона, приглушенные в ранних работах, становились все
светлее, мазок — все более нечетким
и мягким, но стоит ли этому удивляться?
«Вложив кисть» в руку Моне, Эжен впоследствии сам испытал большое влияние импрессионистов.
В 1874 году он был приглашен на первую выставку импрессионистов, почитавших его своим предтечей.
Поздние полотна Будена: «Мол в Довилле» (1869), «Порт Бордо» (1875),
«Гавань и верфь в Трувиле» (1863) —
являют собой ярчайшие образцы его
творчества. Он и позже будет выставлять свои работы в галерее Дюран-Рюэля в Париже и в Нью-Йорке рядом
с картинами Моне, Ренуара, Сислея
и Писсарро.
В 1892 году Будену был вручен орден
Почетного легиона — высший знак отличия, почета и признания особых заслуг перед Францией.

«Живопись — это
поэзия, которую ви
дят, а поэзия — это
живопись, которую
слышат»
(Л. да Винчи)

«С луженье муз
не терпит суеты»
(А. Пушкин)

Импрессионизм

ИМПРЕССИОНИЗМ:
ВПЕЧАТЛЕНИЯ ДУШИ
Импрессионизм — это рождение света в живописи.
Роберт Делоне
Вряд ли помимо импрессионизма было в истории живописи еще одно художественное направление, столь ограниченное по времени существования и при этом оказавшее столь
значительное влияние на всех, кому выпало жить, созерцать
и творить позже. От категорического неприятия до восхищения и поклонения — вот путь импрессионистов.
«Вероятно, прой
дут еще годы, пре
жде чем картины
импрессионистов
начнут пользо
ваться постоян
ным спросом»
(Ван Гог)

МНОГО ЛИ ИСТОКОВ У РЕКИ
Век девятнадцатый принято называть
веком прогресса, и неспроста. Очень
многие из научных открытий тоже напрямую влияли на развитие живописи,
хотя, на первый взгляд, не имели к искусству никакого отношения.
В 1839 году Луи Дагер изобрел фотографию. Казалось бы, это изобретение не означало для художников ничего хорошего — ведь кому нужны станут
дорогостоящие портреты, для которых
надо часами позировать, когда дагерротип делается во много раз быстрее
и обходится куда дешевле? Но, как
выяснилось, разные виды искусства
не взаимозаменяемы. Напротив: художникам — что портретистам, что граверам — фотография подарила свободу
от необходимости просто фиксировать
реальные лица, места и события, с этим
она успешно справлялась сама. Теперь
на картинах можно было отображать

Впечатления души

не внешнее сходство, а внутреннее состояние — неважно, объекта изображения или самого творца!
В том же году химик Мишель Эжен
Шеврёль, работая над красителями для
тканей, сумел научно доказать, что три
основных цвета: красный, желтый и синий — в разных пропорциях образуют
все остальные цвета. Ученый составил
цветовой круг, наглядно показывающий, как получаются различные оттенки. А если учесть, что примерно в то же
время американец Огден Руд и немец
Герман фон Гельмгольц сделали значительные открытия в области оптики,
то художники получили обоснованную
теорию смешения цветов, что не могло не сказаться на цветовых решениях картин.
Наконец еще один подарок живописцам сделал их собрат по профессии американец Джон Рэнд. В 1841 году
он изобрел… оловянные тюбики для
красок. Кому-то это может показаться
смешным — ну что за изобретение! —
но на деле для художников, выезжавших на пленэр, подготовка красок
представляла собой настоящую проблему. Смешивать их приходилось заранее в мастерской, стеклянная тара для
красок была хрупкой; попытки наливать краски в бурдючки, изготовленные
из внутренностей животных, не увенчались успехом (пользоваться ими было
неудобно). Да и много ли оттенков мог
смешать живописец, собираясь на природу? Оловянные тюбики открывали
просто ошеломительные возможности

«Все мастера Воз
рождения достиг
ли больших резуль
татов в анато
мии, но не достигли
правдивости впе
чатления тела, жи
вопись их не пере
дает тела, и пейза
жи их не передают
света живого, не
смотря на то что
в телах их людей
сквозят синеватые
вены»
(К. Малевич)

«Дороги, ведущие
к искусству, полны
терний, но на них
удается срывать
и прекрасные цве
ты»
(Ж. Санд)

Австралийский
нейрохирург
Ноэл Дэн выдвинул теорию,
что своим возникновением
импрессионизм
обязан… близорукости художников. Согласно его
исследованиям,
в той или иной
степени близоруки были Моне,
Ренуар, Дега, Сезанн и Писсарро

3 ВЕЛИКИХ
РУССКИХ ИМ
ПРЕССИОНИСТА
Константин
Коровин
ðð Филипп Малявин
ðð Валентин Серов
ðð

Импрессионизм

для работы на природе: теперь все многообразие цветов и оттенков помещалось в небольшой сумке.
ВЕТЕР ПЕРЕМЕН
Формирование взглядов на живопись,
технику и манеру письма тех, кого позже назовут импрессионистами, пришлось на неспокойную эпоху. С одной
стороны, признанными мастерами тогда
уже были Энгр, Делакруа, Коро и Курбе, с другой — искусство ограничивали жесткие рамки академизма — стиля
тяжеловесного, избыточно аллегоричного и крайне требовательного к формальной стороне.
Художникам с новыми взглядами
было очень трудно пробиться. Единственный путь к признанию лежал то
гда через Парижский салон. Жюри, отбиравшее для него картины, состояло
из приверженцев того самого академического стиля. Все новое, необычное подвергалось остракизму и осмеянию. А не выставляясь в Салоне, нечего
было и мечтать о заказах и заработках. Массовый отказ жюри сотням художников в 1863 году стал последним
толчком, побудившим молодых талантливых живописцев объединиться и просить о разрешении провести неофициальную выставку, знаменитый Салон
отверженных.
Практически все импрессионисты
прошли художественное обучение,
впитав лучшее из направлений того
времени: классицизма, романтизма

Впечатления души

и реализма. И все они решили идти своим путем. Каких только оскорблений
не пришлось им выслушивать! «Мятежники», «аморальные типы», «недобропорядочные граждане» — эти эпитеты
постоянно мелькали в отзывах критиков и повторялись публикой.
Даже термин «импрессионизм» прижился с подачи критика Луи Леруа
из юмористического журнала «Шаривари». Называя художников импрессионистами (буквально «впечатлистами», по названию картины Клода Моне
«Впечатление. Восход солнца»), журналист хотел выразить насмешку и презрение — а подарил имя для истории.
Они не стремились отражать социальные конфликты, мерили мир не формой, а цветом, не считали себя низвергателями устоев, пытались открыть для
человека всю полноту впечатлений, которые получает душа от мира. Демократичные в выборе тем и сюжетов,
видевшие мир совершенно по-иному,
работающие в абсолютно новой технике, импрессионисты совершили невиданный со времен эпохи Возрождения переворот в искусстве. И прав был
Винсент Ван Гог, сказав, что импрессио
низму сужден долгий век.

За время существования
объединения
импрессионистов
они организовали восемь выставок в 1874, 1876,
1877, 1879—1882
и 1886 гг. Во всех
выставках участвовал только
Камиль Писсарро

Импрессионизм

ГЛАВА VIII
ЭДУАРД МАНЕ (1832–1883)
Существует только одна истинная вещь: сразу рисовать
то, что вы видите… Все остальное — обман.
Эдуард Мане
Этот человек хотел быть художником с детства, но не желал учиться у признанных мастеров своего времени. Он шел
наперекор всему официальному искусству, и каждый год пытался выставить картины и добиться признания Парижского салона. Он стал главой школы импрессионистов, не будучи импрессионистом сам. Кто же он?
«Прежде, чем я нач
ну завоевывать офи
циальные салоны,
я должен отдать
дань старым масте
рам…»
(Э. Мане)

СЫН ЮРИСТА, МОРЯК
И — НАКОНЕЦ! — ХУДОЖНИК
Эдуард Мане родился в семье крупного
чиновника французского министерства
юстиции, его мать была дочерью дипломата. Казалось, карьера Эдуарда предопределена еще до рождения — грех было
не пойти по широкой проторенной дороге,
которую могли предложить ему родители.
Но маленький Эдуард совсем не горел желанием проявить себя на юридическом поприще. С ранних лет его влекли рисунок
и живопись. Тем не менее отец настаивал на юриспруденции, хотя, как показало
время, с обычным образованием отношения у Эдуарда не складывались. Мальчик
переходил из одного колледжа в другой,
оставаясь равнодушным к учебе.
Его дядя Эдмон Эдуард Фурнье считал неправильным оставлять без внимания и развития явные дарования племянника. Он записал Эдуарда на лекции
по живописи и оплачивал их сам. Но…
лекции тоже не пробудили ученического

Глава VIII. Эдуард Мане (1832–1883)

рвения в юном Мане. Видимо, из-за сухости и академической манеры преподавания они были ему просто скучны.
И все же дядя сыграл в судьбе племянника решающую роль, приведя того в Лувр.
Картины голландцев, фламандцев и испанцев XVIII века произвели на Эдуарда такое впечатление, что определили
направление развития всего его последующего творчества.
Но до мольберта и кистей было еще далеко. Старший Мане был по-прежнему категорически против художественной карьеры сына. Компромиссом стала попытка
Эдуарда поступить в мореходную школу,
не увенчавшаяся успехом — будущему
творцу просто не хватало академических
знаний. Для подготовки к пересдаче его
приняли на одно из судов, курсировавших
между Францией и Бразилией.
Семья все еще тешила себя надеждой на то, что наследник образумится. Но вместо того чтобы постигать морскую науку, Эдуард все больше времени
посвящал живописи. Из долгой поездки
он привез огромное количество наброс
ков и этюдов — и окончательно укрепившееся желание стать живописцем.
Выдержав последний бой с отцом, Эдуард Мане все-таки получил разрешение
поступить в Школу изящных искусств
и в 1850 году стал учеником Тома Кутюра.
НАСЛЕДИЕ ВЕКОВ
Казалось бы, мечта сбылась. Но снова все складывалось непросто. Академизм и рутина, как и прежде, наводили

Академизм
(фр. academisme) —
направление
в европейской
живописи XVII–
XIX вв. Унаследовал от классицизма принцип
следования внешней форме, чаще
всего обращался
к искусству Античности и эпохи
Возрождения

«Недостаточно
знать свое ремесло,
вы должны иметь
чувство. Наука —
это очень хорошо,
но для нас вообра
жение стоит гораз
до больше».
(Э. Мане)

ОСНОВНЫЕ
И ДОПОЛНИТЕЛЬ
НЫЕ ЦВЕТА
Голубой —
оранжевый
ðð Красный —
зеленый
ðð Желтый —
фиолетовый
ðð

«В природе нет ни
каких линий, только
контрастные пят
на цвета»
(Э. Мане)

Импрессионизм

на Эдуарда скуку. Методы преподавания
Кутюра его не устраивали. Мане хотел
писать свет во всем его многообразии,
отображая мир в самых разных световых
проявлениях, от рассветных до закатных,
а его учитель не понимал, как можно
стремиться «писать жизнь как есть», —
по мнению академиста это не могло называться искусством. Их столкновения,
перераставшие в ссоры, в конце концов
привели к тому, что спустя шесть лет после поступления Мане покинул мастерскую Кутюра.
Но не все эти годы Мане потратил
на баталии с наставником. Много времени молодой художник проводил в Лувре,
делая копии с картин старых мастеров,
постоянно посещал то Голландию, то Италию, где также работал в музеях. В одной
из поездок во Флоренцию Эдуард Мане
написал копию «Венеры Урбинской» Тициана, позднее она стала прообразом его
скандальной «Олимпии».
Постепенно художник выбрал себе
настоящих учителей. Ими стали Тициан, Веласкес и Гойя. Он унаследовал их
классическую манеру письма, цветовую
палитру, композиции и сюжеты. Придет
время, и Мане станут упрекать за то, что
он не ищет собственных сюжетов вовсе,
настолько очевидной будет проработка
классических сюжетов в его картинах.
ЧЕЛОВЕК-СКАНДАЛ
В 1859 году Париж был взволнован
первым из бесконечной череды скандалов, связанных с именем Эдуарда

Глава VIII. Эдуард Мане (1832–1883)

Мане и Салоном. Для выставки художник создал полотно «Любитель абсента» (1858–1859). Сюжет он почерпнул
в стихотворном сборнике «Цветы зла»
не менее скандального поэта Шарля
Бодлера, близкого друга Мане.
Наверное, высокое жюри еще могло бы стерпеть темные, мрачноватые
тона картины, но разве оно могло допустить, чтобы в благонравном Салоне
был выставлен портрет парижского
пьяницы! Отказ был резким и категорическим.
В 1861 году Мане написал две картины, которые все-таки прошли через
сито жесткого отбора. «Гитарреро» получил награду Салона, а «Портрет родителей» наконец принес Эдуарду признание семьи.
Следующая попытка выставиться
в Салоне вновь оказалась безуспешной.
Полотно «Музыка в Тюильри» (1862)
стало огромным групповым портретом,
каких до Мане не писал никто. Эдуард
изобразил на полотне не только себя,
но и почти всю свою родню и друзей.
Но удивление и отторжение жюри вызвало даже не это, а отсутствие предписанной классическим жанром тщательной проработки деталей. В такой
манере в то время иллюстрировали
журналы и газетные репортажи, и для
живописи она считалась совершенно
непригодной. Вблизи воспринять картину было очень сложно, общий вид открывался только на расстоянии.
К выставке 1863 года художник подготовил три картины: «Купание» (или

Школа изящных
искусств — главная академическая школа
Франции, основана в 1796 г. Находилась в ведении
Академии изящных искусств,
преподавание
в ней велось
строго по установленной
академической
программе

«Люди познают
жизнь такой, ка
кой ее увидел ху
дожник»
(С. Моэм)

САЛОН
ОТВЕРЖЕННЫХ
В 1863 г. жюри
Парижского
салона отвергло
так много работ
(около 3000), что
художники обратились с просьбой открыть
альтернативную
выставку, где
могли бы представить свои
работы, не допущенные в Лувр.
Разрешение было
дано самим Наполеоном III. Салон
отверженных
проводился еще
два раза, в 1864
и 1873 гг. Позже
его заменили
персональные
и групповые
выставки художников

Импрессионизм

«Завтрак на траве», 1863), «Молодая
женщина в костюме эспада» (1862)
и «Молодой человек в костюме махо»
(1863). Но выставиться в Салоне ему
не удалось. Впрочем, в тот год было отклонено почти три тысячи работ разных мастеров. Тогда-то и произошло
чрезвычайно важное событие, определившее ход истории искусства.
Возмущенные художники обратились
за разрешением открыть одновременно с официальным Салоном альтернативную, как сказали бы сейчас,
выставку, где могли бы демонстрироваться полотна художников, не принятые жюри.
САЛОН ОТВЕРЖЕННЫХ
Разрешение на проведение неофициальной выставки художники получили от самого Наполеона III, и в мае
1863 года она открылась во Дворце промышленности. На ней были представлены десятки, сотни работ самых разных
жанров и сюжетов. Мане задумывал
«Завтрак на траве» как центр композиции из трех своих работ, а в итоге
эта картина стала гвоздем программы
всей выставки. Но такой ли славы ожидал живописец?
Каких только эпитетов не получила
картина: «несъедобная» — с точки зрения критики, «опасная» — по мнению
зрителей, «неприличная» — со слов
Наполеона III… Она была не просто
осуждена, а осмеяна! Вряд ли этого
был достоин сюжет, позаимствованный

Глава VIII. Эдуард Мане (1832–1883)

из гравюры средневекового мастера
Маркантонио Раймонди, созданной
по рисунку «Суд Париса» Рафаэля.
Но вот художественные приемы Мане
действительно шокировали тогдашнюю
публику. Неубедительная, слабая перспектива, резкий, почти фотографический свет, незавершенность мазка, узнаваемость людей, с которых писалась
работа (Викторина Меран — любимая
модель Мане, его брат Гюстав и будущий шурин — скульптор Фердинанд
Леенхофф), взгляд нагой натурщицы
прямо в глаза зрителям — все это вызывало насмешки и отторжение.
Но целая плеяда молодых живописцев, среди которых были Моне, Писсарро и Сислей, открыто встала на сторону
Эдуарда Мане, полностью одобрив его
творческие искания. Художника поддержали и его друзья Шанфлери, Бодлер, а главное, Эмиль Золя, написавший
о выставке обзорную статью, в которой смело отстаивал художественный
вкус Мане.
Еще более крупным скандалом сопровождалось появление на выставке
1865 года картины «Олимпия» (1863).
И вновь — не обнаженная натура стала
причиной осуждения и травли, а то, ка кˆ
она была изображена: «грязный» тон
тела, вульгарность, «уродство» модели… Мэтры были готовы принять такую
«Венеру», будь ее изображение классически прекрасным, но манеру Эдуарда Мане они категорически отвергли.
И опять его поддержали только близкие друзья и группа импрессионистов.

«Всякий портрет,
написанный с любо
вью, — это, в сущ
ности, портрет
самого художника,
а не того, кто ему
позировал»
(О. Уайльд)

Палитра
(лат. paleterum —
пластинка,
дощечка) — небольшая тонкая
и легкая доска,
прямоугольная
или овальная,
на которой смешиваются краски
при написании
картины. В переносном смысле — цветовая
гамма, в которой
работает художник

«Другим приходится
таить в себе запрет
ные чувства, пока они
в самом деле не сокру
шат стен разума.
Вы же… можете изо
бразить их, можете
очистить тело и душу
от всякой скверны, пе
ренося свои сомнения
на полотно»
(Л. Фейхтвангер)

СИНДРОМ
СТЕНДАЛЯ
Психосоматическое расстройство,
характеризуется
частым сердцебиением и головокружением.
Возникает под
воздействием
произведений
изобразительного
искусства. Иногда
переживания
столь сильны, что
человек в состоя
нии аффекта
пытается уничтожить предмет,
вызвавший такие
бурные эмоции

Импрессионизм

Надо ли удивляться тому, что год спустя Мане сблизился с этой молодежью?
ЧУЖОЙ СРЕДИ СВОИХ
В 1866 году импрессионисты регулярно собирались в кафе Гербуа квартала Бартиньоль. Моне, Писсарро, Дега,
Сезанн, Ренуар — и Мане, которого
в своем небольшом кружке они считали старшим. Правда, это старшинство
распространялось только на жаркие баталии с представителями официально
признанного искусства — здесь молодым художникам было далеко до красноречивого и имеющего уже немалый
опыт борьбы с «академиками» Эдуарда. А вот при выездах на природу
Мане становился их учеником. Постепенно его палитра светлела, приобретала легкость и бо л̂ьшую воздушность.
Однако Эдуард так и не принял технику
неоформленного мазка и дивизионизма и к тому же не отказался от черного цвета. И что интересно, в окружении все более ярких и светлых тонов
черный у Мане приобретал совершенно удивительную выразительность, достаточно взглянуть на портрет Берты
Моризо его кисти (1872) или картину
«Бал в опере» (1873).
Но, говоря откровенно, несмотря
на всю свою скандальную известность, настоящего признания Эдуард
Мане так и не получил даже от импрессионистов. Большинство современников полагали его главой целой школы, но Мане не был импрессионистом.

Глава VIII. Эдуард Мане (1832–1883)

Знаменем, символом, наставником —
да, но не создателем. И все же его роль
в импрессионизме неоценима.
Точнее всего, пожалуй, о нем сказал
Поль Сезанн: «Что делает Мане настоящим предвестником, это то, что он дал
формулу простоты в эпоху, когда официальное искусство было напыщенным
и соглашательским».

САМЫЕ
СКАНДАЛЬНЫЕ
КАРТИНЫ
Э. МАНЕ
«Любитель
абсента»
ðð «Завтрак
на траве»
ðð «Олимпия»
ðð

Эдуард
Мане
(фото
Надара,
ок. 1888)

Эдуард Мане «Бар в Фоли-Бержер» (1881–1882)

Эдуард Мане «Сливовица» (ок. 1877)

Импрессионизм

ГЛАВА IX
ЭДГАР ДЕГА (1834–1917)
Живопись не слишком трудна для того, кто мало знает,
но для того, кто знает много… дело обстоит совсем иначе.
Эдгар Дега
Искать свой путь, отказывая себе в радостях жизни, осознанно отгораживаясь от общения, чтобы дать место и время творчеству, во всем добиваться совершенства, — кому
по силам так прожить жизнь? Одного из таких людей мы знаем — это Эдгар Дега.
ТОНКАЯ ЧИСТАЯ ЛИНИЯ

Лувр — один из
крупнейших и самый знаменитый
музей мира

Дега родился в обеспеченной семье.
Его отец был преуспевающим банкиром,
а мать — дочерью хлопкового брокера.
Детей в семье было пятеро, и отец хотел, чтобы его дело унаследовал первенец, Эдгар. К слову сказать, будущий
художник изначально носил фамилию
де Га, так как семья отца имела аристократические корни, но позже сменил ее
на более демократичную, не столь вызывающую.
Хотя ему прочили карьеру юриста, Эдгар с детства проявлял желание стать
художником; в юриспруденции и банковском деле он ничего не понимал.
Договориться с отцом оказалось непросто, но юноша сумел добиться разрешения заняться живописью.
Сначала он обучался в лицее Луиля-Гран, делая основной упор на рисование. Долгие часы проводил в Лувре,
копируя рисунки мастеров, и достиг
в этом значительных успехов. Дега вообще был склонен к перфекционизму.

Глава IX. Эдгар Дега (1834–1917)

Позже его друзья шутили, что, если
у него не отобрать картину, он нико
гда не закончит работу над полотном,
постоянно внося в него какие-то изменения в стремлении к совершенству.
В 1855 году Эдгар поступил в Школу
изящных искусств, оказавшись по итогам вступительного конкурса только
в начале четвертого десятка. Дега выбрал мастерскую художника Ламота,
ученика самого Энгра, которым Эдгар
восхищался и которого ему довелось
встречать у знакомых. Линия, четкая
и ясная, форма, строго очерченная этой
изящной линией, — вот что лежало в основе метода Энгра и его последователей. И это стало для Эдгара внутренним мерилом собственного творчества.
ИТАЛЬЯНЕЦ В ИТАЛИИ
Семья Эдгара была родом из Неаполя,
так что обычное для французских художников путешествие в Италию дало
молодому человеку возможность ближе познакомиться со своей итальянской родней. Впрочем, бо л̂ьшую часть
времени он исследовал шедевры прошлого и осваивал классическую композицию.
Очень большое влияние на молодого художника оказало знакомство с Гюставом Моро, с которым он встретился
в Риме в 1858 году. Моро был искренне
увлечен творчеством итальянцев: Рафаэля, Корреджо, Микеланджело, Тициана — причем в основном изучал и стремился передать их палитру, не уделяя

«Ничто в искусстве
не должно казаться
случайным, ни один
жест»
(Э. Дега)

ГРАФИКА
Один из видов
изобразительного искусства, где
выразительными средствами
служат линии,
штрихи, пятна
и точки. В этой
технике редко
используют цвет,
кроме основного — черного.
Основой для
работ является
бумага

« Хочетс я ска
зать художнику:
не лги — выдумы
вай!»
(С. Лец)

Темпера
(итал. tempera,
от лат.
temperare —
смешивать
краски) — крас
ки, состоящие
из порошковых
пигментов, растертых на яичном
желтке (или
цельном яйце)
либо на смеси
клеевого раствора и масла

«Каждый художник
обладает смело
стью, без которой
талант немыслим»
(И. Гёте)

Импрессионизм

особого внимания рисунку и композиции. Гюстав много экспериментировал
с техниками, в том числе с акварелью
и пастелью, и Дега перенял это увлечение. Позже Эдгар тоже начнет экспериментировать с пастелью, и в итоге на свет
появится растворитель его собственного «сочинения», основой которого станет
скипидар. Применение этого растворителя позволит ему получать сухую, нежную
и хрупкую поверхность картины.
В Италии Дега провел три года и вернулся оттуда с историческими полотнами и портретами родственников. Самой известной картиной того периода
стала «Семья Белелли» (1858–1861),
на которой изображено семейство тетки Эдгара Лауры де Га: она сама, ее муж
и две дочери.
Уже по возвращении во Францию,
в 1862 году, произошла судьбоносная для Дега встреча: в одном из залов Лувра он познакомился с Эдуардом
Мане. Сведя знакомство также с Ренуаром и Моне, Эдгар стал завсегдатаем
парижского кафе Гербуа, часами разговаривал с молодыми художниками
и писателями, создававшими новую реальность в искусстве. К концу 1860-х
годов Дега решил окончательно: ему
не по пути с классикой, он принимает
«новую веру», свободную от канонов.
ФОРМА ИЛИ ЦВЕТ?
Оставив родительский дом, Дега переехал в мастерскую на Рю-де-Лаваль,
в которой ему будет суждено прожить

Глава IX. Эдгар Дега (1834–1917)

до конца своих дней. Теперь натура для
него — повседневная жизнь, посетители кафе, парижане на прогулке, певицы и танцовщицы из дешевых кабаре.
С 1870-х годов художник начал экспериментировать с техникой пастели.
Естественное и органичное сочетание
живописи и графики крайне привлекало Дега. Он сам называл себя «колористом посредством линий». Его манеру
невозможно не узнать — легкая, эскизная, но при этом удивительно точная
и пластичная в рисунке, она сразу же
приобрела своих почитателей и подражателей, самым известным из которых
стал Тулуз-Лотрек.
Дега был активным членом «Анонимного общества художников, живописцев, скульпторов, графиков и пр.»,
постоянно участвовал в выставках импрессионистов, пропустив лишь одну
(в 1882 году). Критики упоминали его
вместе с Моне, Ренуаром и Сислеем,
но на самом деле в группе этих художников Эдгар Дега стоял особняком. Импрессионисты ставили во главу угла
цвет, Дега — рисунок. И это противоречие не имело решения. Постепенно
зревший конфликт привел в конце концов к расколу группы. К Дега присоединились художники более молодого
поколения: Видаль, Кэссет, Руар, Тилло. В сущности, назвать Дега импрессионистом можно лишь очень условно,
его творческие искания лежали за гранью этого направления — там, где позже зародится мощное течение постимпрессионизма.

Гравюра
(фр. graver —
вырезать, создавать рельеф) —
художественная
технология, при
которой произведение представляет собой
печатный оттиск,
полученный
с «доски» — деревянной или
металлической
пластины, на которой вырезан
рисунок

«Всякое искусство
есть умение жерт
вовать»
(Э. Дега)

ЯПОНСКАЯ
ГРАВЮРА
(УКИЁ-Э)
Вид гравюры на дереве,
зародившийся
в XVIII в. Изначально гравюры
были черно-белыми, затем
стали цветными.
Основные мотивы: бытовые сцены, борцы сумо,
гейши, пейзажи

С. Харунобу «Две
женщины на веранде» (ок. 1750)

Импрессионизм

Особенно ярко противостояние «рисовальщика» Дега «колористам» лагеря Моне отразилось в картине «Любители абсента» (1876).
ПО ЛЕЗВИЮ НОЖА
Начиная с 1880-х годов Дега работал уже в совершенно самостоятельной
манере, отдавая предпочтение пастели
и темпере. Собственно традиции в этой
технике не существовало, и художник
смело экспериментировал: делал растушевку при помощи щетки, воды и собственных пальцев, добиваясь незаметных, плавных переходов текстуры
и цвета.
Картины он писал сериями. В серии
«В ателье модистки» он собрал картины, написанные после походов с дамами по шляпным магазинам. В этот период появились первые работы из серии
«Обнаженные женщины за туалетом».
Техника пастели позволяла живописцу
добиваться желаемого эффекта минимальными средствами.
Как и многие художники того времени, Дега увлекся японской гравюрой,
столь полно отражающей его художественный идеал — отсутствие глубокой
перспективы, ограниченность в цвете, выверенную точность и пластичность контура. С другой стороны, он
не упускал из виду и новаторский вид
искусства — фотографию, у которой
заимствовал неожиданные ракурсы
и непривычные, словно случайно обрезанные по краям композиции.

Глава IX. Эдгар Дега (1834–1917)

Серия «Обнаженные за туалетом»
просто шокировала современников художника. Изображение натурщиц в такой реалистичной манере, без всякой
идеализации и прикрас, сочли вульгарностью. Но Дега был непреклонен: его
задачей было передать движение, а рисуя специально позирующую женщину,
сделать это невозможно.
Еще одной довольно обширной серией стали изображения конных скачек.
Здесь художник искал все того же —
движения, тонкой грани баланса, жизни в линии.
Однако любимой темой для Дега оставались театр и танец, особенно балет.
Он почти не делал зарисовок с натуры,
в балетных залах Дега наблюдал. Все
свои впечатления он переносил на полотно уже в мастерской, по памяти,
и считал такой метод единственно возможным: на картину должно попадать
только то, что удержано памятью и осмыслено.
Легкость картин Дега — это легкость полета балерины во время спектакля. За этими отточенными, полными
вдохновения движениями стоят часы
и дни монотонного тяжелого труда,
которого зритель никогда не увидит
и не почувствует. Одним из главных
шедевров Дега признана картина «Голубые танцовщицы» (1899). Признайтесь, вам казалось, что эти девушки
танцуют? На самом деле они просто
поправляют костюмы перед выходом на сцену. Но композиция выстроена так, что всё — руки, плечи, шеи

В течение последних 20 лет
Эдгар Дега, как
и его соратник-импрессионист Клод Моне,
страдал прогрессирующим
заболеванием
глаз. Из-за болезни он видел
цвета не такими,
какими они были
в реальности.
Этим объясняется изменение
цветовой гаммы
у обоих художников в конце
жизни

«Нет искусства
менее спонтанно
го, чем у меня. Что
я делаю, это резуль
тат размышлений
и изучения великих
мастеров»
(Э. Дега)

Импрессионизм

танцовщиц — складывается в своеобразный танец. Удивительно и прекрасно!
СМЕРТЬ ДО СМЕРТИ
Эдгар Дега был
не только живописцем и скульп
тором, но и графиком, хотя свои
графические работы он показывал
только самым доверенным и близким людям: Руару,
Воллару, Гогену
и Тулуз-Лотреку

«Картина, кото
рую хвалят больше
десяти процентов
публики, подлежит
сожжению»
(Б. Шоу)

Дега заслужил славу мизантропа, едкого в суждениях и высказываниях.
Но люди, знавшие художника ближе,
писали в мемуарах, что мастер искал
уединения, сознательно отгораживаясь
от людей, чтобы иметь возможность творить. Дега не переносил шума и суеты.
Постепенно в его картинах стала появляться подчеркнутая декоративность:
отсутствие деталей, жирные линии, яркие открытые цвета — пурпур, розовый,
зеленый. Скорее всего, так сказывалась
болезнь глаз, быстро прогрессировавшая у художника. Все чаще он обращался не к живописи, а к скульпт уре, обучаясь, по собственным словам, «ремеслу
слепого». К 1890 году Дега почти окончательно утратил зрение. И раньше замкнутый, он стал совершенно отчужденным. Последние годы жизни слепой Дега
провел, погрузившись в мрачную тьму
не только глазами, но и душой. Практически в полном одиночестве доживал
свои дни признанный художник, имевший к тому времени множество поклонников.
Творческое наследие великого Эдгара Дега огромно и неоценимо.

Глава X. Пьер Огюст Ренуар (1841–1919)

ГЛАВА X
ПЬЕР ОГЮСТ РЕНУАР (1841–1919)
Сегодня людям хочется все объяснить. Но если можно
объяснить картину, значит это уже не искусство.
Огюст Ренуар
Знакомо ли вам чувство, когда на картину хочется просто
смотреть, не распознавая стиля и жанра, не вникая в технику,
а просто наслаждаясь светом и радостью?.. Если да, то наверняка среди этих полотен есть произведения Огюста Ренуара.
ПРОСТАЯ ИСТОРИЯ
Огюст Ренуар родился в Лиможе в семье небогатого портного. Он был шес
тым из семерых детей, и ему ли было
не знать цену упорному труду и прилежанию. Когда Огюсту было три года,
семья переехала в Париж. Благонравные прихожане, Ренуары отдали сына
в церковный хор, и после нескольких
занятий регент, восхищенный голосом
маленького Огюста, сказал им, что ребенку надо учиться музыке.
Но отец предпочел отдать Огюста на
обучение в фарфоровую мастерскую. Его
младший брат Эдмон вспоминал спустя
годы, что, наверное, дело решили рисунки углем на стенах, которые постоянно
делал Огюст. С отцовским выбором Огюсту повезло — будущая профессия могла его прокормить. И он всерьез занялся
изучением ремесла художника-декоратора. Днем работал в мастерской, по вечерам шел на бесплатные курсы рисунка. Учение давалось ему легко, за пару
лет Ренуар сумел подняться от подмастерья до рабочего, и теперь ему доверяли

В годы, когда
Ренуар уже
жестоко страдал от артрита,
его друг Анри
Матисс навещал его почти
ежедневно. Однажды Матисс
спросил, зачем
продолжать
писать картины,
если каждый
мазок дается
художнику
с такой болью.
Ренуар ответил:
«Боль проходит, а красота
остается»

«В сорок лет я обна
ружил, что король
всех цветов — чер
ный»
(О. Ренуар)

КРУПНЕЙШЕЕ
СОБРАНИЕ
КАРТИН ИМПРЕС
СИОНИСТОВ
Находится в парижском Музее
Мармоттан-Моне.
В 1957 г. в музей
была передана
уникальная коллекция Жоржа
де Бельо —
врача, который
лечил многих
художников-импрессионистов,
даривших ему
свои картины.
В 1966 г. музей
получил и огромную коллекцию
Клода Моне, завещанную музею
его вторым сыном

Импрессионизм

роспись предметов, сначала посуды, а затем вееров и ширм.
Но еще больше Огюсту повезло в том,
что один из работников мастерской увлекался живописью и разрешил мальчику пользоваться его холстом и крас
ками. Тогда и была написана первая
картина будущей знаменитости. Увидев
ее, хозяин красок сказал, что Огюста
без сомнения ждет большое будущее
в живописи, и посоветовал родителям
сделать все возможное, чтобы их сын
получил необходимое образование.
В семье все знали, как тяжело даются
деньги. На свой заработок отец еле-еле
мог кормить семью, и решение скопить
денег на обучение Огюста было трудным,
но родители сделали правильный выбор.
Впоследствии Ренуар говорил, что прекрасно понимает, чем обязан своим родным. С детства и до самой смерти он с глубоким уважением относился к ремеслу
и гордился тем, что его отец и мать — простые люди. Он говорил, что мог бы родиться в семье интеллектуалов: «Мне понадобились бы годы, чтобы отделаться от всех
их идей и видеть вещи такими, каковы они
на самом деле, и мои руки не были бы то
гда достаточно ловкими».
В 1862 году Ренуар поступил в Школу изящных искусств, выбрав мастерскую Шарля Глейра.
ВЕРНЫЕ ДРУЗЬЯ
Ренуар посещал довольно много занятий у разных преподавателей, но учился в основном у Глейра, на уроках

Глава X. Пьер Огюст Ренуар (1841–1919)

которого студенты писали и рисовали обнаженную натуру. В свое время
Огюст сделал множество копий с картин в стиле рококо и, может быть, поэтому отдавал предпочтение ярким
и сочным краскам. Однако в Школе
это отнюдь не приветствовалось. Глейр
однажды долго смотрел, как работает
Ренуар, а потом холодно спросил: «По
всей вероятности, вы рисуете ради собственного удовольствия, не так ли?»
Ренуар ответил: «Ну конечно же, можете быть уверены, я бы ничего этого
не делал, если бы мне не нравилось рисовать!» Он совершенно не собирался
дерзить учителю, всего лишь искренне высказал свое мнение и творческое
кредо.
Возможно, учиться у такого мастера,
как Глейр, не было удачей для Ренуара,
но в этой мастерской его ждали встречи, определившие ход его жизни. Здесь
он познакомился сначала с Фредериком
Базилем, а через него — с Эдуардом
Мане, в то время ставшим для юноши
кумиром. У Глейра Огюст познакомился
и с Альфредом Сислеем, а также с Клодом Моне, который позже стал одним
из самых близких друзей Ренуара. Молодые люди постоянно встречались
и много беседовали о прошлом и будущем искусства. «Грядет Возрождение!» — восклицал Базиль, и не раз
заговаривал о том, что всем им нужно
объединиться в группу и вместе творить, открывая новые пути. Увы, сам
Фредерик не дожил до того момента,
когда импрессионисты действительно

«Не бойся совер
шенства, тебе его
не достичь никогда»
(С. Дали)

ПЕРВАЯ ЛЮБОВЬ
Огюст Ренуар
встретил свою
первую любовь,
Лизу Трео,
в 1865 г. Она
стала моделью
не менее чем
для 20 его
картин: «Лиза
с зонтиком»,
«Одалиска» и др.
Но живописец
так и не решился
сделать предложение руки
и сердца, а с тех
пор, как Лиза
вышла замуж,
больше никогда
ее не видел

«Какое чудо — вос
хищаться в живопи
си тем, чем в реаль
ности не восхища
ешься!»
(Э. Делакруа)

В последние годы
Огюст Ренуар
часто писал сад
у своего дома.
Интересно, что
ни на одном
из этих пейзажей
не был изображен дом, построенный по проекту
самого художника

Импрессионизм

объединились, провели свою первую
выставку и получили обидное прозвище «впечатлистов». Он погиб на франко-прусской войне.
Учеба у Глейра оказалась недолгой — в 1863 году мастерская закрылась. Впрочем, Ренуар покинул ее еще
раньше, поскольку у него не было денег,
чтобы оплачивать обучение. Это было
трудное время, время поиска заработка
и крайней нужды. Но вместе с тем это
был год открытия Салона отверженных,
создания «Завтрака на траве» Эдуарда
Мане и окончательного сплочения молодых художников. Как бы ни сложились
их судьбы впоследствии, как бы ни разошлись пути — сейчас они были едины.
УЧЕНИКИ ПРИРОДЫ
Следующее десятилетие стало для
Ренуара периодом расцвета импресси
онизма. Моне, Сислей, сам Огюст и присоединившийся к ним чуть позже
Камиль Писсарро учились у самой природы. Художники почти не бывали в Париже, постоянно работая на пленэре
в окрестностях Барбизона. Знаменитые
«бородачи» с радостью принимали молодежь, щедро делясь опытом и секретами мастерства.
В этот период художник создает самые известные свои полотна в жанре импрессионизма: «Лягушатник»
(1869), «Натюрморт с букетом и веером« (1871), «Катание на лодках в Аржантее» (1873). Светлая палитра, свободный мазок, живая игра света — все

Глава X. Пьер Огюст Ренуар (1841–1919)

картины этого времени полны радости,
дышат свободой.
Ранее послушно следовавший за Моне
и писавший только пленэр, Ренуар постепенно вводил в свои полотна людей. Если Клод Моне наделил трепетом и светом деревья, воздух и небо,
то Ренуару принадлежит заслуга применения импрессионистского метода
в изображении человека.
Со временем Огюст понял, что постоянно бунтуя, противопоставляя себя
официальному искусству, а главное, нарочито игнорируя Парижский салон, он
никогда не начнет зарабатывать творчеством. Друзья упрекали его, когда
в 1879 году вместо Четвертой выставки импрессионистов он отправил свои
работы в Салон. Но правда была проста: чтобы продавать картины и получать заказы, нужно было выставляться
именно там. Принимать обиды и упреки Огюст не пожелал. Ренуар считал,
что упрекать его имело бы смысл, поступайся он своими художественными
принципами из тщеславия, но он просто
писал, писал как можно лучше, и не собирался играть обиженного мальчика.
Написав «Портрет мадам Шарпантье
с детьми» (1878), Ренуар получил «кредит доверия» от заказчиков. Отныне его
известность и признание только росли.
ТАНЦЫ, ЖЕНЩИНЫ И ДЕТИ
Семью Шарпантье художник писал
еще не раз. Большую известность также получил «Портрет актрисы Жанны

«Живописец и скульп
тор — оба поэты,
но последний ни
когда не впада
ет в шарж. Скульптура не терпит
ни шутовства,
ни паясничества,
ни забавного, даже
редко — комическо
го. Мрамор не сме
ется»
(Д. Дидро)

В 1880 г. Огюст
Ренуар сломал
правую руку.
Но он не собирался оставлять
занятий живописью и просто взял
кисть в левую.
Уже скоро никто
не смог бы сказать, какой рукой
написан его очередной шедевр

МЕДВЕЖЬЯ
УСЛУГА
Знаменитый
портрет Жанны
Самари Ренуар
собирался выставить в Салоне
1879 г., однако
не успел покрыть
его лаком, так
как краски были
слишком свежие. Пришедший
за картиной посыльный подумал,
что лак не нанесен из экономии
и… покрыл
портрет остатками лака от другой
картины. Ренуару
пришлось срочно
переписывать
полотно

«Картина в музее
слышит больше глу
постей, чем кто бы
то ни было в мире»
(Э. Гонкур)

Импрессионизм

Самари» (1877). Никто не взялся бы
спорить с тем, что портреты особенно удавались Ренуару. Критики писали, что он видит и схватывает внешнее,
но столь глубоко и тонко чувствует его,
что передает и внутреннюю жизнь своих моделей. Женские лица на полотнах
Ренуара удивительно многообразны: он
писал женщин на танцах, во время завтрака, чтения, прогулок, сплетничающих друг с другом. Столь же разнооб
разно и их обрамление: утро, день или
вечер, природа или кафе. Но везде —
все тот же трепещущий свет и радостная яркая палитра.
Удивительной была способность Огюста Ренуара работать с детьми. Быть
моделью — нелегкий труд, а изображение детей, непоседливых, непосредственных, легко устающих от неподвижной позы, — самая трудная задача
для живописца. Но Ренуар не просто
любил малышей, он чувствовал их душой, сам был счастливым отцом троих детей. Его любимой моделью был
сын Жан. За свою долгую творческую
жизнь Ренуар написал множество детских портретов и среди современников не имел себе равных в этом жанре.
С годами Ренуар отточил свое искусство строить многофигурные композиции. Он писал множество жанровых
сценок, героями которых становились
обычные парижане, посетители кафе
и танцевальных площадок на Монмартре. Одним из признанных шедевров живописца считается картина «Бал в Мулен де ла Галетт» (1876),

Глава X. Пьер Огюст Ренуар (1841–1919)

на которую попали многие из его друзей и знакомых.
В 1881 году художник отправился
в путешествие по Италии — теперь
он был финансово обеспечен и мог
себе это позволить. Венеция, Калабрия, Рим, Неаполь, Флоренция… Ренуар был потрясен фресками Помпеи,
заворожен работами художников Возрождения. Вернувшись во Францию, он
резко изменил манеру письма — обратился к гораздо более сдержанной
и «сухой» манере, свойственной Энгру, которого Ренуар ставил очень высоко. Примером могут служить полотна
«Зонтики» (1881–1885) и «Купальщицы» (1884–1887).
Однако в 1890-х годах художник снова вернулся к импрессионизму в целой серии картин с обнаженной натуры,
вновь заполнив пространство полотен
светом и вибрацией воздуха и добавив яркости колориту. Ренуар работал до самого конца жизни, несмотря
на тяжелую форму артрита, безжалостно изуродовавшего пальцы художника и терзавшего его сильными болями.
До самого конца он оставался тем, кого
Октав Мирбо назовет «возможно, единственным великим художником, ни разу
не нарисовавшим грустной картины».

За 60 лет Огюст
Ренуар написал
около 6000 картин

«Художник — лжец,
но искусство —
правда»
(А. Моруа)

Эдгар Дега
«Авто
портрет»
(ок. 1855)

Эдгар Дега «Голубые танцовщицы» (1897)

Огюст Ренуар «Танец в Буживале» (ок. 1863)

Импрессионизм

ГЛАВА XI
КЛОД МОНЕ (1840–1926)
Я пытался сделать невозможное — нарисовать сам свет.
Клод Моне
Как думаете, получится ли у вас изобразить вкус, например, звуком? Многие скажут, что это невозможно и бессмысленно. Но так говорили окружающие и основоположнику импрессионизма Клоду Моне. Однако он не дал убедить себя
в невозможности и сумел передать форму — цветом.
«Моне — это все
го лишь глаз, но, Бог
мой, зато какой!»
(П. Сезанн)

ПРОГУЛЬЩИК И НАСМЕШНИК
По рождению Клод Моне был парижанином, он появился на свет в ноябре
1840 года в семье бакалейщика. Но ко
гда ему было пять лет, семья переехала
в Гавр, и вырос Клод именно там. Отец
хотел, чтобы сын занимался семейным
делом, но мальчика вообще мало интересовали и торговля, и учеба. Без за
зрения совести будущий художник прогуливал уроки, бо л̂ьшую часть времени
проводя на пляже и в прибрежных скалах. Академические науки ему не давались, да он и не проявлял никакого
прилежания.
Единственное, что интересовало
юного Клода, это рисование. Поначалу он все осваивал сам, мгновенно
зарисовывая карандашом не только
природу, но и людей. Вскоре Клод увлекся карикатурой и уже в четырнадцать лет стал знаменитостью округи.
Его шаржи были выставлены в витрине единственной местной лавки художественных принадлежностей, у Моне
появилась своя «клиентура». Жители

Глава XI. Клод Моне (1840–1926)

Гавра чуть ли не выстраивались в очередь, чтобы заполучить его рисунок.
И тогда Клод стал продавать свои карикатуры по 10–20 франков за штуку.
Его родители удивлялись: как можно
брать деньги за такую ерунду?
Для него нашелся учитель: в колледже преподавал ученик Давида Жак
Франсуа Ошар, и мальчик стал брать
у него уроки.
В 1857 году умерла мать Клода. Юноше
тогда было всего семнадцать лет, и его
взяла под некоторое «покровительство» тетка, Жанна Лекард. Она сама
любительски занималась живописью
и помогала племяннику, поддерживая
его морально и отчасти материально.
Конечно, выставляя свои рисунки в художественной лавке, Моне замечал и картины других художников,
в том числе пейзажи своего тогда уже
известного соотечественника Эжена
Будена. Правда, его работы Моне откровенно не понравились: он не видел смысла рисовать природу, да еще
не в мастерской, а с натуры. Но кто знает, стал бы основатель импрессионизма
тем, кем он стал, если бы судьба не свела его с Эженом Буденом…
Буден обладал мягким характером
и огромным терпением. Сразу разглядев задатки настоящего художника в карикатурах Клода, он сумел постепенно вызвать симпатию в сердце
строптивого подростка, а потом уговорил Моне выехать с ним на пленэр.
И тут в жизни Клода произошел переворот. «Вдруг словно пелена спала

«НЕИЗВЕСТНЫЙ
МОНЕ»
Одна из подделок полотна
Моне была
«легализована»
весьма занятным способом.
Художник-мошенник поставил
подпись Клода
Моне на готовой
картине, а потом поверх нее
написал вторую
картину и отнес
реставратору. Так
был «открыт неизвестный Моне»,
чья подлинность
не вызывала сомнений несколько лет

«Мой сад — мой
самый красивый
шедевр»
(К. Моне)

В 1867 г. Клод
Моне писал картину «Женщины
в саду». Художник неподвижно
сидел перед
полотном, и его
спросили, почему
он не пишет.
Моне только
покачал головой: «Не могу.
Нет солнца».
И действительно
продолжил работу только после
того, как облако
перестало заслонять светило

«Цвета преследуют
меня. Они даже бес
покоят меня во сне»
(К. Моне)

Импрессионизм

с моих глаз: я понял, почувствовал, что
такое живопись… я понял свое предназначение», — вспоминал художник
уже в старости. Отныне и навсегда его
пленила живая природа.
Эжен Буден учил Клода тому, что для
картины мало только каких-то выразительных деталей — все должно восприниматься единым целым, только тогда
впечатление будет правильным. Еще
один урок, который навсегда запомнился Моне: писать вживую и по памяти —
это совсем разные вещи. По мнению
Будена, ни одно воспоминание не могло удержать всю полноту увиденного,
и Моне это хорошо усвоил.
Эжен Буден отнюдь не стремился стать
единственным наставником юного дарования. Наоборот, он часто говорил о необходимости ехать в Париж и полноценно обучаться у тамошних мастеров. Отец
Моне пытался получить для сына стипендию, которую когда-то муниципалитет выделил самому Будену. Но ему было
отказано. Тем не менее в 1859 году отец
и тетка смогли собрать для Клода некоторую сумму, а Буден и еще несколько
коллекционеров и любителей живописи
снабдили его рекомендательными письмами. Моне добавил к этому собственные сбережения от продажи карикатур
и отправился в столицу.
ВОДА, ПРИРОДА И ВОСТОК
Весной 1859 года в Париже Клод
Моне поступил на обучение в Академию
Сюиса. Он общался с Делакруа, Готье

Глава XI. Клод Моне (1840–1926)

и Тройоном, постоянно писал о своих
впечатлениях Будену. Подружившись
с Камилем Писсарро, посещал собрания реалистов во главе с Курбе. Моне
впитывал в себя искусство пейзажа,
восхищался барбизонцами Коро, Руссо, а особенно Добиньи.
В 1860 году Моне призвали в армию.
Его часть была расположена в Алжире, где Клоду предстояло провести
два года, что сильно повлияло на его
художественное восприятие мира.
В 1862 году из-за болезни его отправили обратно во Францию.
Друзья посоветовали ему поступить
в мастерскую Глейра, чтобы освоить
рисунок. Моне категорически не хотел у него учиться, но студию посещал
и знакомился там с теми, кто впоследствии составит костяк группы импрессионистов, — Сислеем, Базилем и Ренуаром, дружба с которыми продлится
долгие годы.
Конечно, как и на остальных импрессионистов, огромное влияние на Клода Моне оказала картина Эдуарда Мане
«Завтрак на траве», да и весь Салон
отверженных 1863 года. Вскоре мастерская Глейра закрылась, и молодые художники стали ездить в Онфлёр
на пленэр.
В 1865 году Моне впервые представил
свои картины для выставки в Салоне,
и два его морских пейзажа удостоились
скромной похвалы: критики отметили
чувство гармонии и цвета, присущее
живописцу. Хотя Моне работал в манере, близкой к реализму Курбе, его

Карикатура
(итал. caricatura,
от caricare — нагружать, преуве
личивать) —
изображение
юмористического
или сатирического характера.
Комический эффект достигается
преувеличением
и заострением
характерных черт
и свойств или
неожиданными
сопоставлениями

ВЕЧНАЯ МОДЕЛЬ
Почти на всех
картинах Моне,
написанных
до второй женитьбы, в одной
из женщин можно
найти черты его
первой жены
Камиллы

«Кроме живописи
и садоводства я ни
чего больше не умею
делать»
(К. Моне)

Аукционисты
подсчитали, что
к 2013 г. было
продано 208 работ Клода Моне
на общую сумму
1622,2 миллиона
долларов

«Иногда при зака
те солнца видишь
что-нибудь необык
новенное, чему не ве
ришь потом, когда
это же самое ви
дишь на картине»
(А. Чехов)

Импрессионизм

не оставляла мысль о пленэре. Вдохновленный полотном Мане, в Онфлёре
он написал множество этюдов для картины, которой он позже дал то же название — «Завтрак на траве», но по
размаху постарался превзойти учителя. Это полотно вместило двенадцать
фигур в полный рост.
Моне и Ренуар всерьез взялись за исследование световых и цветовых принципов и нюансов работы на пленэре.
На берегу одного из притоков Сены они
нашли очень живописное место, куда
постоянно приезжали отдыхать богатые столичные жители. Там были купальни, кафе на воде, а изменчивость
природы особенно ярко видна в постоянном переливе отражений на воде.
Многочисленные зарисовки, этюды,
а особенно серии картин обоих художников сделали знаменитым это кафе
под названием «Лягушатник».
По полотнам Моне тех лет нетрудно
заметить, что он, как и все импрессионисты, одно время всерьез увлекался восточным искусством, а именно
японской графикой. Но Клод, в отличие
от товарищей, сохранил интерес к ней
до конца жизни. Благодаря этому глубокому увлечению Моне сумел открыть
и воплотить в импрессионизме необычные композиционные эффекты, совершенно не свойственные прежнему западному искусству. Художник много раз
отмечал, что японская ксилография отличается острым ракурсом и драматической обрезкой композиции. Вот откуда взялись на картинах «впечатлистов»

Глава XI. Клод Моне (1840–1926)

такие странные для их современников
углы зрения на изображаемый объект
и неожиданные границы полотен. Где
это видано, чтобы фигуры выходили
за размер холста, а значит, были написаны наполовину!
Влияние японского искусства можно
проследить на всех последующих картинах Моне, хотя со временем он преобразовывал и все больше перерабатывал его в собственном стиле.
СВЕТОЗАРНЫЙ РАССВЕТ
В 1870 году Клод женился на Камилле
Донсье, с которой познакомился за пять
лет до этого. Камилла станет художнику верной подругой, будет служить ему
моделью и родит двух сыновей.
В том же, 1870 году молодая пара
уехала в Англию, Моне не желал участвовать во франко-прусской войне
по личным убеждениям. С ними уехал
и Писсарро.
В Лондоне, поразившем воображение
Моне, он провел всего два года. Писал
друзьям, что часами может наблюдать,
как массивные тяжеловесные кварталы,
словно по волшебству, меняются в волнах тумана, становясь грандиозными
и прекрасными. Это откровенное любование, это восхищение знаменитым туманом особенно заметно в серии лондонских пейзажей, написанных Клодом
Моне в разные годы, — видах на Парламент, Гайд-парк и Лондонский Пул.
Вернувшись во Францию, супруги
Моне поселились в пригороде Парижа

САМЫЕ ДОРОГИЕ
КАРТИНЫ
КЛОДА МОНЕ
«Водяные лилии»
(1905)
ðð «Железнодорожный мост
в Аржантее»
(1873)
ðð «Водяные лилии»
(1904)
ðð

«Да, ни один ху
дожник, теперь
я это хорошо по
нимаю, не может
быть удовлетво
рен, если его произ
ведение восприни
мает лишь он один»
(А. Кристи)

Любимым цветком
Моне была лилия.
За свою жизнь он
написал больше
300 картин с изображениями лилий

«Удовольствие, ощу
щаемое нами при
виде художествен
ного портрета, есть
иное чувство, чем со
зерцание оригинала
в зеркале. Напротив,
оригинал часто бы
вает нам неприятен,
а воспроизведение
нас привлекает»
(А. Толстой)

В кинофильме
«Ванильное небо»
(1997) в квартире
главного героя
висел одноименный пейзаж Клода
Моне, изображавший Сену в Аржантее

Импрессионизм

Аржантее, там и начался расцвет его
творчества. Никогда в его картинах
больше не будет такого количества света, никогда палитра не будет столь богатой. Здесь Моне напишет свои знаменитые катания на лодках и сценки
из деревенской жизни, здесь создаст
известнейшую картину «Прогулка. Дама
под зонтиком» (1875). На манер своего
первого учителя Добиньи Моне построит
лодку-мастерскую, чтобы иметь возможность находить и писать натуру прямо
на реке. Любую его картину того периода можно назвать шедевром.
Это были счастливые десять лет его
жизни, полные любви и творческих
удач. Но в 1879 году Моне настиг жестокий удар: осенью умерла его любимая Камилла, оставив Клода с двумя
детьми. Художник тяжело переживал
смерть жены, это видно по его работам той поры. Прекрасную природу,
виды рек и лугов сменили натюрморты с дичью, написанные в мастерской,
а тона картин, написанных на пленэре,
резко потемнели. Покинув Аржантей,
Моне переезжал с места на место,
пока не осел наконец в Живерни,̂ где
и остался до конца жизни.
ПРИЗНАННЫЙ ГЕНИЙ
Потерявшему любимую жену Клоду Моне казалось, что все кончено.
Но у него впереди было еще сорок три
года жизни.
В 1878 году, при жизни Камиллы, супруги Моне приютили у себя семью

Глава XI. Клод Моне (1840–1926)

Эрнеста Ошеде, разорившегося французского финансиста, который в свое
время поддерживал художника, заказывая ему картины. Семейство Ошеде
сопровождало художника с сыновьями и после смерти мадам Моне. Спус
тя семь лет после переезда в Живерни
Клод Моне выкупил дом и землю, чтобы разбить сад. Там он обрел пристанище. Получив специальное разрешение, художник отвел к своему имению
воды реки Эпт и устроил пруды. По желанию хозяина в саду росли только голубые и розовые цветы, а пруды были
полны кувшинок. После кончины Эрнеста Ошеде Моне женился на его вдове
Алисе, приняв как родных и ее детей.
В дом мастера вернулось счастье.
Творческая манера художника изменилась. Сначала он написал серию
картин на вокзале Сен-Лазар: объединенные местом написания, все полотна имеют разную композицию. Увидев
их, Эмиль Золя объявил, что отныне художниками найдена еще одна тема для
раскрытия — вокзалы, ничуть не уступающая теме лесов и рек, которую раскрывали отцы и деды современных мастеров.
В 1886 году Моне на время поселился в рыбацкой хижине на небольшом
острове Бель-Иль, где написал серию
картин с изображением прибрежных
скал. Именно так живописец открыл
свой метод письма, который принес
ему мировую славу и признание. Он писал один и тот же сюжет сразу на нескольких полотнах, недолго (не более

«Получилось как бы,
что кистью нельзя
достать того, что
можно пером. Она
растрепана и не мо
жет достать в из
вилинах мозга, перо
острее»
(К. Малевич)

Первой работой
Моне, оказавшейся в России,
стало полотно
«Скалы в БельИль», которую
в 1898 г. привез
из Европы коллекционер Сергей
Щукин

Своим садом
Клод Моне занимался сам. Он
дважды создавал
пейзаж: первый
раз — высаживая
цветы, второй —
увековечивая их
на картинах

Импрессионизм

получаса) работая над каждой картиной в одно и то же время суток. Так, час
за часом меняя на мольберте картины,
Моне методично, день за днем создавал всю серию.
Первыми в такой технике были написаны «Стога», выставленные в галерее
Дюран-Рюэля и проданные за три дня.
За «Стогами» последовали «Тополя»,
«Руанский собор», «Мост Ватерлоо»,
«Здание Парламента», «Японский мостик», «Водяные лилии» и «Нимфеи».
В последние годы Моне страдал
от болезни глаз, перенес операцию
и сетовал, что обречен воевать с природой, противником вечно юным, а сам
стареет и теряет силы.
Клод Моне умер в 1926 году в Живерни, пережив всех своих друзей и соратников, не только первую, но и вторую
жену и старшего сына Жана. Он оставил
человечеству в наследство свое творчество — целую эпоху, давшую жизнь,
по сути, всему современному искусству.

Глава XII. Альфред Сислей (1839–1899)

ГЛАВА XII
АЛЬФРЕД СИСЛЕЙ (1839–1899)
Оживление полотна — одна из величайших трудностей
живописи. Наделить произведение искусства жизнью —
в этом, безусловно, одна из необходимейших задач
истинного художника.
Альфред Сислей
На фоне громкой славы Клода Моне, Огюста Ренуара и Эдгара Дега имя Альфреда Сислея кажется незаслуженно забытым. Он создал прекрасные, удивительно выразительные
и нежные полотна, но, чтобы разглядеть их, зрителям потребовалось время, много времени…
АНГЛИЧАНИН ИЛИ ФРАНЦУЗ?
Когда заходит разговор об импрессионистах, возникает прочная ассоциа
ция с Францией и только с Францией.
Однако фамилия Сислей, хотя и похожа
на французскую, — английского происхождения. И Альфред Сислей, несмот
ря на то что родился в семье англичан,
побывал в Англии всего лишь трижды
за всю свою жизнь.
Старинный английский род Сислеев
имел с Францией прочные связи. Дед
художника был женат на француженке, вел торговлю с французами, и неизвестно, где больше времени он проводил, на континенте или на острове.
Родители Альфреда жили во Франции,
там же родился и будущий художник.
Семья занималась коммерцией и была
довольно состоятельной. Отец, разумеется, хотел, чтобы сын-наследник продолжил его дело. В 1857 году Альфреда
отправили в Англию, чтобы он освоил

АКАДЕМИЯ
ИЗЯЩНЫХ
ИСКУССТВ
Одна из пяти
академий французского Института. Полностью
контролировала
«официальное»
искусство Франции. Из 40 членов Академии
выбирались
профессора
Школы изящных
искусств. Жюри
ежегодного Парижского салона
также избиралось академиками

«Жаль, что мы
не рисуем прямо гла
зами. Как много про
падает на длинном
пути от глаз через
руку к кисти»
(Г. Лессинг)

3 ШЕДЕВРА
АЛЬФРЕДА
СИСЛЕЯ
«Мост в Вильнёвла-Гаренн» (1872)
ðð «Под мостом
в Хэмптон-Корте»
(1874)
ðð «Наводнение
в Порт-Марли»
(1876)
ðð

Импрессионизм

азы торгового дела, а заодно и улучшил свой английский (по-французски
юноша говорил куда лучше). Однако
заниматься коммерцией он не пожелал: молодого человека тянуло к кистям и краскам. Нельзя сказать, чтобы
родители одобряли такой поворот дела,
но и препятствовать особо не стали.
Отец назначил сыну достойное содержание и разрешил отправиться в Париж, чтобы поступить в мастерскую для
обучения, что он и сделал в 1862 году,
попав в творческое ателье Глейра. Учеба давалась Сислею легко, его только
не устраивало то же, что и всю художественную молодежь, — академизм.
Довольно скоро Альфред познакомился с Моне, Ренуаром и Базилем. Эти
люди были по-настоящему близки ему
по духу, он разделял их взгляды и с радостью наполнялся идеями и энергией,
исходящей от друзей. Когда мастерская Глейра закрылась, все четверо отправились работать на пленэр у легендарного леса Фонтенбло, неподалеку
от Барбизона.
Из всей компании Альфред Сислей
был, пожалуй, самым застенчивым, обладал крайне мягким характером и, как
говорил Ренуар, не мог отказать даже
женщине. Но благодаря этой мягкости Альфред быстро становился своим в любой компании, уживаться с ним
было очень легко.
Поездки в Барбизон и его окрестности наложили неизгладимый след
на все творчество Сислея. Он изначально чувствовал желание работать

Глава XII. Альфред Сислей (1839–1899)

именно в жанре пейзажа, и совершенно неудивительно, что его кумиром стал
Камиль Коро.
ПРЕСЛЕДУЕМЫЙ НЕСЧАСТЬЯМИ
Казалось, что жизненный путь художника будет если не прост, то достаточно
безоблачен. Его первые работы, по-ученически тщательно прописанные, с явными признаками манеры барбизонцев,
в особенности Коро и Добиньи, были
приняты очень спокойно. Самый выдержанный по характеру в компании
импрессионистов, он и писал так же,
без надрыва, без отчаянного поиска,
но планомерно применяя все приемы и техники, вновь открываемые его
друзьями и им самим.
В 1863 году они вместе организовывали Салон отверженных. На эту неспокойную пору пришлись и перемены в личной жизни Сислея. Примерно
в середине 1860-х годов у него разгорелся роман с натурщицей Эжени Лескузе. В 1867 году она родила от Альфреда сына, а два года спустя — дочь,
хотя в браке они не состояли. Такое поведение сына Сислей-старший расценил как недостойное, он был крайне
разгневан и лишил Альфреда содержания. В сущности, начиная с этого момента и до конца жизни художник был
вынужден бороться с нищетой.
В 1870 году началась франко-прусская война. Многие друзья Альфреда
покинули Францию, а для него война
имела самые тяжелые последствия. Его

«Искусство — вы
ражение самых глу
боких мыслей самым
простым способом»
(А. Эйнштейн)

Марк Габриэль
Шарль Глейр
(1806–1874) —
швейцарский художник и педагог,
представитель
академизма.
Вел мастерскую,
из которой вышло множество
замечательных
живописцев:
Сислей, Ренуар,
Моне, Уистлер
и др.

«Есть области,
в которых посред
ственность невы
носима: поэзия, му
зыка, живопись, ора
торское искусство»
(Ж. Лабрюйер)

НАТЮРМОРТ
В изобразительном искусстве —
изображение
неодушевленных предметов,
объединенных
композицией.
Название жанра происходит
от фр. nature
morte — мертвая
природа

Импрессионизм

отец разорился, вместе с этим пропала надежда получить после него наследство. Из-за наступления прусских
войск Сислей был вынужден спешно покинуть Париж, бросив все небольшое
имущество, в том числе картины, которые так и не нашлись по его возвращении. До нашего времени из ранних полотен Альфреда Сислея дошли только
те, что уже были проданы, — меньше
двадцати картин.
Вернувшись после войны, Сислей решил остановиться в Вуазене, к западу от Парижа. В этот период он много работал, найдя свой неповторимый
стиль и оттачивая мастерство. Тогда
были написаны одни из лучших его
картин: «Канал в Аржантее» (1872),
«Поля близ Аржантея» (1873), «Сена
у Буживаля весной» (1876), «Наводнение в Пор-Марли» (1876), а также великолепная серия видов Хэмптон-корта,
которую он привез из короткой поездки в Англию.
Художник старался принимать активное участие в выставках своих друзей,
помогал всем, чем мог, но его произведения раз за разом терялись на фоне
более ярких работ Моне, Ренуара, Писсарро. Картины Сислея не имели успеха,
то есть не продавались, а ведь теперь
это был его единственный источник дохода. Вместе с семьей Альфред неоднократно менял квартиры, раз за разом
снимая все более дешевую. Понимая,
что он никогда не продаст полотна, выставляя их на «бунтарских» выставках, да еще в таком невыигрышном

Глава XII. Альфред Сислей (1839–1899)

положении, в 1879 году Сислей решил
снова отправить их в официальный Салон. Но вновь потерпел неудачу.
СКРОМНОЕ ОБАЯНИЕ ПРОСТОТЫ
В 1880 году Сислей переехал с семьей в Море-сюр-Луан, где и оставался
до самой смерти. Художник устал бороться не только за признание и успех,
но и просто за выживание, и его одолевала депрессия. Больше он уже не принимал участия ни в одной из выставок
импрессионистов. Однако творчества
Альфред Сислей не оставил, жил очень
скромно, замкнуто, но не полным затворником.
Скоро в Море у него появилось много
знакомых, хотя и не близких по духу —
среди них не было никого, кто мог бы
назвать себя другом живописца. Сислей много работал, пробовал технику
пастели, создал серию больших полотен, изображающих местную старинную церковь.
С 1890 по 1898 год художник регулярно отправлял свои работы в Салон. Их
выставляли, но ни известности, ни заработка это так и не приносило. Лето
1898 года семья провела в Корнуолле
и южном Уэльсе. Там Альфред наконец
оформил официальный брак с Эжени,
которая до сих пор была в глазах общества его любовницей, и стал законным
отцом их детей. Но в том же году Эжени заболела раком горла. Болезнь протекала тяжело, и Альфреду пришлось
оставить живопись, чтобы ухаживать

«Все жанры искус
ства хороши, кро
ме скучного, но ску
ка — не жанр»
(Вольтер)

«Анонимное общество художников, живописцев,
скульпторов,
графиков и пр.»,
основанное
в 1873 г., включало около 30 членов. Созданное
художниками-импрессионистами
для проведения
выставок самой
группы, после
первой же выставки Общество
распалось из-за
разногласий его
участников

МУЗЕЙ Д’ОРСЭ
Французский
национальный
музей, открытый
в декабре 1986 г.
Экспозиция включает западноевропейское искусство
1848–1914 гг. Пополняется за счет
частных коллекций, переданных
на хранение. Картины импрессионистов занимают
весь верхний этаж
здания, в их числе — знаменитый
«Завтрак на траве» Э. Мане

Импрессионизм

за женой. Законными супругами они
пробыли всего год. К тому времени Сислей знал, что сам страдает тем же заболеванием и что его дни тоже сочтены.
После похорон жены он письмом попросил Моне приехать, поручил заботам старого друга своих детей и вскоре умер.
После кончины Сислея Клод Моне
распродал его картины — другого имущества у Альфреда не было. Удалось
выручить всего лишь 160 000 франков.
А через год свершилось чудо.
В 1900 году «Наводнение в Марли»
было продано за… 43 000 франков!
А ведь когда-то сам Сислей получил
за нее всего 180 франков… Как будто у всех внезапно открылись глаза.
Зрители словно только что увидели
и оценили тихие, немного отстраненные, но тем более естественные и правдивые пейзажи, тончайшую колористику, простоту и искренность полотен
Альфреда Сислея. Художник не дожил
до славы и признания всего один год.
Сегодня он по праву считается создателем самых тонких и лиричных пейзажей в импрессионизме.

Глава XIII. Камиль Писсарро (1830–1903)

ГЛАВА XIII
КАМИЛЬ ПИССАРРО (1830–1903)
Счастлив тот, кто может разглядеть красоту в обычных
вещах, там, где другие ничего не видят! Всё — прекрасно,
достаточно лишь уметь присмотреться.
Камиль Писсарро
Есть люди, которые всегда ищут нового. А есть люди, всегда остающиеся приверженцами уже достигнутого. Это не хорошо и не плохо, характеры у всех разные. Но Камилю Писсарро удалось и то, и другое: упорным трудом он достиг высот в живописи, выбрав путь импрессионизма, и при этом
никогда не боялся оставить освоенное ради эксперимента.
ФРАНЦУЗ С АНТИЛЬСКИХ ОСТРОВОВ
Камиль Писсарро родился в небольшом портовом городке острова Сент-Томас в Карибском море. Его отец-еврей был женат на креолке, торговал
скобяным товаром. Детство Камиля прошло в Вест-Индии. В Париж он
приехал в возрасте одиннадцати лет
(в 1841 году): родители отправили его
туда учиться. Директор пансиона Пасси сразу обратил внимание на художественное дарование мальчика и посоветовал развивать его. На Сент-Томас
Камиль вернулся, когда ему исполнилось семнадцать. Отец тут же отправил
его торговать в лавку, и в течение пяти
лет юноша пытался совместить работу
за прилавком и занятия рисованием.
Однако на более долгий срок его
терпения не хватило. Камиль открыто заявил отцу, что совершенно не собирается становиться коммерсантом,
а станет рисовать, и поступил в ученики

АКАДЕМИЯ
СЮИСА
Основана Шарлем Сюисом,
бывшим натурщиком Жака Луи
Давида. По сути
не являлась
полноценной
академией:
вступительных
экзаменов туда
не было. За умеренную плату
любой желающий мог изучать
там азы анатомии
и писать обнаженную натуру

«Импрессионисты
на верном пути, их
искусство здоро
вое, оно основано
на ощущениях и оно
честное»
(К. Писсарро)

Лувесьенн — деревня на левом
берегу Сены,
между Буживалем и Версалем.
В 1860-х гг.
была популярна
у художников-импрессионистов
как место для
пленэра. С 1869
по 1872 г. там
жил Камиль Писсарро с семьей

Импрессионизм

к датскому художнику Фрицу Мельби.
Датчанин был старше Камиля всего
на пару лет, но в отличие от него имел
прекрасные навыки живописи. Спустя годы Писсарро писал о том времени: «В 1852 году у меня была хорошо
оплачиваемая работа на Сент-Томасе,
но я там не выдержал. Недолго думая,
я все бросил и удрал в Каракас, чтобы полностью расстаться с буржуазной
жизнью». Два года спустя Камиль вернется на родной остров, но только для
того, чтобы снова уехать — во Францию, и на этот раз навсегда.
Его приняли в Академию Сюиса, где
Камиль приобрел прочные профессио
нальные знания, однако на его творческую манеру это обучение особо
не повлияло. Писсарро вообще обладал свойством учиться у всего и у всех
и щедро делиться выученным и найденным в собственных поисках, которые вел постоянно. Уже первые картины Камиля — пейзажи, написанные
в окрестностях Парижа, — отличались
четко наметившейся манерой письма,
выработанной им самостоятельно.
Писсарро многое почерпнул в реализме Курбе, но его кумиром стал Коро.
Знаменитый пейзажист разрешил юноше указывать в каталогах выставок, что
он ученик Коро. Впервые полотна Камиля Писсарро, в частности «Пейзаж
в Монморанси», были выставлены в Парижском салоне 1857 года. Его работы имели успех, но добрые отношения
с жюри Салона у Писсарро так и не сложились.

Глава XIII. Камиль Писсарро (1830–1903)

Выставлялся Писсарро и в Салоне
отверженных, и примерно тогда же
познакомился с будущими импрессио
нистами: Клодом Моне, Альфредом
Сислеем, Фредериком Базилем. Пожалуй, принципы импрессионизма он стал
применять при написании своих работ
даже раньше других соратников. Свет
и воздух — вот главные герои его картин уже в то время.
Постепенно палитра Камиля светлела, освобождаясь от влияния Коро.
Писсарро писал все более широкими
и пластичными мазками. Любимым местом пленэра на долгие годы для него
стал Понтуаз, расположенный на реке
Уазе. Художник смело разбавлял холодные зеленые и синие тона теплыми. Небо и зелень смотрелись еще воздушнее от мазков красного и желтого,
какими Писсарро наносил на картину
людей или черепицу крыш.
В 1869 году Камиль с семьей пере
ехал в Лувенсьенн, но начавшаяся франко-прусская война заставила его, как
и многих других живописцев, бросить все
имущество и бежать, сначала в Бретань,
а оттуда в Лондон. В 1870 году он писал
своему другу Теодору Дюре: «Я не останусь здесь; только за границей чувствуешь, как Франция велика, прекрасна
и гостеприимна. Здесь все иначе! Здесь
встречаешь лишь равнодушие, презрение,
даже грубость. Художники тут завидуют
и не доверяют друг другу. Здесь нет искусства, здесь все предмет коммерции».
Однако в Лондоне Писсарро ждала
еще одна встреча — с Клодом Моне.

«Конечно, кое-кто
из известных худож
ников нас не призна
ёт, но разве не сле
довало ожидать
этого разногласия,
когда мы вторглись
в самую гущу схват
ки, чтобы водру
зить здесь наше
скромное знамя?»
(К. Писсарро)

Теодор Дюре
(1838–1927) —
художественный
критик, журналист, первый
историк импрессионизма

ЛЮБИМЫЕ
МЕСТА ПЛЕНЭРА
ИМПРЕССИОНИ
СТОВ
Аржантей
ðð Лувесьенн
ðð Понтуаз
ðð

«Не бойтесь того,
чтобы положить
цвет, нарисуйте ве
ликодушно и реши
тельно, поскольку
это лучшее, чтобы
не потерять первое
впечатление».
(К. Писсарро)

Импрессионизм

Друзья были счастливы, хотя и находились вдали от родины, но они были
вместе, оба восхищались лондонскими видами и моли работать — чего еще
желать? Они ходили по музеям, изучали
полотна Тёрнера, Гейнсборо, Лоуренса и Констебла и очень много писали,
Моне — в парках, а Писсарро — в предместье Норвуда, где он пытался уловить
и воплотить на холсте эффект тумана,
снега и наступающей весны.
«ПАПАША ПИССАРРО»
После войны Камиль вернулся в Понтуаз. Как Аржантей для Моне, этот пригород Парижа стал для Писсарро тем
местом, где он вел творческий поиск
и воплощал свои замыслы. Открытый
и уравновешенный, Писсарро всегда
привлекал людей, и со временем вокруг него начала собираться творческая молодежь, художники, среди которых были Поль Сезанн и Арман Гийомен.
Писсарро особенно сдружился в Сезанном, и в картинах того периода, периода расцвета для Камиля, отчетливо видно влияние, которое живописцы
оказывали друг на друга.
Принципы работы Писсарро были
просты: он искал натуру по своему темпераменту, форма и цвет интересовали
его гораздо больше, чем собственно рисунок. Он писал, пытаясь выделить самое существенное в увиденной натуре,
удержать и передать мгновенное впечатление от увиденного. Молодых товарищей по цеху Писсарро учил работать,

Глава XIII. Камиль Писсарро (1830–1903)

охватывая сразу все полотно и постепенно заполняя его до того момента,
когда добавить будет уже нечего.
В эти годы окончательно сформировался его хорошо узнаваемый стиль.
В картинах Камиля Писсарро мы не найдем ни декоративности, присущей Сислею, ни изумительной, неповторимой
верности глаза Моне, но зато в них есть
глубокое понимание природы и сила
кисти, с которой художник обращался
вольно и свободно. Он писал не только
пейзажи, но и людей, делал зарисовки
из крестьянской жизни.
«Дорога в Лувесьенне» (1870), «Въезд
в деревню» (1872), «Жатва» (1876),
«Красные крыши» (1877), «Отец Мелон
за распиливанием дров» (1879) — можно продолжать перечислять шедевры
тех лет. Тонкое владение техникой градации одного цвета, «унаследованной»
от Коро, смелость в противопоставлении контрастных тонов, выдержанная,
продуманная ритмика полотен — все
говорит о том, что перед нами работы уже сформировавшегося мастера.
Художник всегда очень много делал
для признания импрессионизма, умел
уладить почти любой конфликт, помогал, поддерживал, хлопотал… Он —
единственный из импрессионистов,
кто принял участие во всех восьми
организованных ими выставках. Его,
старшего в содружестве импрессионистов, по-дружески называли «папаша Писсарро» и, несмотря на разногласия, все относились к нему с равной
теплотой.

«ГРУППА
ДВАДЦАТИ»
Создана в 1883 г.
бельгийскими
художниками
для проведения
выставок без
отбора картин
жюри. Каждый
из 20 членов
«Группы» имел
право пригласить на выставку
одного иностранного художника.
В свое время там
выставлялись
Уистлер, Роден,
Моне, Ренуар,
Писсарро, Моризо
и Сёра

«Великим художник
становится, побе
див в себе роман
тика»
(Г. Миллер)

«Когда искусство
веды собираются
вместе, они гово
рят о форме, струк
туре и смысле.
Когда художники со
бираются вместе,
они говорят о том,
где можно купить
дешевый раствори
тель»
(П. Пикассо)

После одной
из выставок
пейзажей Эмиль
Золя сказал про
картину Камиля
Писсарро: «Она
доставила мне
полчаса наслаждения и отдыха»

Импрессионизм

А ведь на плечах Камиля лежала забота о жене, бывшей горничной его родителей, и семерых детях. Если Писсарро не работал, то целыми днями искал
покупателей на свои полотна. В конце концов ему повезло. Коллекционер
Поль Дюран-Рюэль, когда-то купивший
две его картины, заключил с Писсарро
контракт на монопольное право продажи его работ. Материальные проблемы
многодетного семейства были решены.
И только в 1901 году живописец захотел снова вернуть себе право свободно распоряжаться картинами.
ВЕЧНЫЙ ПОИСК
Всегда находившийся в активном
творческом поиске Камиль Писсарро
оставался таким до самого конца жизни. В возрасте пятидесяти пяти лет художник не побоялся отказаться от не
только сложившейся, но и приносившей доход манеры письма, чтобы попробовать силы в новом направлении —
пуантилизме. В этой манере работали
неоимпрессионисты Жорж Сёра и Поль
Синьяк. Помимо чисто профессионального риска, папаша Писсарро не побоялся и гнева друзей — Моне, Сислей
и Ренуар возмущенно осуждали его
за отступление от их общих художественных принципов и не желали выставляться вместе с пуантилистами.
Однако Камиль Писсарро настоял
на том, чтобы картины Сёра и Синьяка, а также его собственные, и работы
его сына Люсьена, писавшего в той же

Глава XIII. Камиль Писсарро (1830–1903)

манере, были приняты на Восьмую выставку импрессионистов, хотя они и демонстрировались в отдельном зале.
Работа с чистым цветом увлекала и завораживала мастера, но очень
скоро он понял, что ему все-таки недостаточно только точки, чтобы выразить через нее свои эмоции, — ему нужен мазок. Так и не сумев найти другой
выход, в 1889 году Писсарро отказался от пуантилизма и вернулся к своей
прежней манере.
В 1892 году Камиль Писсарро предпринял поездку в Англию, откуда привез
целый ряд прекрасных работ, в том числе «Риджент-парк» (1892) и «Лондонский парк» (1892). По возвращении он,
уже шестидесятисемилетний, вдохновился примером Клода Моне, начавшего
писать свои знаменитые серии: «Стога»,
«Японский мостик», «Руанский собор».
Несмотря на слабеющее зрение, Писсарро создал замечательную серию видов
парижского бульвара Монмартр.
Казалось, стареющий живописец
никогда не утратит интереса и тяги
ко всему новому. На склоне лет Писсарро пробовал себя в литографии и офорте и снова добился успеха, хотя сам
говорил, что не понимает, чем привлекают зрителя «эти бесформенные пробные офорты».
За долгую творческую жизнь Камиль
Писсарро не получил никаких наград
от государства, ни одна его картина
не была куплена официальными учреждениями. Но куда важнее было то, что
его несомненный талант признавали

5 ШЕДЕВРОВ ИМ
ПРЕССИОНИЗМА
Моне «Завтрак
на траве» (1866)
ðð Писсарро «Осеннее утро в Эраньи» (1897)
ðð Сислей «Сад Ошеде. Монжерон»
(1881)
ðð Ренуар «Лягушатник» (1869)
ðð Сезанн «Пьеро
и Арлекин» (1888)
ðð

Последние свои
картины Писсарро писал не на
пленэре, а в номерах гостиниц.
Этим объясняются их необычные
ракурсы

«Вообще, как я за
метил, почти все
вещи в этом мире
выглядят на кар
тинах куда лучше,
чем в действитель
ности»
(Дж. К. Джером)

Импрессионизм

не только друзья, но и художники-соперники, представители иных направлений. После смерти Камиля Писсарро
символист Шарль Морис сказал: «В его
лице французское искусство лишилось одного из выдающихся живописцев и графиков XIX века», — едва ли
не самая достойная эпитафия.

Клод Моне
(фото
Надара,
1898)

Клод Моне «Водяные лилии» (ок. 1915)

Камиль Писсарро «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно»
(1897)

Огюст Ренуар
«Портрет
Альфреда
Сислея»
(1868)

Неоимпрессионизм

НЕОИМПРЕССИОНИЗМ:
ОТ ЛИНИИ К ТОЧКЕ
Искусство не может отвлечься от стремлений своего времени.
Ромен Роллан
Если вы думаете, что в экспериментах со светом и цветом импрессионистам не было равных, то ошибаетесь. В 1885 году во Франции возникло новое течение, названное неоимпрессионизмом.
Представители этого направления не просто впитали принципы импрессионистов. Они
последовательно разрабатывали и применяли их, опираясь на научные достижения свое
го времени в области оптики, в конце концов придя к теории дивизионизма (от фр.
division — разделение), или, как его еще стали
называть, пуантилизма (от фр. point — точка).
Родоначальником метода стал француз
Жорж Сёра. Главной отличительной чертой
этого художественного направления была
манера письма: чистые пигменты наносились на полотно одинаковыми мазками-точками — круглыми, квадратными или прямоугольными. Вблизи картины пуантилистов
не рассмотреть, глаз способен воспринять целостное изображение только на расстоянии.
Во Франции неоимпрессионизм не получил особого развития, однако неожиданно нашел поддержку в Бельгии, и французские мастера часто выставлялись вместе
с «Группой двадцати» в Брюсселе.
Работы пуантилистов, в частности Синьяка и Кросса, подготовили почву для появления еще одного направления живописи —
фовизма, к которому относился, например,
Анри Матисс.

3 ШЕДЕВРА
ПУАНТИЛИЗМА
Сёра «Воскресный день
на острове
Гранд-Жатт»
(1884–1886)
ðð Сёра «Эйфелева
башня» (1889)
ðð Синьяк
«Папский дворец в Авиньоне» (1909)
ðð

Неоимпрессионизм

ГЛАВА XIV
ЖОРЖ ПЬЕР СЁРА (1859–1891)
Задача искусства не в том, чтобы копировать природу,
но чтобы ее выражать. Нам должно схватывать ум,
смысл, облик вещей и существ.
Оноре де Бальзак
Сёра прожил всего тридцать два года и написал всего семь
больших картин. Но сила его убеждения не только породила новую манеру живописи, но и позволила ей утвердиться
как художественному направлению — пуантилизму.
«Художника отли
чает то, что в его
жизни бывают ми
нуты, когда он ощу
щает себя больше
чем человеком»
(Ле Корбюзье)

НОВАТОРСТВО И КЛАССИКА
Жорж Сёра родился в семье министерского чиновника, благополучной
и зажиточной. Еще в детстве заинтересовавшись искусством, в местной школе живописи он осваивал технику традиционного рисунка, копируя гипсовые
слепки и репродукции разных художников у скульптора Жюстена Лекьена. В 1878 году Сёра поступил в Школу
изящных искусств, в мастерскую Анри
Лемана, ученика Энгра.
Материально обеспеченный благодаря содержанию, выделенному отцом, Сёра имел возможность экспериментировать, не страшась умереть
от голода. Очень скоро он стал живо
интересоваться новейшими течениями в живописном искусстве. Полотна Моне и Дега, которые ему довелось увидеть на Четвертой выставке
импрессионистов, поразили Сёра. Обладавший строго организованным методичным мышлением юноша стал искать собственный путь в огромном

Глава XIV. Жорж Пьер Сёра (1859–1891)

пространстве, открытом для художников импрессионистами. Не упускал он
из виду и новейшие научные исследования в области физики, в частности
оптики. Соединив свет, воздух и оптические законы, Сёра разработал ранее не применявшуюся технику письма,
основанную на разделении тонов. Его
в высшей степени индивидуальная манера, состоявшая из нанесения на полотно равновеликих мазков, круглых,
квадратных или прямоугольных, состоящих из чистых, не смешанных цветов,
получила название «пуантилизм».
Первыми же работами, выполненными
углем и мелом, художник объявил свой
творческий манифест. Его полотна продолжали традиции импрессионизма, хотя
радикально отличались техникой. Стремясь научно обосновать эмпирические
опыты «впечатлистов», Сёра предложил
графический аналог их поисков — отражение «атмосферных» эффектов на полотне. Более того, молодой художник
пытался не только систематизировать достижения импрессионистов, но и соединить их открытия с достижениями классических мастеров и даже искусством
Древнего мира (Египет, Греция), выведя
единую формулу света, цвета и гармонии. Удалось ли ему это?
НЕТ ПРОРОКА В СВОЕМ ОТЕЧЕСТВЕ
Первые полотна Жоржа Сёра были выставлены в Салоне 1883 года, а также
на Первой выставке Общества Независимых художников, где судьба свела его

В 2012 г. была
совершена,
пожалуй, самая
крупная кража
полотен импрессионистов
и постимпрессионистов: из
роттердамского
музея Кунстель
было похищено
семь картин, в том
числе знаменитый
«Мост Ватерлоо»
Клода Моне

«Только в природе
можно найти кра
соту, которая явля
ется великим объек
том живописи; тамто и надо ее искать
и нигде более»
(Д. Энгр)

100

БАТИНЬОЛЬСКАЯ
ГРУППА
Объединение художников, с 1869 г.
постоянно собиравшееся в кафе
Гербуа в квартале
Батиньоль Парижа. В основном
в группу входили
художники, которых позже назовут
импрессионистами

Дивизионизм
(от фр. diviser —
делить) — живописный метод,
разложение
сложного тона
на чистые спектральные цвета,
которые наносятся на холст
отдельными
мазками с расчетом на визуальное
слияние в нужный
цветовой тон при
восприятии картины с определенного расстояния

Неоимпрессионизм

с Полем Синьяком, который стал преданным последователем Сёра. Работая
вместе в новой манере, они окончательно дорабатывали технику пуантилизма. Картины, написанные в этом стиле, представляют собой своеобразную
мозаику из небольших мазков чистого
цвета. Рассматривать вблизи их нельзя — изображение словно «рассыпается» на кусочки. Но с определенного
расстояния человеческий глаз компенсирует отсутствие линий, и зритель распознаёт изображенный объект.
Несмотря на то что эксперименты
с разделением цвета проводил еще
Эжен Делакруа, такое новаторство
не встретило понимания у большинства
французских художников. Сёра, Синьяк
и примкнувшие к ним Кросс и Люс были
вынуждены бороться за признание их
метода искусством. Вскоре к неоимпрессионистам присоединились Камиль
Писсарро и его сын Люсьен. И только покровительство папаши Писсарро
и его авторитет помогли юным бунтарям участвовать в Восьмой выставке
импрессионистов, так как Моне, Ренуар и Сислей были категорически против соседства полотен пуантилистов
со своими работами.
На этой выставке Сёра представил свою картину «Воскресный день
на острове Гранд-Жатт» (1884–1886).
В течение полугода художник ежедневно выезжал туда на этюды, а потом еще
почти полтора года работал над самим
полотном в мастерской. Техника пуантилизма оказалась не только сложной,

101

Глава XIV. Жорж Пьер Сёра (1859–1891)

но и очень трудозатратной, работа шла
медленно.
Критики и публика были в смятении.
Они не могли различить, где чья картина
(на выставке демонстрировались работы Сёра, Синьяка и обоих Писсарро, Камиля и Люсьена). Да что там, они толком
даже не могли разглядеть изображение,
ведь для этого требовалось пространство между полотном и зрителем, а в тесноватом зале, заполненном любителями
живописи, такой возможности не было.
На фоне «Воскресного дня» работы импрессионистов, выставленные в соседних залах, показались зрителям едва ли
не классикой! Отныне у них появился новый объект осмеяния и издевок…
Но Сёра не обращал на это внимания.
Он продолжал эксперименты не только
с цветом, но и с размером «точки», его
мазок менялся от работы к работе —
от небрежно нанесенных прямоугольников до совсем маленьких кружков,
придающих картине странное «механическое» звучание. Кто знает, каких
еще высот смог бы достичь беспощадно логический разум Сёра, выводивший
формулы из самых мимолетных наблюдений, но в тридцать два года он скоропостижно скончался.
С его смертью развитие пуантилизма как теоретического направления,
к сожалению, прекратилось. Не признанный на родине, Сёра имел преданных последователей среди живописцев
других стран, но сам пуантилизм остался всего лишь оригинальной и сложной техникой.

«Благоприятные
условия? Их для ху
дожника нет. Жизнь
сама неблагоприят
ное условие»
(М. Цветаева)

АРЖАНТЕЙ
Северо-западное предместье
Парижа, популярное место отдыха
парижан в XIX в.
В 1873 г. Клод
Моне создал
на пленэре
в Аржантее
серию прекрасных картин,
а позже снял там
дом, куда могли
приезжать его
друзья. Это место
стало первым, где
импрессионисты
могли работать
вместе, обсуждая
свою технику

102

Неоимпрессионизм

ГЛАВА XV
ПОЛЬ СИНЬЯК (1863–1935)
Жалок тот мастер, произведение которого опережает
его суждение; тот мастер продвигается к совершенству
искусства, произведения которого превзойдены суждением.
Леонардо да Винчи
Талантливый человек талантлив во всем, гласит известная
поговорка. Может быть, многим одаренным людям просто
не хватает времени и упорства, чтобы раскрыться в полную
силу? Полю Синьяку повезло, он не жалел трудов и оставил
след в самых разных сферах искусства.
КРАСКИ И ЛИНЗЫ

Феликс Фенеон
(1861–1944) —
французский художественный
и литературный
критик, одна из ярчайших личностей
своей эпохи. Автор
множества статей
об импрессионистах и их последователях, первым
пытался сформулировать тезисы
школы неоимпрессионизма. Большую известность
имеет его портрет
кисти Синьяка

Поль Синьяк, как и Жорж Сёра, происходил из состоятельной семьи — его
отец был владельцем магазина. Обладающий несомненным дарованием,
Поль не получил академического художественного образования. Поначалу Синьяк планировал для себя карьеру архитектора, но в девятнадцать лет
решил заниматься живописью и очень
недолгое время брал уроки в свободной мастерской Бинга. Хотя, по большому счету, учился всему самостоятельно, копируя рисунки и картины других
мастеров, титанов прошлого и своих
современников. На развитие творческого метода Синьяка сильно повлияли работы импрессионистов, особенно Клода Моне.
Впервые Поль Синьяк продемонстрировал публике свои работы
в 1884 году, на первой выставке Общества Независимых художников, к созданию которого он и сам приложил

Глава XV. Поль Синьяк (1863–1935)

немало усилий. Там Поль и познакомился с Жоржем Сёра, который стал
ему другом и наставником. Сёра, бывший всего лишь несколькими годами
старше, к этому времени уже вполне
сформировался как художник, много работал над техникой рисунка, посещал лекции в Школе изящных искусств, читал все выходящие научные
труды.
Синьяк, заразившись энтузиазмом
старшего товарища, с удовольствием
погрузился в изучение трудов Шеврёля
и Гельмгольца, посвященных оптическим закономерностям взаимодействия
света и цвета. Как и у Сёра, его штудии
не остались теоретическими, Поль все
проверял на практике и вскоре убедился, что краски, не смешанные на палит
ре, а положенные отдельными мазками
рядом, звучат сильнее и ярче, — отныне
его живописная манера была определена. Синьяк стал убежденным пуантилистом, теоретиком и пропагандистом
нового художественного метода, сочетавшего в себе открытия импрессионистов в цвете и научные исследования
в области оптики.
Первые работы в новом стиле Поль
представил на Восьмой выставке импрессионистов — только благодаря
ходатайству Камиля Писсарро. Однако особого внимания они не привлекли. Основной скандал разыгрался вокруг «Воскресного дня» Сёра. Однако
в Нью-Йорке, куда полотна пуантилистов привез коллекционер Поль Дюран-Рюэль, они имели успех.

103

«ЛЯГУШАТНИК»
Плавучее кафе
на Сене, расположенное между
парижскими
пригородами
Буживаль и Шату.
Неподалеку находились купальни.
Любимое место
отдыха парижской богемы,
прославленное
картинами Ренуара и Моне

«Пейзаж Рембранд
та лежит где-то
в бесконечных про
странствах мира,
тогда как пейзаж
Клода Моне — по
близости от желез
нодорожной стан
ции»
(О. Шпенглер)

104

Неоимпрессионизм

ПЕВЕЦ ДИСКРЕТНОГО ЦВЕТА

АКВАРЕЛЬ
Художественная
техника с применением специальных
водорастворимых
красок, дающих
полупрозрачную
пигментную смесь.
Словно созданная
для отображения
атмосферных
эффектов, была
очень популярна
в живописи анг
лийских пейзажистов XVIII–XIX вв.
Однако импрессионисты, работавшие
на пленэре, редко
использовали
акварель, предпочитая более послушные масляные
краски

Конец 1880-х годов стал для Поля
Синьяка периодом творческого расцвета. Вместе с Сёра он посетил Брюссель,
годом позже обоих художников пригласили на выставку брюссельской «Группы двадцати». В Бельгии достижения
пуантилистов оценили очень высоко,
и в 1890 году Синьяк, первый из иностранных художников, получил членство в «Группе».
Синьяк, более эмоциональный и темпераментный, чем рассудительный
и замкнутый Сёра, не обладал его обширными знаниями. Его рисунки лишены рафинированности, а продуманные
жанровые сценки выглядят схематично. Гораздо большего успеха Синьяк добился в пейзаже.
С самого начала Поль Синьяк работал
в манере, склонной к декоративности.
Его оружие — цветовое пятно и контур.
И в полной мере раскрыть свой талант
он сумел на побережье Франции, работая над видами средиземноморской Ривьеры. Такие картины, как «Вид Коллиу
ра» (1887), «Лодки на солнце» (1891),
«Красный буй» (1895) — прихотливая
мозаика мелких мазков желтого, красного, синего, фиолетового и зеленого
цветов, но одновременно и удивительно точное отображение солнца и воздуха Средиземноморья.
Не столь выверенные, более обыденные полотна Синьяка были понятнее
и ближе зрителю, чем идеально просчитанные картины Сёра. Поль много путешествовал. Будучи заядлым моряком,

105

Глава XV. Поль Синьяк (1863–1935)

постоянно ходил на яхте, останавливаясь в различных портах, где писал
с натуры.
В отличие от большинства неоимпрессионистов он работал не только с масляными красками, но и прекрасно освоил акварель, особенно охотно применяя
ее для раскраски своих же перьевых
рисунков.
Портреты не были призванием Синьяка, а вот в пейзаже он был по-настоящему силен. Порты Франции, Венеция,
Константинополь, Париж, Ла-Рошель,
Авиньон, Сен-Тропе — созданные им
виды этих городов поистине являют
собой шедевры неоимпрессионизма:
«Тартаны, разукрашенные флагами»
(1893), «Папский дворец в Авиньоне»
(1900), «Константинополь. Ени-Джани»
(1909), «Предместье Парижа» (1883)
и другие.
Среди работ мастера особняком стоит
«Портрет Феликса Фенеона на эмалевом фоне, ритмизированном размерами и углами, тонами и красками» (1890),
свидетельствующий о живом интересе
живописца к проблемам прикладного
искусства. Кроме того, Синьяк писал
книги, посвященные теории искусства,
в частности очень известны его труд
«От Эжена Делакруа к неоимпрессио
низму», посвященный Сёра, и монография о нидерландском пейзажисте Яне
Йонкгинде.
Поль Синьяк, наделенный множеством талантов, все свои силы отдал
искусству и стал признанным классиком еще при жизни.

«Неоимпрессионист,
следуя советам Дела
круа, не начнет холст,
не решив заранее, как
и что на нем размес
тить… Доминирую
щая линия будет го
ризонтальной для вы
ражения спокойствия,
восходящей — для
выражения радости
и нисходящей — для
выражения печали»
(П. Синьяк)

КАРТИНЫ ИМ
ПРЕССИОНИСТОВ
В РОССИИ
Государственный
Эрмитаж (СанктПетербург) —
Моне, Ренуар,
Сезанн, Дега и др.
ðð Государственный
музей изобразительных искусств
им. Пушкина
(Москва) — здесь
можно увидеть
«Голубых танцовщиц», одно из лучших полотен Дега
ðð

Поль Синьяк «Сосна в Сен-Тропе» (1893)

Поль Синьяк «Во время гармонии»
(«Золотой век находится не в прошлом, а в будущем», 1894–1895)

Жорж Пьер Сёра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт»
(1884–1886)

Жорж Пьер
Сёра «Цирк»
(1891)

108

Постимпрессионизм

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ:
ВСЕ ДАЛЬШЕ ЗА ГОРИЗОНТ
Искусство — это гармония, параллельная природе.
Поль Сезанн
Под постимпрессионизмом (что в буквальном переводе
с французского означает «после импрессионизма») в искусстве понимаются течения и направления европейской живописи, в основном французской, в период с 1886 года (дата проведения Восьмой выставки импрессионистов) до начала XX века,
вплоть до момента возникновения кубизма и фовизма.
Исследование
специалистами-математиками
картин Ван Гога,
написанных в период психической нестабильности, принесло
неожиданное
открытие: завихрения на некоторых его полотнах
довольно точно
совпадают
с невидимыми
глазу турбулентными потоками
воздуха

Сам термин «постимпрессионизм» ввел
в обращение в 1910 году английский критик Роджер Фрай, организовав в Лондоне
выставку современной живописи. За этим
названием скрывается крайне неоднородное явление. Единой школы постимпрессионизма не существует, как и единого
отличительного признака этого направления. Постимпрессионизм объединяет
как отдельные школы (неоимпрессионизм,
группа «Наби», Понт-Авенская школа), так
и гениев-одиночек, не выработавших собственную школу (Ван Гог, Тулуз-Лотрек,
Сезанн, Анри Руссо). Однако все они пытались создать новые изобразительные системы на основе открытий импрессионистов, творчество которых после распада
их союза в 1886 году тоже смело можно
отнести к постимпрессионизму. Примером тому может служить сам основатель
импрессионизма Клод Моне, в последних
своих работах отказавшийся не только
от сюжета, но и от формы, создавая почти
абстрактные цветовые композиции.

109

Глава XVI. Поль Сезанн (1839–1906)

ГЛАВА XVI
ПОЛЬ СЕЗАНН (1839–1906)
Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра,
надо учиться писать на этих простых фигурах,
и если вы научитесь владеть этими формами,
то сделаете все, что захотите.
Поль Сезанн
Самое верное доказательство — от противного. Показать всю важность и силу открытий импрессионистов через «конструктивизм» композиции и вечные константы жизни — для этого мало просто быть талантом, надо было быть
Полем Сезанном.
ВЕЛИКИЙ УПРЯМЕЦ
Поль Сезанн родился в Экс-ан-Провансе, у напористого, властного и обладавшего отличной деловой хваткой отца.
Луи Огюст Сезанн, обучившись в Париже шляпному ремеслу, вернулся на малую родину и сначала открыл торговлю
шляпами, а после успешного развития
предприятия начал ссужать деньги и стал
преуспевающим ростовщиком. Никаких
особых талантов за маленьким Полем
не замечалось, но академическое образование он получил прекрасное. Поль Сезанн всю жизнь любил классическую литературу и даже в старости был способен
цитировать античных авторов страницами. Рисование также входило в обязательную программу колледжа, где будущий знаменитый художник учился вместе
с будущим знаменитым писателем и своим лучшим другом Эмилем Золя.
У Поля с детства был твердый характер. На первый взгляд, не имея задатков

«Писать не зна
чит рабски копиро
вать действитель
ность, это значит
уловить гармонию
разнообразных от
ношений и перело
жить их на свой лад,
раскрыть их соглас
но новой и ориги
нальной логике»
(П. Сезанн)

110

«Искусство всегда
дело всей личности.
Поэтому оно в осно
ве своей трагично»
(Ф. Кафка)

«Группа Наби» —
объединение
художниковпостимпрессионистов (Боннар,
Руссель, Серюзье
и др.), созданное
в 1888 г. в Париже. Необычное
французское
название Nabis
восходит к древнееврейскому
«наби», что означает «пророк».
Единого стиля
группа не имела, основным
принципом было:
каждый волен
идти своим путем

Постимпрессионизм

живописца, он стремился получить художественное образование, несмотря
на сопротивление отца. Немалыми усилиями сломив его, в 1861 году Поль уехал в Париж, чтобы поступить в Школу
изящных искусств, оплот благонравия
и приличия (пожалуй, это было единственное, что могло примирить ростовщика с выбором сына).
С самого начала творческого пути Сезанн проявил одно из самых ярких своих качеств, как ни странно, сослуживших ему хорошую службу, — великое
упорство в достижении поставленной
цели. Провинциальное происхождение,
акцент и грубоватые манеры постоянно
давали повод для насмешек со стороны других студентов Академии Сюиса.
Именно в юности Поль научился не обращать внимания на слова, а насмешек
в жизни его ждало еще немало…
Однако ни первая, ни вторая попытка
поступить в Школу изящных искусств
не увенчались успехом. Этот период
его творчества позже будут называть
темным (из-за колористики картин) или
романтическим. С 1862 по 1870 год Сезанн писал сюжеты, исполненные драматизма: «Искушение Святого Антония
(1867–8170), «Портрет Мари Сезанн»
(1866–1867), «Пиршество» (1867),
«Увертюра к Тангейзеру» (1869). Его
мазок был нарочито груб, что вряд ли
нравилось академикам-классицистам.
В конце 1860-х годов у Сезанна появились первые значительные успехи в порт
рете. Его буйную, яростную манеру сравнивали с музыкой Вагнера. Но настоящий

111

Глава XVI. Поль Сезанн (1839–1906)

успех пришел к Полю, когда он познакомился с импрессионистами.
«ИМПРЕССИОНИСТ НАОБОРОТ»
В 1870-е годы Поль Сезанн всерьез увлекся проблемами света и цвета. В 1872
и 1873 годах, выезжая на пленэр с Камилем Писсарро, он перенял у старшего
товарища более светлую и яркую палит
ру, сдержанность мазка: «Вид Оверна»
(1873), «Парочки, отдыхающие на берегу пруда» (1873–1875), «Купальщицы»
(1874–1875). Его прогресс был очевиден,
но все равно полотна молодого живописца воспринимались в штыки и осмеивались, а отправленная им на Первую выставку импрессионистов (1874) картина
«Новая Олимпия» и вовсе вызвала скандал. Все тот же Луи Леруа, когда-то безжалостно критиковавший полотна Мане
и его молодых сподвижников, писал:
«Помните „Олимпию“ господина Мане?
Так вот это был шедевр рисунка, точности и завершенности в сравнении с картиной господина Сезанна».
После Третьей выставки импрессионистов Сезанн решил оставить это направление и заняться собственными
творческими разработками. В 1879 году
он уехал в Экс, где и оставался до конца своих дней. «Импрессионистский»
период его творчества закончился —
наступила эпоха «конструктивизма».
Несомненной заслугой и настоящим
подарком для потомков стали попытки Сезанна соединить яркие краски импрессионистов и прочную структуру

ОНФЛЁР
Небольшой порт
в Нормандии,
в устье Сены,
недалеко от Гавра. Известен как
место пленэра
не только импрессионистов, но и их
предшественников: Тёрнера,
Боннингтона,
Коро, Добиньи

Поль
Дюран-Рюэль
(1833–1922) —
французский
коллекционер
и владелец картинной галереи,
друг многих
художников-импрессионистов

112

ТИПЫ
ПОРТРЕТОВ
По количеству
моделей: индивидуальный, парный, групповой
ðð По характеру:
парадный,
интимный
ðð По масштабу:
лицевой,
погрудный,
поясной, в рост
ðð По ракурсу:
в профиль, в три
четверти, анфас
ðð

«Чистый рисунок —
это абстракция, ри
сунок и цвет нераз
делимы, в природе
все окрашено»
(П. Сезанн)

Постимпрессионизм

объемного рисунка. Творческое кредо
художника — это зеркальное отражение девиза импрессионистов «Запечатлей мгновение!». Поль Сезанн стремился познать конструктивный замысел
Творца через природу и отобразить
на полотне не ежеминутное, а вечное,
не текучий поток жизни, а ее неизменные основополагающие законы. Пожалуй, полотна, написанные в этот
период, стали вершиной его творчества — это серии «Гора Сент-Виктуар»
и «Натюрморты с яблоками».
Это время творчества и — затворничества. Художника, ничем не напоминавшего о себе Парижу, почти забыли. И только в пятьдесят шесть лет
Сезанн заключил договор с владельцем
галереи Волларом и отправил ему сразу 150 своих работ. Это была его первая
персональная выставка, и она прошла
с ошеломительным успехом.
Сезанн был рад и не рад этому. Он
мечтал, чтобы оценивали его искусство,
но при этом не беспокоили его самого. Последние годы творчества Поля
Сезанна критики назвали «синтетическим» периодом. В это время его окружали не только поклонники, но и молодые художники, для многих из которых
встреча с Сезанном стала судьбоносной
и определяющей в творчестве.
Наследие живописца трудно переоценить, именно его творческие находки во многом определили направление развития современного искусства,
составив основу фовизма и кубизма
в ХХ веке.

113

Глава XVII. Винсент Ван Гог (1853–1890)

ГЛАВА XVII
ВИНСЕНТ ВАН ГОГ (1853–1890)
В живописи есть нечто бесконечное — не могу как следует
объяснить, что именно, но это нечто восхитительно
передает настроение. В красках заложены скрытые
созвучия и контрасты, которые взаимодействуют сами
по себе и которые иначе как для выражения настроения
нельзя использовать.
Винсент Ван Гог
Этот художник прожил недолго, всего тридцать семь лет.
Да и писал из них всего лишь чуть больше семи лет. Однако
его наследие огромно и неоценимо, а имя его столь же известно миру, как имена Рафаэля и Микеланджело, и трудно найти человека, который ничего не слышал о Винсенте Ван Гоге.
5 САМЫХ
ИЗВЕСТНЫХ
КАРТИН
ВАН ГОГА

МИССИОНЕР И МУЧЕНИК
Один из величайших художниковпостимпрессионистов родился на юге
Голландии в семье протестантского
пастора. Первенец Ван Гогов родился
и умер в тот же день за год до рождения
Винсента, и он, родившись вторым, был
старшим ребенком в семье. Гувернантка, занимавшаяся их воспитанием, говорила, что ничего путного из Винсента
не вырастет. С детства мальчик отличался странным характером, не был
похож на братьев и сестер. На людях
скромный, тихий и сдержанный, дома
он был капризным и своенравным. Эту
двойственность характера потом много
раз будет отмечать Теодор Ван Гог, которому придется присматривать за старшим братом.
Поначалу ни о какой художественной карьере Винсент и не помышлял.

«Звездная
ночь» (1889)
ðð Серия
«Подсолнухи»
(1887–1888)
ðð «Ирисы» (1889)
ðð «Ночная терраса кафе» (1888)
ðð «Автопортрет
с перевязанным
ухом» (1889)
ðð

114

«Как много в искус
стве прекрасного!
Кто помнит все,
что видел, тот ни
когда не останет
ся без пищи для раз
мышлений, никогда
не будет по-настоящему одинок»
(Ван Гог)

Считается, что самыми известными
в мире являются
три художника:
Леонардо да Винчи, Винсент
Ван Гог и Пабло
Пикассо. Леонардо «отвечает»
за искусство
старых мастеров,
Ван Гог — за импрессионистов
и постимпрессио
нистов XIX в.,
а Пикассо —
за абстракционистов и модернистов XX в.

Постимпрессионизм

Он хотел быть священником, как и отец.
В 1878 году он уехал в шахтерский район Бельгии проповедовать Евангелие
бедным и нуждающимся. Там он жил
в крайней нищете, спал на полу на соломе и почти не ел.
Однако его ярое религиозное рвение не оценили ни власти, ни семья.
В 1880 году Винсент, при поддержке брата Тео, уехал в Брюссель, чтобы учиться в Королевской академии
изящных искусств. Но через год он бросил учебу, решив, что сможет продолжить занятия и сам. С 1881 года Ваг Гог
начал писать.
Обращаясь к сюжетам, которые он
наблюдал среди шахтеров, художник
даже в натюрмортах использовал очень
темные краски. Винсент несколько раз
переезжал: из Брюсселя — в Антверпен, где очень непродолжительное
время посещал Академию художеств,
а из Антверпена — в Париж, где он,
не имея средств к существованию,
остановился у брата Тео.
Париж предоставил ему фееричные
возможности. Винсент приходил в мастерскую Фернана Кормона, познакомился с Тулуз-Лотреком и Бернаром,
Писсарро, Сёра и Гогеном. Он глубоко
увлекся японской гравюрой, что немедленно отразилось на его полотнах, таких как «Слива в цвету» (1887), «Вид
Сены с мостом Клиши» (1887).
Но существовала и оборотная сторона его натуры. На улицах Винсент
был тихим и неприметным, но дома
в него словно вселялся бес. Визиты

115

Глава XVII. Винсент Ван Гог (1853–1890)

друзей и знакомых нередко заканчивались скандалом. В конце концов Ван
Гог покинул столицу и отправился на юг
Франции.
ГЕНИЙ И САМОУБИЙЦА
В 1888 году Ван Гог остановился
в Арле, где прозрачный воздух и яркие цветы напоминали ему столь любимую по гравюрам Японию. Винсент
был захвачен здешней природой, его
палитра преобразилась. Он расцвечивал полотна ярким синим, желтым
и фиолетовым, писал как одержимый,
успевая закончить в день несколько
холстов. Портреты, пейзажи, натюрморты, среди которых особенно выделяется серия с подсолнухами — символом солнца и света южной Франции…
В октябре к нему приехал Поль Гоген,
и Винсент искренне обрадовался другу. Однако с самого начала между ними
стали вспыхивать ссоры. Полю художественные достижения Винсента казались смешными и нелепыми, тот болезненно реагировал на критику, но это
не останавливало Гогена. И вот, 23 декабря 1888 года, во время очередной ссоры, Ван Гог бросился на друга
с бритвой…
Трудно сказать, что именно произошло в тот вечер, — версий случившегося довольно много. Но факты остаются фактами: Гоген покинул город, а Ван
Гог, то ли в раскаянии, то ли в приступе безумия поранивший себе мочку
уха, оказался в больнице Арля. Из-за

АРЛЬ
Городок на берегу Роны в Провансе (Франция).
Стал знаменитым
после того, как
там несколько
месяцев жил
и работал Винсент Ван Гог

«Нам было бы го
раздо полезнее
не устраивать
грандиозных выста
вок, а обратиться
к народу и трудить
ся во имя того, что
бы в каждом доме
висели картины или
репродукции»
(Ван Гог)

116

«Мастерская
юга» задумывалась Ван Гогом
как место общей
работы импрессионистов.
Художник считал,
что она может
стать аналогом
группы, работавшей в Понт-Авене
под предводительством
Гогена и Бернара.
Но идея оказалась утопической,
приезд Гогена закончился ссорой
друзей и первым
припадком безумия у Ван Гога

Постимпрессионизм

злоупотребления абсентом и, вероятно,
из-за принимаемых лекарств у Ван Гога
развились галлюцинации и мания преследования. Его поместили в изолятор.
До конца жизни Винсент Ван Гог оставался в плену душевной болезни, изредка возвращаясь в разумное состояние. Но именно на это страшное,
трагичное время пришелся расцвет
его творчества. За неполные два года
он написал свои знаменитые пейзажи
с кипарисами и оливами, поля и виноградники Арля, натюрморты и всемирно
известную «Звездную ночь». Тяжелое
душевное состояние несомненно отра
зилось в его работах, но как экспрессивны и смелы поиски в цвете и форме!
Жизнь художника оборвалась 29 ию
ля 1890 года. Во время очередного приступа болезни Винсент Ван Гог на прогулке выстрелил в себя из пистолета.
День спустя он умер. Последней написанной им картиной стали «Вороны
над пшеничным полем» — черные птицы, заслонившие ярко-синее небо над
желтым морем пшеницы.

117

Глава XVIII. Поль Гоген (1848–1903)

ГЛАВА XVIII
ПОЛЬ ГОГЕН (1848–1903)
От эскиза до осуществления мечты очень далеко,
но что из того, разве предвидение счастья
не есть предвкушение нирваны?
Поль Гоген
Доступно ли европейцу понимание истинной сущности туземных народов — островитян? Большинство твердо ответят «нет»: попытаться понять — можно, но постичь — нельзя. Однако Поль Гоген своим творчеством успешно опроверг
это отрицание.
МЕТИС-САМОУЧКА
Поль Гоген родился полукровкой: его
отец был французом, а мать — перуанкой. Наверное, эти две половины каким-то таинственным образом и определили его художественную стезю.
Родившись во Франции, детство Поль
провел в Перу у родственников матери. Отец его умер, когда мальчику исполнился всего год. Воспоминания детства обычно самые крепкие, и Поля всю
жизнь волновало море и тянуло в страны, похожие на ту, где он вырос. Ко
гда Гогену было семь лет, мать вернулась с ним во Францию. Мальчик быстро
осваивал французский язык, успешно учился, затем поступил на службу во флот. Оставив флот, в двадцать
три года он стал биржевым маклером
и весьма преуспевал на этом поприще.
Кажется, здесь просто неоткуда было
взяться Гогену-художнику. Да, он увлекался живописью и рисованием, но делал это для собственного удовольствия,

КАК ЧИТАТЬ
ГОГЕНА
Картина Поля Гогена «Откуда мы
пришли? Кто мы?
Куда мы идем?»
(1898) хранится
в бостонском
Музее изящных
искусств (США).
Сам художник
указывал, что
«читать» полотно
надо справа налево: три группы
фигур будут
иллюстрациями
к поставленным
вопросам

118

«Для меня великий
художник обяза
тельно являет со
бой великий ум»
(П. Гоген)

5 ШЕДЕВРОВ
ПОСТИМПРЕССИО
НИЗМА
Сезанн «Курильщик» (1890–1892)
ðð Ван Гог «Дорога с кипарисом
и звездой» (1890)
ðð Гоген «А, ты ревнуешь?» (1892)
ðð Тулуз-Лотрек «Танец в Мулен Руж»
(1889–1890)
ðð Ван Гог «Автопорт
рет» (1889)
ðð

Постимпрессионизм

а материальное положение позволяло
ему тогда не только содержать жену
и детей, но и тратить ощутимые средства на составление неплохой коллекции картин.
К 1876 году у него уже был один Мане,
несколько Ренуаров, полотна Сезанна,
Писсарро и Моне. А год спустя Гоген
лично встретился с Камилем Писсарро,
который пригласил его в Понтуаз и давал уроки на пленэре. Единственный
учитель Поля Гогена, папаша Писсарро не только учил его секретам художественного ремесла, но и помог участвовать в выставках импрессионистов
в 1879, 1881, 1882 и 1886 годах.
Быть может, Поль Гоген и дальше продолжал бы заниматься живописью любительски, но в 1882 году произошел
крах биржи. Сотни маклеров, в том числе и Гоген, потеряли работу. И Поль
решил попытаться зарабатывать на
картинах. Но его полотна не продавались — темноватые, не особенно оригинальные пейзажи, все еще несущие
следы ученичества: «Пещера в скале»
(1882), «Дети на пастбище» (1884). Решив добиваться признания в среде художников, не способный на компромиссы Гоген в конце концов ушел из семьи,
чтобы не оставлять живопись. Он жил
в нужде, почти нищенствовал и был
вынужден для заработка расклеивать
афиши.
Но Поль не оставлял попыток подняться. Позже его ждало путешествие
в Панаму, из которого он привез ставшую гораздо более светлой и яркой

119

Глава XVIII. Поль Гоген (1848–1903)

палитру, сделав первый шаг к своей
знаменитой «мастерской тропиков».
Будет и плодотворное время, проведенное в Понт-Авене, где Поль станет легендой для молодых художников, живших там в пансионате, и очень
продвинется в освоении манеры
письма, называемой синтетизмом. Здесь
будут написаны его шедевры «Желтый
Христос» (1889) и «Прекрасная Анжела» (1889). Но настоящий взлет был
еще впереди.
ВОСПЕВШИЙ ПОЛИНЕЗИЮ
Постепенно Гоген стал укрепляться
в мысли, что цивилизация — это зло.
Выросший на экзотической родине матери, в Перу, он всегда тянулся к жаркому климату, ярким краскам и экзотике.
В 1891 году он уехал на Таити. Новый
мир захватил его целиком. Сумасшедшая яркость палитры, намеренное отсутствие гармонии в цветах, глубины
и перспективы — Гоген нарушал все
правила европейской живописи, искал
новые выразительные средства, чтобы
отобразить совершенно новое и ранее
неизведанное — первобытную, нетронутую цивилизацией культуру, которой
он восхищался. Он полностью погрузился в работу и писал с необычайной
легкостью. За два года Гоген создал
около 80 полотен.
Он приехал во Францию, но совсем
ненадолго. Гоген привез в Европу свои
новые картины, рассчитывая на удивление и признание, а значит, и на успех.

СИНТЕТИЗМ
Художественное
направление,
возникшее
во Франции
в конце 1880-х гг.
Стиль отличается
декоративным
использованием
цветовых пятен,
символичностью
образов, отсутствием детализации. Наиболее
яркие представители — Гоген
и Бернар

«Возвышенность
замысла показыва
ет нам душу худож
ника»
(П. Гоген)

120

«МАСТЕРСКАЯ
ТРОПИКОВ»
Была задумана Гогеном как
альтернатива
«Мастерской
юга» Ван Гога.
Живописец собирался переехать
на Мадагаскар
и открыть ее там
для друзейхудожников, как
только обзаведется прочным
хозяйством.
Но эту идею Гоген
так и не осуществил

«Я закрываю глаза
для того, чтобы ви
деть»
(П. Гоген)

Постимпрессионизм

Но в Париже его не ждали, не поняли
и не приняли. Выставка, где он представил публике 10 своих новых работ,
не вызвала ничего кроме осмеяния. Моделей-таитянок парижское общество
называло «четверорукими самками».
Но если бы только общество… Гогена не понимали и его бывшие товарищи. Только Дега, восхитившись новой
манерой Гогена, поддержал его и купил несколько полотен. Писсарро, Ренуар и Моне назвали его полинезийскую живопись «скверной».
В 1895 году Поль Гоген окончательно вернулся в Полинезию. Отныне его
жизнь была здесь. Он женился на молодой таитянке, писал пейзажи, работал журналистом, сочинял рассказы.
Именно тут из-под его кисти вышли
лучшие полотна, где отголоски европейской культуры перекрыл мощный
чистый голос местных мифов и колорита: «Автопортрет с желтым Христом» (1890), «Королева, жена короля»
(1896), «Откуда мы? Кто мы? Куда мы
идем?» (1897). Его последним пристанищем стал остров Хива-Оа, где Поль
Гоген скончался в возрасте пятидесяти пяти лет. Славу и признание он получил только после смерти, но влияние
его творчества на дальнейшее развитие европейского искусства бесспорно.

Поль Сезанн «Натюрморт с драпировкой» (ок. 1898)

Поль Гоген «А, ты ревнуешь?» (1892)

Анри де Тулуз-Лотрек «В цирке Фернандо: инспектор манежа»
(1888)

Винсент
Ван Гог
«Авто
портрет»
(1889)

Глава XIX. Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901)

123

ГЛАВА XIX
АНРИ ДЕ ТУЛУЗ-ЛОТРЕК
(1864–1901)
Я рисую вещи как они есть.
Я не комментирую. Я делаю запись.
Анри де Тулуз-Лотрек
Он мог бы прожить обычную скучную жизнь и никогда не взять
в руки кисть. И мир никогда бы не узнал о том, каким был Монмартр конца XIX века и какой жизнью жил Париж полусвета.
Несчастье сделало его калекой — и подарило миру выдающегося художника-постимпрессиониста Анри де Тулуз-Лотрека.
ДЕТСТВО АРИСТОКРАТА
Граф Анри Мари Раймон де Тулуз-ЛотрекМонфа был потомком древнейшего аристократического рода Франции. Детство
он провел в родовом поместье в Альби,
а после развода родителей попеременно
жил то в имении Шато-дю-Боск, то в Шато-дю-Селейран. Он получил соответствующее его положению образование, учился
греческому и латыни, осваивал верховую
езду и танцы. С отцом, водившим маленького графа в цирк и на ярмарки, которые
он полюбил всей душой, теплых отношений у Анри не было никогда. Эксцентричный и самолюбивый, отец больше уделял
внимания себе, нежели сыну. Зато с матерью Анри был по-настоящему близок.
Казалось, перед Тулуз-Лотреком лежала прямая и ясная дорога. Его ждало
обучение в университете, «правильный»
брак, наследники и упорядоченная, подчиненная строгому регламенту высшего света жизнь. Но переломы обеих ног,

«Я отнюдь не воз
рождаю француз
ское искусство,
я сражаюсь с не
счастным листом
бумаги, который
не причинил мне ни
какого зла и на ко
тором, уверяю вас,
у меня не получает
ся ничего хорошего»
(А. де ТулузЛотрек)

124

Иветт Гильбер
(1867–1944) —
французская
актриса и певица, известная
исполнительница
шансона, одна
из любимых моделей Тулуз-Лотрека. Сама певица
не любила свои
портреты его кис
ти, напоминавшие
ей карикатуры,
но сейчас ее имя
не забыто только
благодаря им

«Я попытался сде
лать то, что верно
и не идеально»
(А. де ТулузЛотрек)

Постимпрессионизм

полученные почти подряд, кардинально
изменили жизнь мальчика. Травмы тому
причиной или наследственная болезнь,
но с четырнадцати лет у Анри перестали
расти ноги. На всю жизнь он остался человеком с торсом мужчины на коротких,
почти детских ножках.
Обычный путь аристократа был для него
закрыт. И это, как ни странно, позволило
Тулуз-Лотреку развить свой талант, который при ином стечении обстоятельств,
быть может, остался бы не известным никому, кроме узкого круга близких.
Анри от природы был удивительно наблюдательным рисовальщиком. Еще
в 1878 году он брал уроки живописи в Альби, в родном имении. Ему было все равно,
что писать, людей или животных, — Анри
увлекал сам процесс. Затем он продолжил
обучение в мастерской Бонна в Школе
изящных искусств, куда попал в 1881 году.
Но классическая манера очень скоро надоела молодому человеку. Тулуз-Лотрек
и его друзья-художники Бернар и Анкетен
обратились к Фернану Кормону с просьбой принять их на обучение.
Наставник сразу понял, что талант его
ученика весьма своеобразен. Анри было
трудно удерживаться в рамках реальности, точно копировать модель. Он старался изо всех сил, но глаз словно сам выис
кивал правду, а рука утрировала детали
изображения, отражая эту правду в рисунке. Тулуз-Лотрек обладал редким дарованием гротескного рисовальщика.
Восхищаясь работами Дега и японской
гравюрой, юноша выработал собственный
стиль на их основе.

Глава XIX. Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901)

125

«Я НИГДЕ НЕ ЧУВСТВУЮ СЕБЯ
БОЛЕЕ УЮТНО!»
В своей мастерской на улице Турлак
в Париже Анри был душой компании, компенсируя физический недостаток великолепным воспитанием и искрометным
остроумием. В эти годы он создал множество замечательных портретов, выдержанных в стиле импрессионизма, от которого вскоре отказался: «Портрет матери»
(1887), «Портрет Ван Гога» (1887), «Рыжеволосая в белой блузе» (1888), «Пьяница» (1889).
Чуть позже Тулуз перебрался на Монмартр. Это место было самым скандальным и злачным в Париже, а значит,
и во всей стране, — и оно стало его пристанищем, а населяющие его люди —
друзьями и вдохновителями художника.
Вот когда он погрузился в атмосферу постоянного балагана и ярмарки —
совсем как в детстве! Только теперь это
была его жизнь, и все в ней было всерьез.
Завсегдатай цирков, кафе и танцевальных площадок, Анри скоро сам стал местной достопримечательностью. Казалось,
у него был «свой столик» везде, куда он
приходил, чтобы искать образы и идеи
для картин.
Одна из самых ярких тем полотен Тулуз-Лотрека — кабаре «Мулен Руж» 1890-х
годов. Танцоры, актеры, шансонье — все
они его модели. Стиль его письма становился все динамичнее, острее и точнее.
Художника мало интересовали тонкости
цвета, гораздо больше — линия, силуэт, а главное — психологический образ.

Фовизм
(от фр. fauve —
дикий) — течение в живописи
французского
постимпрессионизма. Особенности: яркость
цветов, упрощение формы, яркая
эмоциональная
выразительность, резкость
и контрастность
колорита, отказ
от линейной перспективы и светотени. Лидеры
движения: Анри
Матисс и Андре
Дерен

126

3 ШЕДЕВРА
ТУЛУЗ-ЛОТРЕКА
«Салон на улице
Мулен»
(1894–1895)
ðð «Аристид Брюан
в „Амбассадер“»
(1893)
ðð «В цирке
Фернандо» (1888)
ðð

«Я совершенно
не способен напи
сать пейзаж, даже
простую тень, мои
деревья похожи
на шпинат, а море
на все что угодно,
кроме моря»
(А. де ТулузЛотрек)

Постимпрессионизм

Цветовое решение Тулуз-Лотрек выбирал простое — заливку контура практически только одним тоном и его градациями. «Мулен Руж. Ла Гулю с сестрой»
(1892), «Актриса Марсель Лендер» (1895),
«Иветт Гильбер» (1895), «Клоунесса ШаЮ-Као» (1985) — типичные примеры его
работ тех лет.
Нельзя не отметить еще одну сторону
его творчества. Анри Тулуз-Лотрек был
первым из художников, кто профессионально занялся рисованием афиш, сделав
рекламный плакат высоким искусством.
А еще пару лет спустя Тулуз-Лотрек
оставил кабаре и дансинги, чтобы… писать в борделях. Серия рисунков, посвященная обитателям публичных домов и их
обыденной жизни, сразу стала скандально известной, хотя даже на своей выставке в 1896 году Лотрек разместил всего
несколько работ — в отдельном зале, запертом на ключ, куда приглашал только
избранных. Ни одной работы этой серии
Анри не продал. В этих рисунках, этюдах
и картинах была настоящая правда жизни,
не парадная, а оборотная сторона. Сторона людей, униженных и отброшенных обществом. К этому миру принадлежал и сам
Тулуз-Лотрек — и кто мог лучше отобразить такую правду?
Анри де Тулуз-Лотрек никогда не берег
себя, буквально сжигая здоровье, и так
не особенно крепкое от природы, в ночных бдениях, алкоголе и безудержном веселье ночного Парижа. Он умер от паралича в возрасте тридцати семи лет на руках
у матери, в одном из родовых поместий
в Бордо.

ЛИТЕРАТУРА И ДРУГИЕ ИСТОЧНИКИ
1. Зорина Е. Шедевры мировой живописи. Развитие импрессионизма. — М.: Белый Город, 2008.
2. История зарубежного искусства / Под ред. М. Кузьминой, Н. Мальцевой. — М.: Искусство, 1971.
3. Калмыкова В., Тёмкин В. Шедевры мировой живописи.
XIX век. Национальные школы. — М.: Белый Город, 2008.
4. Майорова Н., Скоков Г. Шедевры мировой живописи.
XIX век. Новые стили. — М.: Белый Город, 2009.
5. Мировое искусство. Импрессионизм / Сост. И. Г. Мосин. — СПб.: СЗКЭО «Кристалл», 2006.
6. Мировое искусство. Направления и течения от импрессионизма до наших дней / Сост. А. Савельева. — СПб.:
Оникс, 2006.
7. Ревалд Д. История импрессионизма. — М.-Л.: Искусство, 1959.
8. Рудычева И., Скляренко В., Иовлева Т. 100 знаменитых художников XIX–XX вв. — Харьков: Фолио, 2007.
9. Самин Д. 100 великих художников. — М.: Вече, 2004.
10. Скоробогатько Н. Шедевры мировой живописи. Импрессионизм. — М.: Белый Город, 2008.
11. Чегодаев А., Веймарн Б., Колпинский Ю. Всеобщая история искусств в 6 томах. — М.: Искусство, 1956.
12. Энциклопедия импрессионизма / Под ред. М. и А. Серюлля. — М.: Республика, 2005.
13. http://bibliotekar.ru/slovarZhivopis/
14. http://dic.academic.ru/
15. http://www.krugosvet.ru/

Все права защищены. Книга или любая ее часть не может быть скопирована,
воспроизведена в электронной или механической форме, в виде фотокопии,
записи в память ЭВМ, репродукции или каким-либо иным способом, а также
использована в любой информационной системе без получения разрешения
от издателя. Копирование, воспроизведение и иное использование книги или
ее части без согласия издателя является незаконным и влечет уголовную,
административную и гражданскую ответственность.

Издание для досуга
ЭНЦИКЛОПЕДИЯ БЫСТРЫХ ЗНАНИЙ

ИМПРЕССИОНИЗМ
Для тех, кто хочет все успеть
Текст Е. Хортова
Директор редакции Е. Капьёв
Ответственный редактор Ю. Орлова
Редактура Т. Клунная
Художественный редактор Г. Булгакова
Выпускающий редактор Т. Темкина
Компьютерная верстка Н. Зенков
Корректура Т. Темкина

И Н Т Е Р Н Е Т - М А ГА З И Н

М А ГА З И Н

И Н Т Е Р Н Е Т

И Н Т Е Р Н Е Т - М А ГА З И Н

И Н Т Е Р Н Е Т

М А ГА З И Н

Подписано в печать 14.09.2015. Формат 84x1081/32.
Печать офсетная. Усл. печ. л. 6,72.
Тираж
экз. Заказ